意大利文藝復興



意大利文藝復興

數百年來，意大利文藝復興時期的藝術在整個歐洲都具有影響力。

 

描述意大利文藝復興時期的藝術和分期

重要要點

關鍵點

·         佛羅倫薩繪畫學派在文藝復興時期成為主流風格。文藝復興時期的藝術品比以前的藝術運動描繪了更多的世俗主題。

·         米開朗基羅，達·芬奇和拉斐爾是文藝復興時期最著名的畫家。

·         高文藝復興時期之後是舉世聞名的舉動運動。

關鍵詞

·         壁畫：一種壁畫，其中將彩色顏料與水混合併應用於濕灰泥。隨著石膏和顏料的干燥，它們融合在一起，繪畫成為牆壁本身的一部分。

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

文藝復興始於14世紀，在意大利和整個歐洲大部分地區，直到16世紀，文藝復興一直是主要風格。“文藝復興”一詞是在19世紀開發的，目的是描述這段時期及其伴隨的藝術風格。但是，在文藝復興時期生活的人們的確與中世紀的前輩有所不同。通過各種倖存的文字，我們知道文藝復興時期的人們將自己與眾不同之處是因為他們刻意試圖在藝術和建築方面模仿古代人。

佛羅倫薩和文藝復興

當您聽到“文藝復興”一詞並描繪一種藝術風格時，您可能會想到佛羅倫薩發展起來的文藝復興風格，它在文藝復興時期成為主要的藝術風格。在中世紀和文藝復興時期，意大利被分為許多不同的城市國家。每個城市州都有自己的政府，文化，經濟和藝術風格。文藝復興時期在意大利開發了許多不同風格的藝術和建築。例如，錫耶納（Siena）是法國的政治盟友，在整個文藝復興時期的大部分時間裡，其藝術都保留了哥特式元素。

在此期間，某些條件有助於佛羅倫薩的文藝復興風格的發展。在15世紀，佛羅倫薩成為主要的商業中心。布的生產推動了他們的經濟發展，並且出現了商人階層。14世紀發展起來的人文主義仍然是影響藝術創作的重要思想運動。

文藝復興早期

在文藝復興早期，藝術家開始拒絕拜占庭式的宗教繪畫風格，並在描繪人類形態和空間時力求創造現實主義。對現實主義的追求始於Cimabue和Giotto，並在“完美”藝術家的藝術中達到頂峰，例如Andrea Mantegna和Paolo Uccello，他們創作的作品採用了單點觀點，並以他們受過教育的，知識淵博的藝術視角進行表演。觀眾。

在文藝復興早期，除了風格，我們還看到了主題方面的重要發展。宗教是文藝復興時期人們日常生活的重要組成部分，並且仍然是藝術創作的驅動因素，但我們也看到了一條喘息的新途徑-神話主題。許多學者指出，波提切利的《維納斯的誕生》是神話場景的第一幅面板畫。雖然傳統本身可能起源於通常以神話和浪漫文本為場景的卡松石繪畫，但神話般的壁畫的發展將為藝術的讚助，生產和主題打開一個世界。

維納斯的誕生：波提切利的維納斯的誕生是文藝復興初期最重要的作品之一。

高複興

高文藝復興時期代表了早期文藝復興時期目標的高潮，即以可信的運動和適當的裝飾風格對空間中的人物進行現實的表現。此階段最著名的藝術家是達芬奇，拉斐爾，提香和米開朗基羅。他們的繪畫和壁畫是世界上最廣為人知的藝術品。達·芬奇的《最後的晚餐》，拉斐爾的《雅典學校》和米開朗基羅的西斯廷教堂的天花板畫是這一時期的傑作，體現了高文藝復興時期的元素。

拉斐爾的《處女的婚姻》：這幅畫描繪了瑪麗和約瑟夫之間的結婚儀式。

矯飾主義

高文藝復興時期的繪畫在佛羅倫薩演變為風俗主義。狂妄自大的藝術家自覺地反抗高文藝復興時期的原則，他們傾向於在不合邏輯的空間中代表拉長的人物。現代學術界已經認識到矯揉造作藝術能夠傳達強烈的，通常是宗教性的情感，而高文藝復興卻沒有這樣做。這一時期的一些主要藝術家是蓬托爾莫，布隆齊諾，羅索·菲奧倫蒂諾，帕瑪強尼和拉斐爾的學生朱利奧·羅馬諾。

人道主義

人文主義是14世紀意大利的學者，作家和公民領袖廣泛參與的一項知識運動。

 

評估人本主義如何引發了復興的藝術

重要要點

關鍵點

·         人文主義者對功利主義的教育方法做出了反應，力圖創建一個能夠口才與言語並因此能夠融入其社區公民生活的公民。

·         該運動很大程度上是建立在意大利學者和詩人弗朗切斯科·佩特拉卡（Francesco Petrarca）的理想基礎上的，這些理想通常圍繞著人類的成就潛能。

·         人文主義最初最初是一種主要的文學運動，但它的影響力迅速席捲了當時的一般文化，重新引入了古典希臘和羅馬藝術形式，並導致了文藝復興。

·         多納泰羅（Donatello）以早期文藝復興時期最偉大的雕塑家而聞名，尤其以他的人文主義和異常色情的大衛雕像而聞名。

·         中世紀社會將藝術家視為僕人和工匠，而文藝復興時期的藝術家則是受過訓練的知識分子，他們的藝術反映了這種新發現的觀點。

·         在人文主義繪畫中，對透視和光的描繪元素的處理變得特別令人關注。

關鍵詞

·         高文藝復興時期：藝術史上的一段時期代表著意大利文藝復興時期視覺藝術的最高境界。傳統上，人們認為高文藝復興時期始於1490年代-萊昂納多的壁畫在《米蘭的最後的晚餐》和洛倫佐·德·美第奇在佛羅倫薩去世–並於1527年結束，羅馬的麻袋由查爾斯五世

總覽

人文主義，也被稱為文藝復興時期的人道主義，是一種思想運動，在14世紀和15世紀初的意大利受到學者，作家和公民領袖的擁護。這項運動是針對當時的中世紀教育慣例而發展的，該慣例強調只為準備工作而通常僅由男人從事的實用，專業前和科學研究。人文主義者對這種功利主義的方法作出了反應，力圖創建一個能夠口才和書寫並因此能夠融入其社區公民生活的公民。這將通過對“人類學研究”的研究來完成。”，今天稱為人文學科：語法，修辭，歷史，詩歌和道德哲學。人文主義引入了一個計劃，以復興古典古代的文化尤其是文學傳統和道德哲學。該運動很大程度上是建立在意大利學者和詩人弗朗切斯科·佩特拉卡（Francesco Petrarca）的理想基礎上的，這些理想通常圍繞著人類的成就潛能。

人文主義最初最初是一種主要的文學運動，但它的影響力迅速席捲了當時的一般文化，重新引入了古典的希臘和羅馬藝術形式，並為文藝復興的發展做出了貢獻。人文主義者認為古代世界是人類成就的頂峰，並認為其成就應該成為當代歐洲的典範。在佛羅倫薩，那不勒斯，羅馬，威尼斯，熱那亞，曼托瓦，費拉拉和烏爾比諾有重要的人道主義中心。

人文主義是一種樂觀的哲學，認為人是理性的，有感知力的人，具有自主決定和思考的能力。它認為人天生就是天生的善良，這與基督教徒把人視為需要救贖的原始罪人的觀點相矛盾。它激發了對現實本質的全新見解，超越了上帝和靈性的質疑，並提供了超越基督教歷史的歷史知識。

人文主義藝術

文藝復興時期的人文主義者認為，他們對古代人和基督教的研究之間沒有衝突。缺乏察覺到的衝突使早期文藝復興時期的藝術家可以自由地結合古典形式，古典主題和基督教神學。文藝復興早期的雕塑是探索新興的文藝復興風格的絕佳工具。該媒體的主要藝術家是Donatello，Filippo Brunelleschi和Lorenzo Ghiberti。多納泰洛（Donatello）以早期文藝復興時期最偉大的雕塑家而聞名，尤其以他的古典而異常色情的大衛雕像而著稱，大衛雕像成為佛羅倫薩共和國的標誌之一。

多納泰洛的大衛：多納泰洛的大衛被認為是標誌性的人道主義主義藝術作品。

人文主義影響了藝術界以及對藝術家的看法。中世紀社會將藝術家視為僕人和工匠，而文藝復興時期的藝術家則是受過訓練的知識分子，他們的藝術反映了這種新發現的觀點。藝術贊助成為一項重要活動，委員會的任務包括世俗主題以及宗教事務。重要的讚助人，例如科西莫·德·美第奇（Cosimo de'Medici），應運而生，並為當代藝術創作的擴展做出了巨大貢獻。

在繪畫中，對透視和光元素的處理變得特別令人關注。例如，以“聖羅馬諾之戰”而聞名的保羅·烏切羅（Paolo Uccello）著迷於視角，他會整夜熬夜，試圖掌握確切的消失點。他使用透視圖來營造繪畫的深度感。此外，油漆的使用起源於16世紀初期，並且在整個文藝復興時期一直在廣泛地探索其用途。

保羅·烏切羅（Paolo Uccello）的“聖羅馬諾之戰”：意大利人文主義繪畫在很大程度上關注視角和光線的描繪。

起源

一些最早的人文主義者是偉大的古董手稿收藏者，包括Petrarch，Giovanni Boccaccio，Colluccio Salutati和Poggio Bracciolini。在這三者中，彼得拉奇（Petrarch）因熱愛希臘和羅馬古捲而被稱為“人道主義之父”。許多人在有組織的教堂工作，並受聖職（例如Petrarch），而其他人則是意大利城市的律師和大臣（例如Petrarch的門徒Salutati，佛羅倫薩大臣），因此可以參加抄書講習班。

在意大利，人文主義教育計劃迅速獲得接受，到15世紀中葉，許多上層階級都接受了人文主義教育，這可能是對傳統學校的補充。教會的一些最高官員是人文主義者，他們有資源來聚集重要的圖書館。就是這樣的樞機主教Basilios Bessarion，從希臘東正教convert依為拉丁教會，他被認為是羅馬教皇，並且是當時最有學問的學者之一。

十字軍對君士坦丁堡的解僱和1453年拜占庭帝國的滅亡之後，對古代語言和作品更加熟悉的拜占庭希臘學者和移居者的遷徙進一步推動了希臘和羅馬文學與科學的複興。

文藝復興時期的建築



文藝復興時期的建築

在高文藝復興時期，源自古典的建築概念得到了發展並得到了更大的保證。

 

列舉意大利文藝復興時期建築的一些鮮明特徵，其主要指數和重要的建築概念

重要要點

關鍵點

·         文藝復興時期的建築採用了古典羅馬建築的鮮明特徵。但是，建築物的形式和用途隨著時間的推移而改變，城市結構也隨著時間而改變，這在古典和16世紀形式的融合中得到了體現。

·         16世紀建築的主要特徵將古典羅馬技術與文藝復興時期的美學融合在一起，其基礎是幾個基本的建築概念：立面，圓柱和壁柱，拱門，拱頂，圓頂，窗戶和牆壁。

·         儘管研究和掌握古羅馬人的細節是文藝復興時期建築理論的重要方面之一，但這種風格也變得更具裝飾性和裝飾性，廣泛使用雕像，圓頂和穹頂。

關鍵詞

·         pediment（山牆飾）：一種經典的建築元素，由三角形的斷面或山牆組成，位於水平的上層建築（方孔）上方，水平的上層建築緊鄰圓柱。

·         壁柱：從其連接的牆壁部分伸出的矩形柱；它提供了支撐的外觀，但僅用於裝飾。

·         文藝復興時期的建築：文藝復興時期的建築是15世紀初至17世紀初在歐洲不同地區的建築，表明有意識地複興和發展了古希臘和羅馬思想和物質文化的某些元素。從風格上講，文藝復興時期的建築緊隨哥特式建築之後，由巴洛克式的建築繼承。

背景

文藝復興時期的建築是15世紀初至17世紀初的歐洲建築。它展示了古典思想和物質文化的某些元素，特別是對稱和古典秩序的有意識的複興和發展。從風格上講，文藝復興時期的建築是哥特時期之後的建築，後來被巴洛克風格所繼承。在文藝復興時期，源自古典的建築概念得到了發展並得到了更大的保證。

意大利文藝復興時期建築最具代表性的建築師是布拉曼特（Bramante，1444-1514年），他開發了古典建築元素在當代建築中的適用性，這種風格在16世紀統治了意大利建築。在15世紀末和16世紀初，諸如Bramante，Antonio da Sangallo the Younger之類的建築師，以及其他人都表現出了對複興風格的精通，以及將其應用於教堂和城市宮殿等建築的能力，這與建築結構大不相同。遠古時代。儘管研究和掌握古羅馬人的細節是文藝復興時期建築理論的重要方面之一，但這種風格也變得更具裝飾性和裝飾性，廣泛使用雕像，圓頂和穹頂。

建築物的形式和目的

文藝復興時期的建築採用了明顯的古典羅馬建築特色。然而，建築物的形式和目的隨著時間的推移而改變，城市結構也隨著時間而改變，這反映在古典和16世紀形式的融合中。文藝復興時期的建築平面圖通常具有正方形，對稱的外觀，其比例通常基於模塊。16世紀建築的主要特徵是將古典羅馬技術與文藝復興時期的美學融合在一起，其基礎是幾個基本的建築概念：立面，圓柱和壁柱，拱門，拱頂，圓頂，窗戶和牆壁。

基礎建築概念

文藝復興時期的立面圍繞其垂直軸對稱。例如，這一時期的教堂外牆通常被山牆覆蓋，並由壁柱，拱門和屋簷系統組成。列和窗口顯示了朝向中心的進度。最早的真正的文藝復興時期的外牆之一是皮恩扎大教堂（1459–62），該大教堂歸因於佛羅倫薩建築師伯納多·甘巴拉利（Bernardo Gambarelli）（稱為羅塞利諾）。

皮恩扎大教堂：這個大教堂展示了最早的真正的文藝復興時期立面之一。

文藝復興時期的建築師還使用羅馬柱（托斯卡納，多立克，愛奧尼亞克，科林斯和復合材料）的順序作為模型，併入了柱子和壁柱。這些命令可以是結構的，支撐拱廊或or架的，也可以是純裝飾的，以壁柱的形式靠在牆上。在文藝復興時期，建築師的目標是將圓柱，壁柱和支柱用作集成系統。Brunelleschi的Old Sacristy（1421-1440）是最早使用壁架作為集成系統的建築物之一。

古典羅馬柱：希臘柱中的建築秩序

在此期間，圓頂經常使用，既是從外部可見的非常大的結構特徵，又是屋頂較小的空間（僅在內部可見）的一種頂棚方式。在古代，圓頂曾被用於重要的建築物，如萬神殿，但在中世紀很少使用。在布魯內萊斯基為佛羅倫薩大教堂設計的圓頂取得成功並在羅馬的聖彼得大教堂的布拉曼特計劃中使用圓頂之後，圓頂已成為文藝復興時期教堂建築中不可或缺的元素，並延續到巴洛克風格。

聖彼得大教堂的圓頂：羅馬聖彼得大教堂的圓頂經常被認為是文藝復興時期建築的基礎。

窗戶可以配對並設置在半圓拱內，並且可以具有方square石和三角形或分段山，它們經常交替使用。在這方面具有像徵意義的是始於1517年的羅馬法內宮（Palazzo Farnese）。在矯飾主義時期，採用了“ Palladian”拱門，其圖案為高半圓形的頂部開口，兩側是兩個較低的正方形頂部的開口。窗戶被用來將光線照進建築物和家庭建築中以顯示視野。彩色玻璃雖然有時會出現，但在文藝復興時期的窗戶中並不盛行。

法爾內塞宮（Palazzo Farnese）：羅馬的法爾內塞宮（Palazzo Farnese）展示了文藝復興時期窗戶對方形石以及三角形和分段山ped的特殊使用。

最後，文藝復興時期的外牆通常是高度精修的方石砌築物，鋪設在直道上。仿古角落通常會強調建築物的角落。地下室和地下室有時被仿造，仿照佛羅倫薩的美第奇·里卡迪宮（1444–1460）。內壁光滑地抹灰並用白色粉筆塗料表面處理。對於更正式的空間，通常在內部表面裝飾壁畫。

梅迪奇里卡迪宮：文藝復興時期的仿古石牆

佛羅倫薩的文藝復興時期建築

文藝復興時期的建築最早於15世紀在佛羅倫薩發展起來，代表著古典風格的有意識復興。

 

定義15世紀佛羅倫薩建築的重要性和特定風格

重要要點

關鍵點

·         佛羅倫薩的文藝復興時期建築風格並不是從以前的風格緩慢演變而來，而是有意識的發展，是建築師尋求復興古典黃金時代的動力。

·         文藝復興時期的風格避免了複雜的比例係統和哥特式結構的不規則輪廓，並著重於對稱性，比例，幾何形狀和零件的規則性。

·         佛羅倫薩的15世紀建築具有古典元素的使用，如圓柱，壁柱，門，半圓形拱門和半球形圓頂的有序排列。

·         Filippo Brunelleschi是第一個開發真正的文藝復興時期建築的人。

·         雖然覆蓋佛羅倫薩大教堂中央空間的巨大圓頂採用哥特式技術，但它是自古典羅馬以來豎立的第一個圓頂，並在文藝復興時期的教堂中無處不在。

·         佛羅倫薩文藝復興初期的建築表現出一種新的光線，清晰度和寬敞感，反映出人文主義哲學所讚美的開明和頭腦清晰。

關鍵詞

·         quattrocento：表示1400年代的術語，也可以稱為15世紀意大利文藝復興時期。

·         柱廊：柱頭上方的古典神廟的一部分；包括the，fr和簷口，但不包括屋頂。

·         壁柱：從其連接的牆壁部分伸出的矩形柱；它提供了支撐的外觀，但僅用於裝飾。

Quattrocento或15世紀的佛羅倫薩，以文藝復興時期建築風格的發展為標誌，這代表著古希臘和羅馬建築元素的有意識復興和發展。文藝復興時期的建築規則最初是在15世紀佛羅倫薩制定並付諸實踐的，佛羅倫薩的建築隨後為整個意大利和西歐的建築師提供了靈感。

佛羅倫薩的文藝復興時期建築風格並不是從以前的風格緩慢演變而來，而是有意識的發展，被尋求復興黃金時代的建築師付諸實踐。這些建築師由包括強大的美第奇家族和絲綢公會在內的富裕贊助人讚助，並從有組織的學術觀點出發，與古典學習的全面復興相呼應。文藝復興時期的風格刻意避開了複雜的比例係統和哥特式結構的不規則輪廓。相反，文藝復興時期的建築師將重點放在零件的對稱性，比例，幾何形狀和規則性上，這在古典羅馬建築中得到了證明。他們還大量利用了古典古董特色，例如圓柱，壁柱，門，

通常被認為具有文藝復興時期建築風格的人是菲利波·布魯內萊斯基（Filippo Brunelleschi，1377年至1446年），他的第一個主要任務-覆蓋佛羅倫薩大教堂中央空間的巨大磚頂-在建築上也可能是最重要的。被稱為大教堂圓頂是由布魯內萊斯基（Brunelleschi）設計的，覆蓋了已經存在的大教堂中的一部分。圓頂在設計中保留了哥特式尖拱和哥特式肋骨。圓頂在結構上受萬神殿等古羅馬大圓頂的影響，通常被稱為文藝復興時期的第一座建築。圓頂是由紅磚製成，在沒有物理和支撐的情況下巧妙地構造而成，充分理解了物理和數學定律。它仍然是世界上最大的磚石穹頂，在當時是空前的成功，穹頂成為教堂乃至世俗建築中必不可少的元素。

佛羅倫薩的大教堂：佛羅倫薩大教堂是文藝復興時期的建築真正圓頂的第一個例子。

在佛羅倫薩文藝復興時期的建築發展的另一個關鍵人物是萊昂·巴蒂斯塔·阿爾貝蒂（1402年至1472年），一個重要的人文主義理論家和設計師，在建築，其書德重新aedificatoria是文藝復興的第一建築論文。阿爾貝蒂（Alberti）設計了佛羅倫薩最著名的兩座15世紀建築：魯塞萊宮（Palazzo Rucellai）和新聖母瑪利亞教堂（Santa Maria Novella）的正面。盧塞萊宮（Palazzo Rucellai）是一幢建於1446–51年的富麗堂皇的聯排別墅，代表了文藝復興時期建築的新發展特徵，其中包括三層以上的古典柱子排列，以及按比例關係使用壁柱和支柱。

佛羅倫薩Rucellai宮：由Leon Battista Alberti在1446年至1451年間設計。

新聖母瑪利亞教堂（Santa Maria Novella，1456–70）的立面也展示了基於古典羅馬建築的類似文藝復興時期的創新。阿爾貝蒂（Alberti）試圖將人文主義建築的理想和比例與現有結構結合起來，同時與現有的中世紀外牆形成和諧。他的貢獻包括古典主義的帶狀裝飾的飾帶，飾有正方形，四個白綠色的壁柱和一個圓形窗口，窗口上飾有帶有多米尼加太陽徽記的山形飾物，兩側為S形畫卷。當山牆飾和the帶受到古典建築的啟發時，古捲軸是新的，並且沒有古代的先例，並最終成為整個意大利教堂中非常流行的建築特徵。

新聖母瑪利亞教堂：佛羅倫薩的聖瑪麗亞教堂聖母教堂的正面，由阿爾貝蒂設計

佛羅倫薩文藝復興早期的建築表現出一種新的光明，清晰和寬敞感，反映出人文主義哲學所讚美的開明和頭腦清晰。

羅馬的文藝復興時期建築

羅馬是繼佛羅倫薩之後的第二個文藝復興之都，在此期間是最重要的建築和文化中心之一。

 

識別羅馬文藝復興時期建築的特徵和最重要的例子

重要要點

關鍵點

·         羅馬文藝復興時期的建築師從羅馬和希臘的古典模型中汲取了主要設計和靈感。

·         多納托·布拉曼特（Donato Bramante（1444–1514））是文藝復興時期羅馬建築中的重要人物。

·         法爾內塞宮是羅馬最重要的高文藝復興時期宮殿之一，是文藝復興時期羅馬建築的主要代表。

關鍵詞

·         羅馬：文藝復興時期的一座城市，是拉提姆省的首府和羅馬教廷的所在地。

學者們普遍認為羅馬是意大利的第二個文藝復興之都，僅次於佛羅倫薩，並且在此期間是最重要的建築和文化中心之一。羅馬文藝復興時期的建築師從古典模型中汲取了主要設計和靈感。羅馬文藝復興時期的建築風格與佛羅倫薩文藝復興時期的建築沒有太大不同。但是，羅馬的顧客往往是天主教會的重要官員，建築物通常具有宗教或宮殿功能。

多納托·布拉曼特（Donato Bramante（1444-1514））是文藝復興時期羅馬建築中的重要人物。布拉曼特（Bramante）出生於烏爾比諾（Urbino），在前往羅馬之前，首先在米蘭擔任建築師。在羅馬，費曼南德（Ferdinand）和伊莎貝拉（Isabella）委託布拉曼特（Bramante）設計了聖殿教堂（Tempietto），該廟宇標誌著聖彼得被Peter難的確切地點。這座寺廟是圓形的，類似於早期的基督教難者，並且大部分設計靈感都來自古老的Vesta寺廟的遺跡。Tempietto被許多學者視為是高文藝復興時期建築的典範。Tempietto憑藉其完美的比例，部件的和諧以及對古代建築的直接引用，體現了文藝復興時期。這種結構被描述為布拉曼特給教皇朱利葉斯二世的“電話卡”，

坦佩多角c。1502，意大利羅馬。 ：Tempietto由Donato Bramante設計，被認為是高文藝復興時期建築的典範。

文藝復興時期羅馬建築的另一個主要例子包括法爾內塞宮，羅馬最重要的文藝復興時期宮殿之一。該建築於1517年首次為Farnese家族設計，在1534年亞歷山德羅·法爾內塞（Alessandro Farnese）成為教皇保羅三世（Pope Paul III）時，由年輕的安東尼奧·達·桑加洛（Antonio da Sangallo）的設計擴展了規模和概念。包括米開朗基羅，雅各布·巴羅齊·達維尼奧拉和賈科莫·德拉·波爾塔。文藝復興時期主要立面的建築特色包括交替的三角形和分段山飾，它們覆蓋了鋼琴高貴的窗戶，中央仿古的入口以及米開朗基羅的凸出的簷口，這在立面的頂部投下了深深的陰影。米開朗基羅在1541年修改了中央窗戶，

法爾內塞宮（Palazzo Farnese）：羅馬的法爾內塞宮（Palazzo Farnese）展示了文藝復興時期窗戶對方形石以及三角形和分段山ped的特殊使用。

法納斯宮的庭院最初是開放的拱廊，周圍是古典靈感的圓柱（意大利文藝復興時期建築的特徵），按升序排列（多立克，科林斯式和愛奧尼亞式）。米開朗基羅（Michelangelo）增添了鋼琴高貴的琴弦和花環的飾帶。在面對泰伯河的宮殿花園一側，米開朗基羅提出了一種橋樑的創新設計，如果完工，它將使宮殿與Vigna Farnese的花園聯繫起來。雖然實現這一橋樑的實用性尚不明確，但這一想法是一個大膽而廣泛的想法。在16世紀，將卡拉卡拉浴場的兩個大型花崗岩盆地改建為宮殿城市面的法爾內塞廣場的噴泉。宮是由賈科莫·德拉·波塔（Giacomo della Porta）朝向台伯河（Taf）建成的門廊的第二層主教亞歷山德羅·法爾內塞（Alessandro Farnese）完成的。在1626年樞機主教奧多亞多·法爾內塞（Odoardo Farnese）死後，這座宮殿幾乎無人居住了20年。

威尼斯文藝復興時期的建築

在威尼托（Veneto），文藝復興時期經歷了哥特式階段後進入了建築的新時代，該階段借鑒了古典的羅馬和希臘圖案。

 

描述文藝復興時期的威尼斯建築風格，尤其是帕拉第奧

重要要點

關鍵點

·         威尼斯和威尼託的建築很大程度上基於安德里亞·帕拉迪奧的作品，他設計並完成了一些極具影響力的作品，包括大陸的別墅，維琴察，帕多瓦和特雷維索。

·         帕拉第奧式的建築，如Emo別墅，Barbaro別墅，Capra別墅和Foscari別墅等傑作，喚起了想像中的古典羅馬別墅的宏偉壯麗。

·         帕拉第奧（Palladio）發起了一場名為帕拉第奧主義的建築運動，此運動在接下來的三個世紀受到了廣泛的追捧，鼓舞了新一代建築師，他們完成了幾幅與帕拉第奧的唯美主義相呼應的作品，包括維琴察的第一屆奧林匹克劇院。

關鍵詞

·         威尼斯：意大利威尼託的海上城市和相關省份。

·         威尼托（Veneto）：意大利北部的一個地區。

·         帕拉第奧式建築：帕拉第奧式建築是歐洲風格的建築，源於威尼斯建築師安德里亞·帕拉第奧（1508–1580）的設計。“ Palladian”一詞通常是指以Palladio自己的作品為靈感的建築風格。今天公認的帕拉第奧式建築是帕拉第奧原始概念的演變。

威尼托州首府威尼斯具有豐富多樣的建築風格，其中最著名的是哥特式風格。威尼斯哥特式建築是一個威尼斯建築風格的術語，結合了哥特式刺血針拱的使用和拜占庭和奧斯曼帝國的影響。該風格起源於14世紀的威尼斯，來自君士坦丁堡的拜占庭風格交匯處受到阿拉伯摩爾人西班牙的影響。這種風格的主要示例是總督宮和城市中的Ca'd'Oro。該市還擁有幾座文藝復興時期和巴洛克式建築，包括卡佩薩羅（Ca'Pesaro）和雷佐尼科（Ca'Rezzonico）。

在維納托，文藝復興時期經歷了哥特式藝術的發展之後，迎來了建築的新時代，創作了許多重要作品，包括Ca'd'Oro和威尼斯的聖瑪麗亞·格洛里奧薩dei Frari教堂以及聖約翰和保羅教堂。建築的這一階段表明，哥特式和拜占庭式的影響在文藝復興時期在威尼斯的停留時間比在佛羅倫薩或羅馬的停留時間長得多。

Ca'd'Oro：俯瞰威尼斯大運河的Ca'd'Oro外牆

威尼斯和威尼託以後的建築很大程度上是基於安德里亞·帕拉第奧的作品，他設計並完成了一些很有影響力的作品，包括大陸，維琴察，帕多瓦和特雷維索的別墅。在威尼斯，他設計了Giudecca島上的San Giorgio Maggiore大教堂，Il Redentore和Zitelle。帕拉第奧式的建築，如Emo別墅，Barbaro別墅，Capra別墅和Foscari別墅等傑作，喚起了想像中的古典羅馬別墅的宏偉壯麗。

佛斯卡里別墅：佛斯卡里別墅的正面有幾個新古典主義柱子。

通過Palladio的出版物確立的這種審美觀非常受歡迎，並在新古典時期復興了。例如，帕拉第奧式別墅的設計旨在使房主通過在靠近中央主體的位置建造門廊等功能性部件，從而明顯地控制周圍鄉村的生產活動。就Villa Badoer而言，開放式穀倉由一個大型圓形柱廊圍繞著別墅前面的前院所形成，創造了一個讓人回想起古羅馬論壇的想法的空間，將所有競選活動帶到了別墅的前面本身。

帕拉第奧（Palladio）創造了一種建築運動，稱為帕拉第奧主義（Palladianism），此運動在接下來的三個世紀中得到了廣泛的關注。Palladianism啟發了建築師，其中有些是他的直接學生，包括Vincenzo Scamozzi，他完成了幾幅與Palladio的唯美主義相呼應的作品，包括維琴察的第一家奧林匹克劇院。

奧林匹克劇院（Teatro Olimpico）：奧林匹克劇院的Scaenae片。永久性的背景經過精心裝飾，中央的大拱門被稱為門廊或“皇家拱門”。

 

文藝復興時期雕塑



佛羅倫薩的文藝復興時期雕塑

文藝復興時期的雕塑起源於15世紀的佛羅倫薩，深受古典雕塑的影響。

 

找出15世紀佛羅倫薩雕塑作品背後的推動力，其主要指數和最著名的作品

重要要點

關鍵點

·         人們通常認為文藝復興時期的雕塑始於1403年洛倫佐·吉伯蒂（Lorenzo Ghiberti）贏得的著名的佛羅倫薩洗禮門競賽。

·         吉伯蒂為比賽設計了一套門，位於北入口，而另一對門則更為出色，稱為天堂之門。這兩個門都描繪了聖經的場景。

·         吉伯蒂（Ghiberti）成立了一個大型工作室，對許多著名的佛羅倫薩雕塑家和藝術家進行了培訓。他恢復了失落的青銅器的蠟鑄件，這是古代人使用的一種技術，後來又丟失了。

·         多納泰洛為科西莫·德·美第奇創造了他的青銅戴維。它是獨立於任何建築環境而設計的，是自古代以來製作的第一個已知的獨立式裸像。

·         這個時期的標誌是國家對公共藝術的雕塑贊助大大增加，而有錢人在其家中讚助雕塑。公共雕塑成為歷史悠久的市中心外觀中的關鍵要素。此外，肖像雕塑，尤其是半身像，在佛羅倫薩大受歡迎。

關鍵詞

·         寓言：用字符或數字表示抽象原理。

·         失蠟：鑄造雕塑的方法，其中的雕塑模型是由蠟製成的：該模型用於製造模具；鑄模凝固後，蠟會融化並倒掉，從而使鑄模可用於鑄造雕塑。

·         洗禮：可以在教堂內作為單獨房間甚至是與教堂關聯的單獨建築物站立的指定空間，在這裡洗禮的字體被放置，並因此進行了基督教洗禮的聖禮（通過灑水或灌洗） 。通常，在文藝復興時期，洗禮池是獨立的建築物，因為人們在進入教堂或大教堂之前會先受洗。

15世紀的佛羅倫薩通常被稱為“文藝復興的搖籃”，是歐洲最大，最富有的城市之一，其最富有的居民是包括雕塑在內的藝術愛好者。文藝復興時期雕塑不同於以前在意大利占主導地位的國際哥特式風格，並藉鑑了古典古代風格，起源於佛羅倫薩，並自覺地受到古代雕塑的影響。

洛倫佐·吉貝蒂（Lorenzo Ghiberti）

人們通常認為，文藝復興時期的雕塑始於1403年佛羅倫薩洗禮池門的著名比賽，從那時起，獲勝者Lorenzo Ghiberti和亞軍Filippo Brunelleschi提交的試驗模型仍然存在。吉伯蒂的青銅門由28塊面板組成，描繪了基督，四位傳道人以及聖公會安布羅斯，耶羅米，格雷戈里和奧古斯丁的生平場景。他們花了21年的時間完成並仍然站在洗禮池的北門，儘管他們為他的第二對東門的輝煌而黯然失色，米開朗基羅稱其為“天堂之門”。這些新門於1425年投入使用，建造時間長達27年。它們由10個矩形面板組成，描繪了舊約的景象，並巧妙地利用了最近發現的透視原理，以增加構圖的深度。它們周圍環繞著裝飾精美的水果和樹葉鍍金框架，先知小雕像以及雕刻家及其父親的半身像。

天堂之門，佛羅倫薩洗禮堂：吉貝蒂的大門描繪了洗禮堂東入口的舊約場景。

為了執行這些龐大的任務，吉貝蒂（Ghiberti）設立了一個大型工作室，後來的許多佛羅倫薩著名雕塑家和藝術家都在其中接受了培訓，其中包括多納泰洛（Donatello），米歇洛佐（Michelozzo）和保羅·烏切洛（Paolo Uccello）。他恢復了丟失的青銅鑄造蠟的方法，這種方法被古人使用，後來又丟失了。這使他的工作室尤為著名，並成為有抱負的藝術家的絕佳選擇。

多納泰洛

來自佛羅倫薩的另一位極具影響力的雕塑家是多納泰羅（Donatello，1386年至1466年），他以淺浮雕形式的淺浮雕作品而聞名，他將這種淺浮雕形式用作將15世紀雕塑雕刻發展納入透視幻覺的媒介。多納泰洛（Donatello）在一個金匠的工作室接受了早期的藝術培訓，然後在吉貝蒂（Ghiberti）的工作室裡接受了短暫的培訓，然後與菲利波·布魯內萊斯基（Filippo Brunelleschi）前往羅馬旅行，在那裡他對羅馬建築和雕塑進行了研究和發掘。羅馬藝術成為對多納泰羅作品最重要的影響。他在佛羅倫薩的首要贊助商是該市最大的藝術贊助人科西莫·德·梅迪奇。

多納泰羅在美第奇宮為科西莫宮廷創建了他的青銅大衛。它是全面構思的，不受任何建築環境的影響，是自古代以來製作的第一個已知的獨立裸體雕像，代表了克服殘酷和無知的公民美德的寓言。這種雕塑代表了文藝復興時期雕塑的一個特別重要的發展：雕塑的生產獨立於建築，這與之前的國際哥特式風格不同，雕塑很少獨立於建築而存在。

David by Donatello：Donatello的天才使他成為了意大利文藝復興初期的重要人物。雕塑於1430-32年間，他的青銅色大衛像是他成熟作品的典範。目前位於巴杰羅宮和博物館。

多納泰洛在佛羅倫薩及其附近的其他重要項目包括普拉託大教堂外牆的大理石講台，佛羅倫薩大教堂上的雕刻的坎多里亞或合唱團，受到古代石棺和拜占庭象牙箱的影響，卡瓦坎蒂祭壇的報喜場面教堂和聖克魯斯教堂，還有一個有浮雕的年輕男子的半身像，這是自古典時代以來首個半身像的例子。

雕塑贊助

這個時期的標誌是國家對公共藝術的雕塑贊助大大增加，而有錢人在其家中讚助雕塑。在Donatello的創新之後，公共雕塑成為歷史悠久的市中心外觀中至關重要的元素，肖像雕塑（尤其是胸像）在佛羅倫薩大受歡迎。這些15世紀的創新很快就傳遍了整個意大利，隨後又遍及整個歐洲。

 

文藝復興時期的繪畫



文藝復興時期繪畫：馬薩喬

文藝復興時期的繪畫是在15世紀的佛羅倫薩開發的，當時藝術家開始拒絕哥特式繪畫的平坦性，並朝著更大的自然主義方向努力。

 

討論15世紀佛羅倫薩重要的藝術家及其使用的技術

重要要點

關鍵點

·         佛羅倫薩繪畫在15世紀初獲得了新的生命，當時建築師Filippo Brunelleschi正式使用了透視圖，畫家將其用作一種藝術手法。

·         15世紀上半葉在佛羅倫薩開發的其他重要技術包括使用實際比例，節略，sfumato和chiaroscuro。

·         最早在15世紀佛羅倫薩普及這些技術的藝術家是馬薩喬（1401-1428），他是意大利文藝復興時期Quattrocento時期的第一位偉大畫家。

·         馬佐喬受到了喬托（Giotto）早期在形式和自然主義堅固性方面的創新以及布魯內萊斯基（Brunelleschi）在建築和雕塑中正式使用視角的深刻影響，並從國際哥特式風格轉向了更為現實的模式。

·         馬薩喬（Masaccio）在布蘭卡奇教堂（Braccacci Chapel）的壁畫而聞名，他首次採用線性透視技術，例如消失點，儘管他的職業生涯短暫，但對其他藝術家也產生了深遠的影響。

關鍵詞

·         消失點：透視圖中的點，觀察者後退的平行線似乎會聚。

·         quattrocento：1400年代的意大利文藝復興時期。

15世紀的佛羅倫薩是文藝復興時期繪畫的發源地，它拒絕哥特式藝術的平坦性和風格化性質，而將注意力集中在人體和風景的自然主義表現上。儘管喬托經常被稱為文藝復興時期的先驅，但在他死後，意大利的藝術發展出現了中斷，這在很大程度上是由於黑死病。然而，佛羅倫薩的繪畫在15世紀初恢復了活力，當時建築師Filippo Brunelleschi正式採用了透視圖，畫家將其用作一種藝術手法。視角的發展是藝術向現實主義發展的更廣泛趨勢的一部分。

15世紀上半葉，佛羅倫薩還開發了許多與文藝復興時期繪畫相關的其他重要技術，包括使用逼真的比例，縮短（縮短繪畫中線條的藝術效果以產生深度幻覺的藝術效果），sfumato（通過細微和漸進的融合模糊清晰的輪廓，以產生三維幻覺）和明暗對比（明暗對比以傳達深度感）。

最早在15世紀佛羅倫薩開創這些技術的藝術家是馬薩喬（1401-1428），他是意大利文藝復興時期Quattrocento時期的第一位偉大畫家。馬佐喬受到了喬托（Giotto）早期在形式和自然主義堅固性方面的創新以及布魯內萊斯基（Brunelleschi）在建築和雕塑中正式使用視角的深刻影響。馬薩喬（Masaccio）在布蘭卡奇教堂（Brancacci Chapel）的壁畫而聞名，他首次使用線性透視技術（例如消失點），儘管他的職業生涯短暫，但對其他藝術家產生了深遠的影響。

馬薩喬（Masaccio）與布魯內萊斯基（Brunelleschi）和雕塑家多納泰洛（Donatello）成為朋友，並經常與已久的著名畫家Masolino da Panicale（1383 / 4-1436）進行合作，後者於1423年與他一起前往羅馬。風格，而是採用古希臘和羅馬藝術的影響痕跡。從他與Masolino一起在佛羅倫薩的聖瑪麗亞·德爾卡米納教堂為Brancacci教堂執行的壁畫循環中可以明顯看出這些壁畫。兩位藝術家於1425年開始在教堂工作，但他們的工作是由菲利波·利皮（Filippo Lippi）在1480年代完成的。

整個壁畫代表了人類罪惡和救贖的故事，從亞當夏娃的淪陷到聖彼得的作品。喬託的影響在馬薩喬的壁畫中很明顯，特別是在他的人物的重量和堅固性以及他們的表情生動方面。與喬託不同，馬薩喬（Masaccio）利用線性和大氣角度，並更多地使用了定向光和明暗對比技術，使他能夠創作出比他的前輩更具說服力的逼真畫作。他去世後，他的風格和技巧產生了深遠的影響，並被他的繼任者所模仿。

貢物，壁畫在聖瑪麗亞德爾卡明，佛羅倫薩，布蘭卡奇教堂中，1425年。：貢物是馬六甲最著名的壁畫之一，來自布蘭卡奇教堂。耶穌和他的使徒被描繪成新古典主義的原型。人物的陰影從教堂的窗戶上掉下來，彷彿人物被教堂的窗戶照亮了。這是真實感的補充，顯示了馬薩喬的創新天才。

馬薩喬後的文藝復興時期繪畫

馬薩喬（Masaccio）逝世後，佛羅倫薩藝術家基於他對透視，光影的運用而做出的貢獻。

 

討論馬薩喬對文藝復興時期藝術的貢獻及其對佛羅倫薩四合院畫家的影響

重要要點

關鍵點

·         馬薩喬（Masaccio）死後，佛羅倫薩繪畫的範圍和豐富性大大增加，並且15世紀的畫家採用了他對自然主義的追求和對線性視角以及sfumato和chiaroscuro技術的運用。

·         馬薩喬時期後最著名的佛羅倫薩Quattrocento畫家是Paolo Uccello，Piero della Francesca和Filippo Lippi，他們致力於光影和透視的研究。

·         皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）從科學的角度研究了光線和線性視角，並撰寫了有關他的發現的論文。

·         保羅·烏切羅（Paolo Uccello）通過節略來賦予他的作品深度，並利用光線，色彩和對比度來增加他的繪畫的戲劇性。

關鍵詞

·         人文主義：特別是一種在14至16世紀歐洲突出的文化和知識運動，其特徵是對古典文化的關注和對白話文字的宣傳，特別是在文藝復興時期。

·         chiaroscuro（chiaroscuro）：一種在文藝復興時期流行的藝術技術，指的是使用誇張的光線對比來創造體積的錯覺。

·         sfumato：在繪畫中，應用半透明油漆的微妙層，以使顏色，色調和對象之間沒有可見的過渡。

Masaccio被廣泛認為是意大利Quattrocento的第一位文藝復興時期畫家，儘管他的職業生涯短暫，但對他的繼任者影響最大。馬薩喬死後，佛羅倫薩繪畫的範圍和豐富性大大增加。15世紀的藝術家採用並建立了他介紹給意大利繪畫的風格和技術，其中最引人注目的是向自然主義的追求以及線性透視，sfumato和chiaroscuro的使用。藝術家還開始更加關注人體和自然景觀的比例和解剖學精確表示。

馬薩喬時期後的佛羅倫薩四合院畫家中有些是Paolo Uccello（1397-1475），Piero della Francesca（1415-1492）和Fra Filippo Lippi（1406-1469）。這些畫家致力於光影和透視的研究，這是他們最關心的問題。據說保羅·烏切洛（Paolo Uccello）非常著迷於試圖通過抓住確切的消失點來實現透視的外觀，從而擾亂了他的睡眠。皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）從科學的角度研究了光線和線性視角，並撰寫了有關他的發現的論文。這些藝術家因其在作品中精確和技術地運用視角而通常被稱為“完美藝術家”。

保羅·烏切羅（Paolo Uccello）的繪畫強調色彩和裝飾性，而不是嚴格的古典寫實主義，他用透視來傳達一種深度感，而不是像他的同時代人那樣敘述不同或成功的故事。他最著名的是他在代表聖羅馬諾戰役的木畫上的三個蛋蛋彩畫，在遠處的山丘上使用破碎的武器在地面和田野上展示他對視角和棋盤地板構想的完美運用。保羅·烏切羅（Paolo Uccello）在他幾乎是單色的壁畫中也使用了光線和對比度來產生戲劇性的效果，使terra verde更加生動。或帶有鮮豔朱紅色感的“綠色土地”成分。最著名的是他在佛羅倫薩大教堂裡的約翰·霍克伍德騎馬肖像，給人以自然光照明的感覺，好像光源是大教堂中的實際窗戶一樣。

保羅·烏切羅（Paolo Uccello）在聖羅馬諾戰役中的尼古洛·毛魯茲·達·托倫蒂諾（NiccolòMauruzi da Tolentino），1438–1440年：在這個充滿活力和色彩斑scene的戰斗場景的前景中，小心翼翼地對準了破碎的長矛和死去的士兵，以展現藝術家完美的視野。

皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）以壁畫聞名，其中包括描繪真十字傳奇的壁畫循環。除了對透視的關注外，他的繪畫還以其寧靜的人文主義和幾何形式的使用而著稱。他的鞭打基督展示了他對線性透視的精通和對光如何從其原點成比例地傳播的了解。藝術家還在作品中包括了一個棋盤地板，以展示他對視角的完美運用。繪畫中有兩種光源，一種在建築物內，另一種在室外。雖然建築物內的光源是不可見的，但可以從組成的其餘部分中以數學確定性來計算其位置，這表明他對光科學的深入了解。

鞭打基督由皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca），1460年：鞭毛基督證明了皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）對透視和光的控制。

 

高文藝復興時期



高文藝復興時期

高文藝復興時期是指意大利各州短暫的特殊藝術創作。

 

描述16世紀意大利藝術的不同時期和特色風格

重要要點

關鍵點

·         許多藝術史學家認為，高文藝復興時期主要由三個人控制：米開朗基羅，拉斐爾和達芬奇。

·         在意大利高文藝復興後期出現的舉止主義以其精巧的知識和其虛假的（相對於自然主義的）特質而著稱，例​​如比例過長，風格化的姿勢以及缺乏清晰的視野。

·         一些歷史學家認為，矯飾主義是上世紀文藝復興時期古典主義的退化，甚至是上世紀文藝復興時期和巴洛克時期之間的插曲-在這種情況下，日期通常是從c開始。1520至1600年，它本身就被認為是一種完整的積極風格。

關鍵詞

·         高文藝復興時期：藝術史上的一段時期代表著意大利文藝復興時期視覺藝術的最高境界。傳統上，高文藝復興時期始於1490年代，萊昂納多（Leonardo）的壁畫《最後的晚餐》在米蘭和洛倫佐·德·美第奇（Lorenzo de'Medici）在佛羅倫薩去世，並於1527年結束，羅馬的麻袋由查爾斯五世

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

高文藝復興時期的藝術

高文藝復興時期的藝術是16世紀意大利的主要風格。在此期間，風格主義也得到發展。傳統上，高文藝復興時期始於萊昂納多（Leonardo）在米蘭的《 最後的晚餐》的壁畫，始於1527年，由查理五世（Charles V）的軍隊用羅馬麻袋結束。 Hochrenaissance”）。在過去的20年中，學術藝術史學家經常批評該術語的使用，因為它過度簡化了藝術發展，忽略了歷史背景並且只關註一些標誌性作品。

高文藝復興時期的藝術被視為“高級”，因為它被視為文藝復興時期的藝術目標達到其最大應用的時期。高文藝復興時期的藝術的特徵是對古典藝術的引用和從文藝復興早期（例如觀點）的發展的精細應用。總體而言，來自高文藝復興時期的作品展示出拘束的美感，其中所有部分都服從整體的凝聚力組成。

許多人認為16世紀的高文藝復興時期的藝術主要由三個人控制：米開朗基羅，拉斐爾和達芬奇。米開朗基羅擅長作為畫家，建築師和雕塑家，並精通刻畫人物形象。他的壁畫是文藝復興時期最偉大的作品之一。拉斐爾（Raphael）擅長創造視角和色彩的精緻用法。達芬奇（Leonardo da Vinci）畫了兩幅文藝復興時期最著名的作品：《最後的晚餐》和《蒙娜麗莎》。達芬奇（Leonardo da Vinci）比米開朗基羅（Michelangelo）和拉斐爾（Raphael）年齡大一歲，但他的作品從風格上講與高文藝復興時期一致。

最後的晚餐，1495-1498年，達芬奇（Leonardo da Vinci）

矯飾主義

矯飾主義是一種藝術風格，從16世紀後期開始出現，並在意大利一直流行為一種美學風格，直到1580年左右開始被巴洛克風格所取代（儘管北部矯飾主義在整個歐洲大部分地區一直延續到17世紀初）。 。米開朗基羅（Michelangelo）的後來作品，例如西斯廷教堂（Sistine Chapel）祭壇牆上的《最後的審判》（The Last Judgment）和勞倫圖書館（Laurentian Library），被一些藝術史學家認為是矯飾主義風格。

1536-1541年的最後審判，米開朗基羅

一些歷史學家認為，矯飾主義是上世紀文藝復興時期古典主義的退化，甚至是上世紀文藝復興時期和巴洛克時期之間的插曲-在這種情況下，日期通常是從c開始。1520至1600年，它本身就被認為是一種完整的積極風格。風格主義的定義以及其中的各個階段，仍然是藝術史學家爭論的主題。例如，一些學者將標籤應用於16世紀和17世紀的某些早期現代文學形式（尤其是詩歌）和音樂。該術語還用於指代一些在1500年至1530年間在北歐工作的晚期哥特式畫家，尤其是與意大利運動無關的安特衛普風格主義者。矯飾主義藝術的特徵是形式細長，扭曲的姿勢和不合理的環境。

文藝復興時期的繪畫

術語“高文藝復興時期”表示藝術創作的時期，藝術史學家認為這是文藝復興時期的高度或頂點。

 

描述促成高文藝復興時期繪畫發展的關鍵因素以及該時期的文體特徵

重要要點

關鍵點

·         高文藝復興時期以羅馬為中心，並持續了大約1490年至1527年，這一時期以羅馬麻袋時代為標誌。

·         當作品的所有部分和細節都支撐整個凝聚力時，就會創造出高文藝復興時期繪畫的內斂美。

·         高文藝復興時期繪畫的主要例子是 拉斐爾的雅典學校。

關鍵詞

·         高文藝復興時期：藝術生產的時期，藝術史學家認為這是文藝復興時期的高度或頂點。該時期的日期為1490年至1527年。

高文藝復興時期

術語“高文藝復興時期”表示藝術創作的時期，藝術史學家認為這是文藝復興時期的高度或頂點。列奧納多·達·芬奇，米開朗基羅和拉斐爾等藝術家被認為是文藝復興時期的畫家。雖然這個詞已引起爭議，但一些學者認為它過分簡化了藝術發展和歷史背景，但很難忘記這些高級文藝復興時期藝術家的作品，即使它們在21世紀仍然如此具有標誌性。

高文藝復興風格

高文藝復興時期以羅馬為中心，歷時約1490年至1527年，以羅馬大袋時代為標誌。從風格上講，這一時期的畫家受到古典藝術的影響，他們的作品和諧。當作品的所有部分和細節都支撐整個凝聚力時，就會創造出高文藝復興時期繪畫的內斂美。雖然早期的文藝復興時期的藝術家會強調作品的視角或繪畫的技術方面，但高級文藝復興時期的藝術家卻願意犧牲技術原理，以創造出更加美麗，和諧的整體。促成高文藝復興時期繪畫發展的因素有兩個。傳統上，意大利藝術家使用蛋彩畫顏料繪畫。在高文藝復興時期，藝術家開始使用油畫顏料，這更易於操作，並讓藝術家創造出柔和的形式。另外，顧客的數量和多樣性增加，這允許藝術上的更大發展。

如果說羅馬是高文藝復興的中心，那麼它最大的讚助者是教皇朱利葉斯二世。作為藝術贊助人，朱利葉斯二世為許多重要的藝術家提供了支持，其中包括米開朗基羅和拉斐爾。高文藝復興時期繪畫的主要例子是拉斐爾的雅典學校。

雅典，拉斐爾，1509年至1511年的學校：雅典學院，1509和1511之間的拉斐爾畫，代表了在羅馬在此期間，中心高文藝復興時期的繪畫風格。

拉斐爾受教皇朱利葉斯二世委託重新裝修羅馬教皇的居住空間。作為該項目的一部分，拉斐爾被要求在教皇的圖書館或Stanza della Segnatura中繪畫。雅典學校是這個房間裡的壁畫之一。壁畫代表了哲學主題，並始終被視為高文藝復興時期繪畫的縮影。該作品展示了高文藝復興時期風格的許多要點；柏拉圖和亞里士多德是這部作品的核心人物，因此對古典古代的引用至為重要。有一個明顯的消失點，表明拉斐爾（Raphael）對文藝復興時期繪畫非常重要的技術方面的掌握。但最重要的是，作品中的眾多人物表現出內斂的美感，並為和諧，凝聚力的作品提供了支持。雖然這些人物是多樣且充滿活力的，但沒有任何損及整體繪畫的作用。

文藝復興時期的雕塑

高文藝復興時期的雕塑展示了古典古代和理想自然主義的影響。

 

描述高文藝復興時期雕塑的特徵

重要要點

關鍵點

·         高文藝復興時期的雕刻家刻意引用古典的先例，他們的目標是在作品中追求理想的自然主義。

·         米開朗基羅（1475–1564年）是文藝復興時期雕刻家的主要典範。他的作品最能體現出高文藝復興時期雕塑家的目標和理想。

在文藝復興時期，藝術家不僅是畫家，建築師，雕塑家。他們通常都是三個。結果，我們看到相同的著名名字產生了雕塑和偉大的文藝復興時期繪畫。此外，高文藝復興時期雕塑的主題和目標與高文藝復興時期的繪畫非常相似。高文藝復興時期的雕刻家刻意引用古典的先例，他們的目標是在作品中追求理想的自然主義。米開朗基羅（1475–1564年）是文藝復興時期雕刻家的主要典範。他的作品最能體現出高文藝復興時期雕塑家的目標和理想。

酒神

該酒神是米開朗基羅的第一個在羅馬錄製佣金。這件作品是用大理石製成的，與實物大小一樣，並且被刻成圓形。該雕塑是葡萄酒之神的雕像，他拿著杯子，看上去很醉。主題中對古典古代的提及很清楚，而神的身體則是基於阿波羅·貝爾維德雷（Apollo Belvedere），這是米開朗基羅在羅馬時會看到的。主題不僅受古代的影響，而且藝術的影響也是如此。

巴克斯（Bacchus），米開朗基羅（Michelangelo），1496–97年：巴克斯（Bacchus）是米開朗基羅在羅馬的第一個有記錄的委員會。該雕像清楚地表明了古典文化的影響，在高文藝復興時期，這種影響對雕塑家變得如此重要。

聖母憐子

雖然聖母憐子圖不是基於題材古典時代，形式顯示的內斂之美和自然的理想，是由古典雕塑的影響。由法國紅衣主教委託為其在聖彼得大教堂的墓葬，米開朗基羅的聲譽得到了讚揚。被釘死在十字架上的處女背負基督的主題在意大利文藝復興時期並不常見，這表明它是由贊助人選擇的。

米開朗基羅的聖母憐子圖，1498–9年：米開朗基羅的這幅作品展示了代表高文藝復興時期雕塑的古典之美和理想主義。

大衛

當大衛完成，它的用意是對的佛羅倫薩大教堂後面支撐。但是佛羅倫薩在那段時間意識到它是如此的獨特和美麗，以至於他們實際上開會討論了雕塑的放置位置。與會的小組成員包括藝術家達芬奇和波提切利。這項工作如何使它在米開朗基羅的同行中如此引人注目？該作品展現了古典的影響力。作品是裸體的，模仿了希臘和羅馬的雕塑，還有大衛站在contrapposto姿勢。他表現出內斂的美和理想的自然主義。此外，這件作品展示了人們對心理學的興趣，這是高文藝復興時期的新生事物，因為米開朗基羅描繪了大衛在擊敗巨人之前就專心的時刻。主題對佛羅倫薩也很特殊，因為大衛在傳統上是公民的象徵。該作品最終被放置在維琪奧宮中，並且仍然是高文藝復興時期雕塑的典範。

米開朗基羅的大衛，約1504年：米開朗基羅的作品仍然是文藝復興時期雕塑的主要代表。

文藝復興時期的建築

高文藝復興時期的建築代表了文藝復興時期所做的建築發展的高潮。

 

描述高文藝復興時期的重要建築師及其成就

重要要點

關鍵點

·         文藝復興時期分為早期文藝復興時期（約1400-1490年）和高級文藝復興時期（約1490-1527年）。

·         在文藝復興早期，發展了藝術理論，在繪畫和建築方面取得了新的進步，並確定了風格。高文藝復興時期是一個時期，被視為文藝復興時期的高潮。

·         文藝復興時期的建築以對稱和比例為特徵，並直接受古代研究的影響。

·         高文藝復興時期最具代表性的建築師是Donato Bramante（1445-1514）和Andrea Palladio（1508-1580）。

The Renaissance is divided into the Early Renaissance (c. 1400–1490) and the High Renaissance (c. 1490–1527). During the Early Renaissance, theories on art were developed, new advancements in painting and architecture were made, and the style was defined. The High Renaissance denotes a period that is seen as the culmination of the Renaissance period, when artists and architects implemented these ideas and artistic principles in harmonious and beautiful ways.

Renaissance architecture is characterized by symmetry and proportion, and is directly influenced by the study of antiquity. While Renaissance architecture was defined in the Early Renaissance by figures such as Filippo Brunelleschi (1377–1446) and Leon Battista Alberti (1404–1472), the architects most representative of the High Renaissance are Donato Bramante (1444–1514) and Andrea Palladio (1508–1580).

Donato Bramante

A key figure in Roman architecture during the High Renaissance was Donato Bramante (1444–1514). Bramante was born in Urbino and first came to prominence as an architect in Milan before traveling to Rome . In Rome, Bramante was commissioned by Ferdinand and Isabella to design the Tempietto, a temple that marks what was believed to be the exact spot where Saint Peter was martyred. The temple is circular, similar to early Christian martyriums, and much of the design is inspired by the remains of the ancient Temple Vesta.

The Tempietto is considered by many scholars to be the premier example of High Renaissance architecture. With its perfect proportions, harmony of its parts, and direct references to ancient architecture, the Tempietto embodies the Renaissance. This structure has been described as Bramante’s “calling card” to Pope Julius II, the important Renaissance patron of the arts who would then employ Bramante in the historic design of the new St. Peter’s Basilica .

The Tempietto, c.1502, Rome, Italy: Designed by Donato Bramante, the Tempietto is considered the premier example of High Renaissance architecture.

Andrea Palladio

Andrea Palladio (1508–1580) was the Chief Architect in the Republic of Venice in the 16th century. Deeply inspired by Roman and Greek architecture, Palladio is widely considered one of the most influential individuals in the history of Western architecture. All of his buildings are located in what was the Venetian Republic, but his teachings, summarized in the architectural treatise, The Four Books of Architecture, gained him wide recognition beyond Italy. Palladian Architecture , named after him, adhered to classical Roman principles that Palladio rediscovered, applied, and explained in his works. Palladio designed many palaces, villas, and churches, but his reputation has been founded on his skill as a designer of villas. Palladian villas are located mainly in the province of Vicenza.

Villas

Palladio established an influential new building format for the agricultural villas of the Venetian aristocracy. His designs were based on practicality and employed fewer reliefs . He consolidated the various standalone farm outbuildings into a single impressive structure and arranged as a highly organized whole, dominated by a strong center and symmetrical side wings, as illustrated at Villa Barbaro. The Palladian villa configuration often consists of a centralized block raised on an elevated podium, accessed by grand steps and flanked by lower service wings. This format, with the quarters of the owner at the elevated center of his own world, found resonance as a prototype for Italian villas and later for the country estates of the British nobility. Palladio developed his own more flexible prototype for the plan of the villas to moderate scale and function.

巴爾巴羅別墅（Villa Barbaro）：意大利特雷維索省馬瑟的巴爾巴洛別墅的前部，由安德烈·帕拉迪奧（Andrea Palladio）在1554年至1560年之間為丹尼爾（Daniele）和馬爾坎通尼奧·巴爾巴洛（Marcantonio Barbaro）兄弟建造。

達芬奇（Leonardo da Vinci）

萊昂納多·達·芬奇（Leonardo da Vinci）被譽為科學家，學者和發明家，但他作為文藝復興時期幾部傑作的畫家而聞名。

 

描述達芬奇（Leonardo da Vinci）的作品，這些作品展示了他作為藝術家的最創新技術

重要要點

關鍵點

·         達芬奇作品獨特的特質包括他在塗料上使用的創新技術，他對解剖學的詳細了解，他對人形在形象構成中的創新運用以及對sfumato的運用。

·         達芬奇創作的最著名作品中有一張名為蒙娜麗莎的小肖像，以女人臉上的難以捉摸的笑容而聞名，這是由於達芬奇巧妙地遮蓋了嘴角和眼睛的角部，從而使自然的本質微笑的程度無法確定。

·         儘管達芬奇畫作很有名，但他並不是多產的畫家。他是位多產的製圖員，在日記中充斥著小草圖和詳細的圖紙，記錄著他感興趣的所有事物。

關鍵詞

·         sfumato：在繪畫中，應用半透明油漆的微妙層，以使顏色，色調和對象之間沒有可見的過渡。

萊昂納多·達·芬奇（Leonardo da Vinci）是一位科學家，學者和發明家，備受讚譽，但他以文藝復興時期幾部傑作的畫家而聞名。由於各種原因，他的畫作具有開創性，他的作品受到學生的模仿，並得到了鑑賞家和評論家的廣泛討論。

達芬奇作品獨特的特質包括他在塗料上使用的創新技術，他對解剖學的詳細知識，他在具象構圖中使用人形以及對sfumato的使用。所有這些特質都出現在他最著名的作品《蒙娜麗莎》，《最後的晚餐》和《處女的岩石》中。

The Virgin of the Rocks, Leonardo da Vinci, 1483–1486: This painting shows the Madonna and Child Jesus with the infant John the Baptist and an angel, in a rocky setting.

The Last Supper

Da Vinci’s most celebrated painting of the 1490s is The Last Supper, which was painted for the refectory of the Convent of Santa Maria della Grazie in Milan. The painting depicts the last meal shared by Jesus and the 12 Apostles where he announces that one of the them will betray him. When finished, the painting was acclaimed as a masterpiece of design. This work demonstrates something that da Vinci did very well: taking a very traditional subject matter, such as the Last Supper, and completely re-inventing it.

Prior to this moment in art history, every representation of the Last Supper followed the same visual tradition: Jesus and the Apostles seated at a table. Judas is placed on the opposite side of the table of everyone else and is effortlessly identified by the viewer . When da Vinci painted The Last Supper he placed Judas on the same side of the table as Christ and the Apostles, who are shown reacting to Jesus as he announces that one of them will betray him. They are depicted as alarmed, upset, and trying to determine who will commit the act. The viewer also has to determine which figure is Judas, who will betray Christ. By depicting the scene in this manner, da Vinci has infused psychology into the work.

Unfortunately, this masterpiece of the Renaissance began to deteriorate immediately after da Vinci finished painting, due largely to the painting technique that he had chosen. Instead of using the technique of fresco , da Vinci had used tempera over a ground that was mainly gesso in an attempt to bring the subtle effects of oil paint to fresco. His new technique was not successful, and resulted in a surface that was subject to mold and flaking.

The Last Supper: Leonardo da Vinci’s Last Supper, although much deteriorated, demonstrates the painter’s mastery of the human form in figurative composition.

Mona Lisa

Among the works created by da Vinci in the 16th century is the small portrait known as the Mona Lisa, or La Gioconda, “the laughing one.” In the present era it is arguably the most famous painting in the world. Its fame rests, in particular, on the elusive smile on the woman’s face—its mysterious quality brought about perhaps by the fact that the artist has subtly shadowed the corners of the mouth and eyes so that the exact nature of the smile cannot be determined.

The shadowy quality for which the work is renowned came to be called sfumato, the application of subtle layers of translucent paint so that there is no visible transition between colors, tones , and often objects. Other characteristics found in this work are the unadorned dress, in which the eyes and hands have no competition from other details; the dramatic landscape background, in which the world seems to be in a state of flux; the subdued coloring; and the extremely smooth nature of the painterly technique, employing oils, but applied much like tempera and blended on the surface so that the brushstrokes are indistinguishable. And again, da Vinci is innovating upon a type of painting here. Portraits were very common in the Renaissance. However, portraits of women were always in profile, which was seen as proper and modest. Here, da Vinci present a portrait of a woman who not only faces the viewer but follows them with her eyes.

Mona Lisa: In the Mona Lisa, da Vinci incorporates his sfumato technique to create a shadowy quality.

Virgin and Child with St. Anne

In the painting Virgin and Child with St. Anne, da Vinci’s composition again picks up the theme of figures in a landscape. What makes this painting unusual is that there are two obliquely set figures superimposed. Mary is seated on the knee of her mother, St. Anne. She leans forward to restrain the Christ Child as he plays roughly with a lamb, the sign of his own impending sacrifice . This painting influenced many contemporaries, including Michelangelo, Raphael, and Andrea del Sarto. The trends in its composition were adopted in particular by the Venetian painters Tintoretto and Veronese.

Virgin and Child with Saint Anne: Virgin and Child with St. Anne (c. 1510) by Leonardo da Vinci, Louvre Museum.

Raphael

Raphael was an Italian Renaissance painter and architect whose work is admired for its clarity of form and ease of composition.

LEARNING OBJECTIVES

Discuss Raphael influences and artistic achievements

KEY TAKEAWAYS

Key Points

·         Together with Michelangelo and Leonardo da Vinci, Raphael forms the traditional trinity of great masters of the High Renaissance . He was enormously productive, running an unusually large workshop, and despite his death at 30, he had a large body of work.

·         Some of Raphael’s most striking artistic influences come from the paintings of Leonardo da Vinci; because of this inspiration, Raphael gave his figures more dynamic and complex positions in his earlier compositions .

·         拉斐爾（Raphael）的“斯坦茲（Stanze）”傑作是非常龐大而復雜的作品，已被視為高文藝復興時期的至高無上作品。他們對所表示的形式進行了高度理想化的描述，儘管在圖紙中非常仔細地構思了構圖，但它們卻達到了sprezzatura的目的，即優雅地執行任務的藝術，看上去毫不費力。

關鍵詞

·         sprezzatura：優雅地執行一項艱鉅任務的藝術，以至於看上去毫不費力。

·         涼廊：有屋頂的開放式畫廊。

·         姿勢：臀部和腿部偏離頭和肩膀方向的人物的位置。

總覽

拉斐爾（Raphael，1483-1520年）是意大利畫家，是文藝復興時期的建築師。他的作品以其形式的清晰性和構圖的易用性以及其人類新紀元的新柏拉圖式理想的視覺成就而受到讚譽。拉斐爾（Raphael）與米開朗基羅（Michelangelo）和達芬奇（Leonardo da Vinci）一起組成了那個時代的大師的傳統三位一體。他的生產力非常高，經營著一個特別大的車間。儘管他30歲去世，他的大部分作品仍是高文藝復興時期最著名的藝術之一。

影響力

拉斐爾最引人注目的藝術影響力來自達芬奇（Leonardo da Vinci）的畫作。為了回應達芬奇的作品，在拉斐爾的一些早期作品中，他賦予了人物更多動態和復雜的位置。例如，拉斐爾（Raphael）的亞歷山大的聖凱瑟琳（Saint Catherine）（1507）借用了達芬奇（Da Vinci）的《勒達（Leda）》和《天鵝》（The Swans）的反派姿勢。

亞歷山德里亞的聖凱瑟琳：亞歷山德里亞的聖凱瑟琳（1507）借用了達芬奇的《勒達》的詭異姿勢。

拉斐爾（Raphael）也知道米開朗基羅的作品時，卻偏離了自己的風格。拉斐爾（Raphael）在他的《基督的沉積》中，借鑒了經典的石棺，以復雜而不是完全成功的方式將人物散佈在畫面空間的前面。

拉斐爾的沉積，1507年：這幅畫描繪了基督被抬舉的身體和一名昏厥的婦女。

Stanze房間和涼廊

1511年，拉斐爾（Raphael）開始研究著名的斯坦茲（Stanze）繪畫，這對羅馬藝術產生了驚人的影響，通常被認為是他最偉大的傑作。Stanza della Segnatura包含雅典學院，詩歌學院，爭議學院和法學院。描繪柏拉圖和亞里斯多德的雅典學院是他最著名的作品之一。從那時起，這些龐大而復雜的作品就被視為高文藝復興時期的至高無上作品，以及後彷古西方的“古典藝術”。他們對所表示的形式進行了高度理想化的描述，並且成分（儘管在圖紙中非常仔細地構思了）達到了意粉是Raphael的朋友Castiglione發明的一個術語，他將其定義為“某種毫無頭腦的行為，它掩蓋了所有藝術性，使任何人說或做的事情看起來都是虛構且毫不費力的。”

Stanze della Segnatura的景色，壁畫由Raphael繪製

在拉斐爾（Raphael）事業的後期，他在梵蒂岡設計和繪畫了涼廊，這是一個細長的長廊，向一側的庭院敞開，並裝飾有羅馬式的裝飾。他還製作了許多重要的祭壇畫，包括聖塞西莉亞的迷魂藥和西斯廷麥當娜。他直到去世之前一直在工作的最後一部作品是一部大型的變形作品，與Il Spasimo一起展示了他的藝術在他最後幾年所採取的方向，變得比原始主義者更原始。

大師的工作室

拉斐爾（Raphael）舉辦了一個由50多名學生和助教組成的工作坊，其中許多人後來成為了重要的藝術家。可以說，這是最大的車間團隊，由任何一位老畫家共同組建，遠遠超出了標準。他們包括來自意大利其他地區的知名大師，可能與自己的團隊一起作為分包商，以及學生和旅行者。

建築

在建築方面，羅馬教皇和富有的羅馬貴族採用拉斐爾的技術。例如，拉斐爾（Raphael）為“別墅夫人”（Villa Madama）設計了計劃，這將是教皇克萊門特七世（Coppe Clement VII）的豪華山坡靜修勝地（從未完工）。甚至不完整，拉斐爾（Raphael）的示意圖也是意大利迄今為止最精緻的別墅設計，並極大地影響了該類型的後來發展。它似乎也是羅馬唯一的一幅現代建築，帕拉第奧（Palladio）對其進行了詳細的繪製。

製圖員

拉斐爾（Raphael）是西方藝術史上最出色的製圖員之一，並廣泛使用繪畫來規劃他的構圖。據一位近代人所說，當他開始計劃構圖時，他會在地板上佈置大量的庫存圖，然後開始“快速”繪製，從那裡到那裡借用數字。Stanze中的Disputa可以保存40多個草圖，而最初的草圖可能還要更多（總共可以保存400多張）。

從《麥當娜與孩子》的素描中可以看出，拉斐爾使用不同的圖紙來完善他的姿勢和構圖，顯然比大多數其他畫家都更大。拉斐爾（Raphael）的大多數圖紙都相當精確-甚至仔細繪製了帶有裸露輪廓圖的初始草圖，後來的圖紙通常具有很高的修飾度，帶有陰影和有時以白色突出顯示。他們缺乏達芬奇和米開朗基羅的某些素描的自由和活力，但幾乎總是在美學上令人滿意。

拉斐爾素描：這幅畫展示了拉斐爾在為《麥當娜與孩子》創作構圖方面的努力。

米開朗基羅

米開朗基羅是一位16世紀的佛羅倫薩藝術家，以雕塑，繪畫和建築設計方面的傑作而聞名。

 

討論米開朗基羅在雕塑，繪畫和建築方面的成就

重要要點

關鍵點

·         米開朗基羅用一塊大理石製成了他巨大的大理石雕像戴維（David），確立了他作為非凡的雕刻技巧和象徵想像力的雕塑家的地位。

·         在繪畫中，米開朗基羅以天花板和《西斯廷教堂的最後審判》而著稱，在那裡他描繪了一個複雜的方案，代表創造，人的墮落，人的救贖和基督的族譜。

·         米開朗基羅對聖彼得大教堂的主要貢獻是使用希臘十​​字形和大量外部砌築物，每個角落都被樓梯間或小衣櫃填充。效果是連續的壁表面出現了不同角度的斷裂或折疊。

關鍵詞

·         假說：人物的站立姿勢，其中大部分重量放在一隻腳上，而另一隻腿則放鬆。藝術中的矛盾效應使人物看起來很自然。

·         西斯廷教堂：使徒宮中最著名的教堂。

米開朗基羅（Michelangelo）是一位16世紀的佛羅倫薩藝術家，以雕塑，繪畫和建築設計方面的傑作而聞名。他最著名的作品是《大衛》，《最後審判》和梵蒂岡聖彼得大教堂。

雕塑：大衛

1504年，米開朗基羅受委託創作了一座巨大的大理石雕像，描繪了大衛作為佛羅倫薩自由的象徵。隨後的傑作戴維（David）是一位傑出雕塑家，他是非凡的技術專家和象徵性想像力的雕塑家。大衛它是用單個大理石塊製成的，比起生命來還要大，因為它最初是用來裝飾佛羅倫薩大教堂的。這部作品與以前的表現形式不同，因為聖經中的英雄並沒有像被殺的歌利亞首長那樣描繪，就像他在多納泰羅和維羅基奧的雕像中一樣。兩位都代表了站在歌利亞頭上而戰勝的英雄。以前的佛羅倫薩藝術家都沒有完全忽略這個巨人。大衛的面孔並沒有為敵人表現出勝利，而是顯得緊張而準備戰鬥。脖子上的肌腱拉得很緊，眉頭緊緊地eyes著，眼睛似乎專心地盯著遠處的東西。靜脈從伸出的右手伸出，但身體處於放鬆的狀態擺姿勢，他將吊索隨便扔在左肩上。在文藝復興時期，概念雕塑的姿勢被認為是古董雕塑的一個獨特特徵。

米開朗基羅的戴維（1504）：米開朗基羅的戴維（David）身處敵對姿勢。

該雕塑原計劃放置在Duomo的外部，已成為文藝復興時期雕塑最受認可的作品之一。

繪畫：最後的審判

在繪畫方面，米開朗基羅在西斯廷教堂的作品而聞名。在最初的天花板出現裂縫之後，他最初被委託為tromp-l'oeil保險箱上的油漆。米開朗基羅遊說了一個不同而又復雜的計劃，代表著創造，人類的墮落，通過先知的救贖承諾以及基督的家譜。這項工作是教堂內較大的裝飾方案的一部分，該方案代表了天主教的大部分教義。

該作品最終包含300多幅人物，並以《創世記》的九集為中心，分為三組：上帝創造的地球，上帝創造的人類以及他們脫離上帝的恩典以及最後的狀態以諾亞及其家人為代表的人類。預言耶穌复臨的十二個人被塗在支撐天花板的五旬節上。天花板上最著名的畫作包括伊甸園中的亞當，亞當和夏娃的創作，大洪水，先知以賽亞和庫比斯·西比爾。基督的祖先畫在窗戶周圍。

西斯廷教堂的祭壇牆上的《最後審判》的壁畫是由教皇克萊門特七世委託完成的，米開朗基羅從1536年至1541年從事該項目。該作品位於西斯廷教堂的祭壇牆上，這不是該主題的傳統佈置。通常，將最後的審判場景放置在教堂的出口牆上，以提醒觀眾離開教堂時受到的永恆懲罰。最後的審判是對基督再臨和啟示的描述。在這裡，人類的靈魂升起，並按照基督的審判，被命運分配給他們各種命運，周圍是聖徒。與早期米開朗基羅在天花板上繪製的人物形成對比，《最後的審判》中的人物肌肉發達，姿勢更加虛假，展示了這種風格的風格。

在這項工作中，米開朗基羅拒絕了對中世紀傳統所建立的最後一個判決的有條不紊的描述，而是在對每個靈魂進行評判時傾向於混亂的漩渦場面。當這幅畫被揭露時，由於它包含了古典意像以及一些具有暗示性的姿勢中的裸體人物而受到嚴重批評。對收到的作品的不滿可能與反改革和特倫特委員會有關，這導致人們偏愛更保守的宗教藝術，而沒有古典參考。儘管由於增加了帷幕而使許多人物顯得更為謙虛，但直到米開朗基羅去世後才做出改變，這表明了米開朗基羅一生對他的尊重和欽佩。

最後的審判：的壁畫最後的審判在西斯廷教堂的壇牆是由教皇克萊門特七世委託。米開朗基羅（Michelangelo）從1534年至1541年從事該項目。

建築：聖彼得大教堂

最後，儘管其他建築師也參與其中，但米開朗基羅因設計聖彼得大教堂而受到讚譽。米開朗基羅的主要貢獻是使用了對稱的希臘十字形平面圖和大量外部磚石結構，每個角落都被樓梯間或小衣櫃所佔據。效果是連續的牆壁表面以不同的角度折疊或斷裂，而缺少通常定義建築物拐角方向變化的直角。外部被大量科林斯壁柱圍繞著，所有壁柱相互之間設置的角度略有不同，以適應牆面不斷變化的角度。在它們的上方，巨大的簷口在連續的帶狀中起伏，使整個建築物處於壓縮狀態。

聖彼得大教堂：米開朗基羅在1564年或之前設計了聖彼得大教堂的圓頂，儘管他死後還沒有完工。

文藝復興時期的威尼斯畫家

喬爾喬涅，提香和韋羅內塞是威尼斯文藝復興時期的傑出畫家。

 

總結喬爾喬涅，提香和維羅納的繪畫對威尼斯文藝復興時期藝術的影響

重要要點

關鍵點

·         威尼斯高文藝復興時期的藝術家Giorgione，Titian和Veronese採用了色彩，比例和組成方面的新穎技術，使他們成為羅馬北部著名的藝術家。

·         特別是，這三位畫家遵循威尼斯畫派對色彩的偏好，而不是disegno。

·         Giorgio Barbarelli da Castlefranco，被稱為Giorgione（約1477–1510年），是一位對威尼斯高文藝復興時期產生重大影響的藝術家。Giorgione是第一個在畫布上繪畫油畫的人。

·         提齊亞諾·韋切利（Tiziano Vecelli）或提香（1490–1576），可以說是威尼斯人學校最重要的成員，也是用途最廣泛的人之一。他對色彩的使用將不僅對意大利文藝復興時期的畫家產生深遠影響，而且還將對西方藝術的後代產生深遠影響。

·         保羅·韋羅內塞（Paolo Veronese，1528–1588年）是威尼斯主要的文藝復興時期畫家之一，以他的畫作如《卡納的婚禮》和《利維故居的盛宴》而聞名。

關鍵詞

·         disegno：圖紙或設計。

·         威尼斯人學校：始於15世紀後期，在意大利威尼斯具有獨特，繁榮和有影響力的藝術界。

Giorgione，Titian和Veronese是威尼斯高文藝復興時期的傑出畫家。這三位畫家都採用了新穎的色彩和構圖技巧，使他們成為羅馬北部著名的藝術家。尤其是Giorgione，Titian和Veronese遵循威尼斯人學校對色彩的偏好，而不是disegno。

喬爾喬涅

Giorgio Barbarelli da Castlefranco，被稱為Giorgione（約1477–1510年），是一位對威尼斯高文藝復興時期產生重大影響的藝術家。不幸的是，藝術史學家對喬爾喬涅並不了解很多，部分原因是他早在30歲那年就去世了，部分原因是威尼斯的藝術家不像佛羅倫薩的藝術家那麼個人主義。雖然只有六幅畫獲得了他的認可，但它們顯示了他在藝術史上的重要性以及他在繪畫方面的創新。

Giorgione是第一個在畫布上繪畫油畫的人。以前，使用油的人是在面板上繪畫，而不是在畫布上繪畫。他的作品並沒有多少底紋，這表明他沒有遵守佛羅倫薩的“歧義”，而他的題材仍然難以捉摸和神秘。展示所有這三個元素的他的作品之一是《暴風雨》（約1505-1510年）。這幅作品是布面油畫，X射線顯示繪畫中幾乎沒有，主題仍然是藝術史上爭議最大的問題之一。

暴風雨，c，1505-1510年，喬爾喬涅。：喬爾喬涅（Giorgione）的作品囊括了他在威尼斯高文藝復興時期為繪畫帶來的所有創新，並且因其難以捉摸的主題而成為有史以來爭議最大的繪畫之一。

提香

提齊亞諾·韋切利（Tiziano Vecelli）或提香（1490–1576），可以說是16世紀威尼斯學校中最重要的成員，也是功能最豐富的學校之一。他同樣擅長於畫像，風景背景以及神話和宗教題材。他的繪畫方法，特別是在色彩的應用和使用中，不僅會對意大利文藝復興時期的畫家產生深遠的影響，而且對後代的西方藝術也將產生深遠的影響。在Titian的一生中，他的藝術風格發生了翻天覆地的變化，但他對色彩始終保持著濃厚的興趣。儘管他成熟的作品可能沒有早期作品的生動，明亮的色彩，但其鬆散的筆觸和多色調製的微妙之處尚無先例。

在1516年，提香完成了他的著名力作，聖母，升天或升天，為弗拉里教堂的高壇。這種非同尋常的色彩主義，在意大利很少見到的大規模實施，引起了轟動。假設的繪畫結構-在同一構圖中將兩個或三個場景疊加在不同的層次上，分別是地球和天堂，時間和無限-在他的一系列作品中得到了延續，最終在Pesaro Madonna（眾所周知的聖母瑪利亞（Madonna di Ca'Pesaro））。這也許是提香研究最多的作品。他的耐心製定的計劃以秩序與自由，獨創性和風格的至高展現。在這裡，提香（Titian）對在空中飛行的捐助者和聖人的傳統團體，在建築框架中設定的計劃和不同程度給出了新的概念。

提香的阿桑塔：提香用了兩年（1516–1518）來完成他的阿桑塔。這幅畫的動態三層構圖和配色方案使他成為羅馬北部的傑出畫家。

維羅尼

保羅·韋羅內塞（Paolo Veronese，1528–1588年）是威尼斯主要的文藝復興時期畫家之一，以《卡納婚禮》和《利維故居》等繪畫而聞名。韋羅內塞（Veronese）被譽為至高無上的調色師，他以壁畫和油畫中的幻覺裝飾。他最著名的作品是精緻的敘事週期，以戲劇性和多彩的風格執行，充滿雄偉的建築環境和閃閃發光的壯麗景色。

他為威尼斯和維羅納的修道院食堂執行的聖經盛宴大畫尤為著名。例如，在1562–1563年與Palladio合作繪製的《卡納的婚禮》中，Veronese安排了該架構，使其基本上平行於圖片平面，突出了該作品的遊行特徵。這位畫家的裝飾天才是要意識到，戲劇性的透視效果在客廳或小教堂裡會很累人，而畫面的敘事最好是作為一種多彩的轉移而被吸收。

Cana的婚禮幾乎無法表達情感：相反，它說明了主體沿主要水平軸精心組合的運動。最重要的是，它與光和顏色的白熾有關。即使Veronese對色彩的使用獲得了更高的強度和亮度，他對敘事，人類情感以及人物之間更微妙和有意義的物理相互作用的關注也變得顯而易見。

保羅·維羅尼塞（Paolo Veronese）的《卡納婚禮》，保羅·維羅內塞（1562–1563）：藝術家在《卡納婚禮》中的裝飾天才是要認識到戲劇性的透視效果在客廳或小教堂裡會很累人，並且圖片的敘述最好是被吸收作為豐富多彩的轉移。

 

矯飾主義



矯飾主義

舉世無雙的藝術家開始拒絕文藝復興時期的和諧和理想比例，轉而採用不合理的環境，人造色彩，不清楚的主題和細長的形式。

 

描述風格主義的風格，它與文藝復興的不同之處以及出現它的原因。

重要要點

關鍵點

·         矯飾主義來自於高文藝復興時期之後和巴洛克時期之前。

·         拉斐爾和米開朗基羅之後的一代藝術家陷入了困境。他們無法超越萊昂納多·達·芬奇，拉斐爾和米開朗基羅已經創造的偉大作品。這是我們開始看到矯飾主義的時候。

·         雅各布·達·蓬托爾莫（Jacopo da Pontormo，1494-1557年）代表著從文藝復興時期到矯飾主義風格的轉變。

關鍵詞

·         矯揉造作：c。的歐洲藝術風格 1520–1600。矯飾主義來自於高文藝復興時期之後和巴洛克時期之前。在此期間，並非每位畫家都被視為風俗畫家。

矯飾主義是c到歐洲一種藝術風格的名稱。1520–1600。矯飾主義來自於高文藝復興時期之後和巴洛克時期之前。然而，並非在此期間的每一位畫家都被視為風俗畫家，而且學者們對於是否應該將風俗主義視為獨立於高文藝復興的運動或高文藝復興的風格階段進行辯論。矯飾主義將被視為一種獨立的藝術運動，因為文藝復興時期和矯飾主義風格之間存在許多差異。

風格

是什麼使藝術品風格主義者？首先，我們必須了解文藝復興時期的理想和目標。在文藝復興時期，藝術家以一種新的方式參與了古典古代。此外，他們還開發了基於視角的理論，並以各種方式努力創造出完美，和諧並展現自然世界理想描繪的藝術品。達·芬奇（Leonardo da Vinci），拉斐爾（Raphael）和米開朗基羅（Michelangelo）被認為是文藝復興時期在藝術上取得最大成就的藝術家。

文藝復興時期強調和諧與美麗，沒有人能比上面列出的三位偉大的藝術家創作出更多精美的作品。後一代的藝術家陷入了困境。他們無法超越達芬奇，拉斐爾和米開朗基羅已經創造的偉大作品。這是我們開始看到矯飾主義的時候。年輕的藝術家們試圖做一些新奇的事情，開始排斥和諧和理想的比例，而偏向於非理性的環境，人造的色彩，不清楚的主題和狹長的形式。

Jacopo da Pontormo

雅各布·達·蓬托爾莫（Jacopo da Pontormo，1494-1557年）代表了從文藝復興時期到矯飾主義風格的轉變。以他的《從十字架上沉積》為例，這是一個為佛羅倫薩聖費利西塔教堂的小教堂畫的祭壇畫。瑪麗和耶穌的形像似乎直接引用了米開朗基羅的聖母憐子圖。儘管這項工作被稱為“沉積”，沒有十字架。學者們也將此作品稱為“葬禮”，但沒有墓葬。對主題缺乏清晰性是風格主義繪畫的標誌。此外，該設置是不合理的，幾乎就好像不在這個世界中一樣，並且顏色遠非自然主義。這件作品不可能是文藝復興時期藝術家創作的。風格主義運動強調不同的目標，蓬托爾莫（Pontormo）的這件藝術品展示了這種新穎而又不同的風格。

蓬托爾莫，《從十字架上沉積》，1525年至1528年，佛羅倫薩聖菲利西塔教堂：蓬托爾莫的這件藝術品展示了矯飾主義風格的標誌：主題不清晰，設置不合理，人造色。

風格主義繪畫

舉止主義起源於意大利高文藝復興的後期，並以其複雜而人為的特質而著稱。

 

將高度矯正主義的繪畫與其早期的反古典階段進行對比

重要要點

關鍵點

·         風格主義繪畫涵蓋了受高文藝復興時期藝術家相關的和諧理想和內斂自然主義影響並作出反應的各種方法。矯飾主義以其精巧的智力以及人為的（相對於自然主義的）素質而著稱。

·         矯飾主義於1520年至1580年左右在佛羅倫薩和羅馬發展起來。早期的矯飾主義畫家以細長的形式，不穩定的姿勢，塌縮的視角，不合理的環境和舞台照明而著稱。

·         風格主義繪畫的第二階段稱為“ Maniera Greca”，與早期的“反古典”階段有所不同。舉止高尚的人強調知識上的自負和藝術技巧，這些特徵導致後來的批評家指責他們從事不自然且受影響的“方式”。

關鍵詞

·         羅馬大袋：1527年5月6日，羅馬神聖羅馬帝國皇帝查理五世的叛變部隊進行的軍事活動。

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

矯飾主義

矯飾主義是從意大利高級文藝復興後期開始出現的歐洲藝術時期。它始於1520年左右，一直持續到意大利的1580年左右，那時候開始更青睞巴洛克風格。從風格上講，風格主義繪畫涵蓋了受與達芬奇，拉斐爾和早期米開朗基羅等藝術家相關的和諧理想和內斂自然主義影響並作出反應的各種方法。矯飾主義以其精巧的智力以及人為的（相對於自然主義的）素質而著稱。學者們之間存在著關於矯飾主義是它自己的獨立藝術運動，還是應該將其視為高文藝復興的一部分的爭論。

風格主義繪畫

矯飾主義在佛羅倫薩和羅馬都有發展。佛羅倫薩的早期風俗畫家，尤其是Andrea del Sarto的學生，特別是Jacopo da Pontormo和Rosso Fiorentino，以使用細長的形式，不穩定的姿勢，塌縮的視角，不合理的環境和舞台照明而著稱。Parmigianino（Correggio的學生）和Giulio Romano（Raphael的首席助手）在羅馬朝著風格相似的美學方向發展。這些藝術家在高文藝復興時期的影響下已經成熟，其風格被描述為一種反應或誇張的延伸。

長長的脖子的麥當娜（Madonna）：在帕瑪強尼（Parmigianinoino）的長長的脖子的麥當娜（Madonna）（1534–40）中，矯飾主義以細長的比例，高度程式化的姿勢和缺乏清晰的視角而廣為人知。

換句話說，不是直接研究自然，而是年輕的藝術家開始研究過去的希臘化雕塑和繪畫。因此，這種風格通常被認為是“反古典的”，但在當時卻被認為是自高文藝復興時期的自然發展。矯飾主義的最早實驗階段，以其“反古典”形式而聞名，一直持續到大約1540或1550年。這一時期被描述為對Andrea del Sarto，Michelangelo和Raphael的藝術的自然延伸。這些藝術家的經典成就有所下降。

在過去的分析中，已經註意到，矯飾主義是在16世紀初期與其他許多社會，科學，宗教和政治運動一起出現的，例如哥白尼模型，羅馬的聖袋以及新教改革對猶太人的挑戰越來越大。天主教會的力量。因此，樣式的拉長形式和變形形式曾經被解釋為對高文藝復興時期藝術中普遍存在的理想化構圖的反應。

雅各布·達·蓬托爾莫（Jacopo da Pontormo），《安葬》（Entombment），1528年，佛羅倫薩 ，聖菲利西塔（Pontormo）：這幅早期的風格主義畫作體現了蓬托爾莫的繪畫作品-環境不合理，人形在扭曲的姿勢中被拉長和平衡，並且作品的色彩是人工的，與之相反自然主義的。

This explanation for the radical stylistic shift in 1520 has fallen out of scholarly favor, though the early Mannerists are still set in stark contrast to High Renaissance conventions; the immediacy and balance achieved by Raphael’s School of Athens no longer seemed interesting to young artists. Indeed, Michelangelo himself displayed tendencies towards Mannerism, notably in his vestibule to the Laurentian Library, in the figures on his Medici tombs, and above all the Sistine Chapel .

The Libyan Sibyl from Michelangelo’s Sistine Chapel ceiling: Michelangelo himself displayed tendencies towards Mannerism, notably in the Sistine Chapel.

Maniera Greca

矯飾主義繪畫的第二個時期，稱為“ Maniera Greca”，即高級矯飾主義，通常與早期的所謂“反古典”階段有所區別。受早期拜占庭藝術的影響，高級禮儀主義者強調知識上的自負和藝術才能，這些特徵導致後來的批評家指責他們從事不自然且受影響的“方式”（馬尼拉）。馬尼拉（Maniera）藝術家以他們較古老的當代米開朗基羅（Michelangelo）為例。他們的藝術是模仿藝術，而不是模仿自然的藝術。馬尼拉（Maniera）藝術將誇張的優雅與對錶面和細節的精心關注相結合：瓷皮般的人物在均勻而柔和的光線下斜倚著，使觀賞者一目了然。馬尼拉（Maniera）受試者很少表現出過多的情緒，因此通常被解釋為“冷”或“獨白”。

1520年代在羅馬工作的許多最早的風俗藝術家在1527年羅馬大袋洗劫後逃離了城市。由於他們散佈在整個大陸尋找工作，他們的風格散佈在整個意大利和歐洲。結果是自哥特式風格以來的第一個國際藝術風格（包括法國，英國和荷蘭的風格主義風格）。1580年後，這種風格在意大利逐漸減弱，因為卡拉克拉兄弟（Carracci brothers），卡拉瓦喬（Caravaggio）和奇戈里（Cigoli）等新一代藝術家再次強調自然主義。沃爾特·弗里德蘭德（Walter Friedlaender）將這一時期稱為“反主義”，就像早期的禮節主義者對高文藝復興時期的反應是“反古典主義”一樣。

約阿希姆·韋特威爾（Joachim Wtewael）的英仙座和仙女座，1616年：17世紀荷蘭風俗主義的一個例子。

風格雕塑

風格主義雕塑像風格主義繪畫一樣，具有細長的形式，螺旋角，扭曲的姿勢和超然的目光。

 

定義風格雕塑的特徵

重要要點

關鍵點

·         Figura serpentinata（意大利語：蛇紋圖）是繪畫和雕塑風格中的典型風格。它與Conspposto類似但不完全相同，並且通常以螺旋姿勢呈現人物。

·         風格主義的雕塑風格開始創造出一種形式，其中人物表現出身體力量，激情，張力和語義完美。運動並非沒有動力，甚至不是簡單地憑意願完成的，而是以純淨的形式表現出來的。

·         矯揉造作的雕塑是試圖找到一種超越米開朗基羅等同於高文藝復興時期成就的原始風格的嘗試。超越他的成功的大部分努力都集中在委託米開朗基羅的大衛（David）旁邊的佛羅倫薩廣場廣場的其他地方。

關鍵詞

·         Figura Serpentinata：Figura Serpentinata（意大利語：蛇形人物）是繪畫和雕塑中的一種典型的風格主義風格。它與概念類似，但不完全相同，並且通常以螺旋姿勢擺放人物。

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

·         廣場：公共廣場，尤其是在意大利城市。

雖然高文藝復興時期的雕塑的特徵是形式完美，拘謹美麗，但米開朗基羅的戴維最好地體現了這一點，但主義風格的雕塑，如主義風格的繪畫一樣，具有細長的形式，螺旋形的天使，扭曲的姿勢和超然的目光。此外，與高文藝復興時期的雕塑家相比，風格主義的雕塑家在貴金屬中的工作頻率要高得多。

Figura serpentinata（意大利語：蛇紋圖）是繪畫和雕塑風格中的典型主義風格。它與概念類似，但不完全相同，並且通常以螺旋姿勢呈現人物。早期的例子可以在達芬奇，拉斐爾和米開朗基羅的著作中看到。在定義Figura serpentinata時，Emil Maurer對畫家和理論家Giovanni Paolo Lomazzo寫道：“在Lomazzo之後，推薦的理想形式將三種品質結合在一起：金字塔，'serpentinata'運動和一定的數值比例，所有這三種結合在一起形成一個整個。同時，優先考慮“摩托”，即曲折運動，它應使金字塔按正比比例變成圓錐的幾何形狀。”

隨著高文藝復興時期規範的放鬆和“蛇紋石”風格的發展，矯飾主義風格的結構和規則開始系統化。風格主義的雕塑風格開始創造出一種形式，其中人物表現出身體力量，激情，張力和語義完美。矯飾主義的人物雕塑以扭曲的扭曲姿勢為標誌，賈博洛尼亞的《薩賓女人的強姦》就是最好的證明。

薩賓婦女的強奸案，詹博洛尼亞，1583年，佛羅倫薩：詹博洛尼亞在這幅13英寸6英寸高的大理石作品中展示了無花果蛇形雕像的使用。

與繪畫一樣，早期的意大利風格主義雕塑在很大程度上是試圖尋找一種原始風格，以擴大並超越高文藝復興時期的成就。對於同時代的雕塑家，高文藝復興時期與米開朗基羅等同，而超越他的成功的大部分努力則通過佣金來填補佛羅倫薩米開朗基羅的大衛廣場旁邊的其他地方。

例如，巴喬·班迪內利（Baccio Bandinelli）從米開朗基羅（Michelangelo）手中接管了大力神（Hercules） 和卡庫斯（Cacus）的項目，儘管本韋努托·切利尼（Benvenuto Cellini）將他的工作惡意地比喻為“一袋瓜”。像矯飾大師的其他作品一樣，班迪內利清除的原始石塊比米開朗基羅要多得多。在天然石材雕塑之外，切利尼的青銅色珀爾修斯（Perseus）和美杜莎（Medusa）頭是矯飾主義的傑作，設計有八個視角。

珀爾修斯（Perseus）和美杜莎（Medusa）頭，本韋努托·策林（Benvenuto Celling），1545-1554年：

收藏家櫥櫃上的青銅小雕像，通常是帶有裸體的神話人物，是矯飾主義雕塑的特徵。它們是一種流行的文藝復興時期的形式，詹博洛尼亞（Giambologna）在本世紀後期表現出色。他和他的追隨者設計了細長的長形無花果（通常是兩個相互交織的人物）的優雅實例，從各個角度都很有趣，並加入了Piazza della Signora廣場。

詹波隆那（Giambologna）的《大力神戰勝Nessus》，1599年，佛羅倫薩：

風格主義建築

在風格主義時期，建築師嘗試使用建築形式來強調實體和空間關係。
他們通過故意發揮文藝復興時期建築中常見的對稱性，秩序和和諧來做到這一點。

 

將風格主義建築與早期的文藝復興時期風格聯繫起來

重要要點

關鍵點

·         從風格上講，風格主義建築的特點是其與文藝復興時期和中世紀風格的發展趨勢大相徑庭，最終導致了巴洛克風格的發展，在該風格中，相同的建築詞彙用於非常不同的修辭。

·         米開朗基羅（1475–1564）是與風格主義相關的最著名藝術家。

關鍵詞

·         矯飾主義的體系結構：在矯飾主義時期，建築師嘗試使用建築形式來強調實體和空間關係。文藝復興時期的和諧理想讓位於更自由，更富想像力的節奏。

在文藝復興時期，源自古典的建築概念得到了發展並得到了更大的保證。這個時期最具代表性的建築師是Bramante（1445-1514），他以將在16世紀統治意大利建築的風格將古典建築的適用性擴展到當代建築。高文藝復興時期建築的標誌是對稱，比例，有序，和諧和對古典過去建築的刻意參考。

在風格主義時期，建築師嘗試使用建築形式來強調實體和空間關係。他們通過故意發揮文藝復興時期建築中常見的對稱性，秩序和和諧來做到這一點。結果，風格主義的建築顯得好玩，幾乎就像建築師在刻意發揮文藝復興時期建築提出的期望一樣。

在風格主義建築中，文藝復興時期的和諧理想讓位於更自由，更富想像力的節奏。與風格主義風格相關的最著名的藝術家是米開朗基羅（1475–1564）。憑藉他為Laurentian圖書館的前廳設計的結果，米開朗基羅對建築本身的趣味性導致瞭如何讀取空間的模棱兩可。柱子向後傾斜而不是向前傾斜，拐角朝向您而不是凹進。米開朗基羅知道文藝復興時期建築的理想，但他刻意地與這些理想一起玩並創造新的東西。

佛羅倫薩洛朗圖書館的前廳米開朗基羅（Michelangelo）：憑藉他的設計，米開朗基羅以古典比例和文藝復興時期的建築和諧相處，創造出新的東西。

從風格上講，風格主義建築的特點是其與文藝復興時期和中世紀風格的發展趨勢大相徑庭，最終導致了巴洛克風格的發展，在該風格中，相同的建築詞彙用於非常不同的修辭。

Baldassare Peruzzi（1481-1536）是一位在羅馬工作的建築師，他的作品彌合了高文藝復興時期和矯飾主義。1509年，他的法爾西納別墅（Var Farnesina）是一個非常規則的巨大紀念性立方體，由兩個相等的故事組成，海灣由壁柱順序指示。

佩魯齊（Peruzzi），羅馬，法尼西納別墅（Villa Farnesina），1506-1510年。

Peruzzi最著名的作品是羅馬的Massimo alle Colone宮。該建築的不尋常特徵是其立面平緩地彎曲以沿著彎曲的街道。它的底樓有一個黑暗的中央門廊，與街道平行，但是半封閉的空間，而不是敞開的涼廊。在此之上，三層沒有區別的樓層上升，上兩層在薄的扁平框架中具有相同的水平小窗戶，與深層的門廊形成了鮮明的對比。深層的門廊從建造之初就一直是這座城市窮人的避難所。所有這些建築特徵都是出乎意料的，並且破壞了和諧比例的想法，使其成為一間風格主義的建築。

羅馬Massassi alle Colone宮，Peruzzi

朱利奧·羅馬諾（Giulio Romano，1499–1546年）是拉斐爾（Raphael）的學生，協助他完成了梵蒂岡的各種作品。Romano還是一位極富創造力的設計師，他在曼德拉（Pantazzo del Te）（1524–1534）的曼德拉（Fetuico II Gonzaga）工作，該項目融合了他作為建築師，雕刻家和畫家的技能。在這項結合了花園石窟和大量壁畫的作品中，他使用了幻覺效果，令人驚奇的建築形式和紋理組合以及看起來似乎不成比例或不對齊的特徵，使其非常具有矯飾主義的結構。

瑪努塔宮，羅馬諾，1524-1534年。：羅馬諾（Romano）的Palazzo del Te融合了建築形式和紋理的混合。

矯飾主義與反改革

在改革之後，禮節主義引起了許多天主教領袖的注意，因為他們缺乏虔誠的呼籲。

 

從矯飾主義中區分反改革的藝術理想與北歐的改革藝術

重要要點

關鍵點

·         束縛宗教意象的壓力影響了1530年代的藝術，並影響了1563年特倫特議會最後一屆會議的幾項法令。這些法令包括對宗教意象的短暫訪問，這對反改革期間的天主教藝術發展產生了重大影響。

·         反改革天主教會宣揚具有“神聖”或宗教內容的藝術。換句話說，藝術是嚴格的宗教信仰，旨在榮耀神和天主教傳統。

關鍵詞

·         食堂：食堂，特別是在學院或修道院等機構中。

·         反改革：天主教的複興時期，始於特倫特議會（1545–1563），結束於三十年戰爭（1648）結束；有時被認為是對新教改革的回應。

意大利繪畫與手法

1520年後的意大利文藝復興時期繪畫發展出某些被認為是風俗主義的特徵，例如細長的形式和不合理的佈置。禮節主義以及上世紀文藝復興時期的作品引起了宗教改革之後許多天主教領袖的關注，因為他們被認為缺乏虔誠的吸引力。此外，天主教與北歐新教改革者之間在藝術作品的內容和風格上也出現了巨大分歧。

教會限制宗教形象的壓力影響了1530年代的藝術，並影響了1563年特倫特議會最後一屆會議的幾項法令。這些法令包括關於宗教圖像的短文，這些文字對反改革期間的天主教藝術發展產生了重大影響。教會感到天主教國家（尤其是意大利）的宗教藝術已經失去了對宗教主題的關注。相反，它著重於裝飾性，在古典，異教藝術的巨大影響下，導致了一項教會法令，即“藝術在其敘事性表現形式上應具有直接性和吸引力，要準確地呈現聖經中的敘事性或聖人的生活，而不是添加偶然和想像的時刻，而是鼓勵虔誠”（Paoletti和Radke，意大利文藝復興時期的藝術）。該委員會的改革為反改革藝術奠定了基礎。

反改革運動

新教徒在很大程度上將公共藝術從宗教中移開，轉向更“世俗化”的藝術風格，擁護通過描繪自然來榮耀上帝的觀念，而反改革天主教則倡導具有“神聖”或宗教內容的藝術。換句話說，藝術是嚴格的宗教信仰，旨在榮耀神和天主教傳統。

為此，米開朗基羅（1534–41）在西斯廷教堂的祭壇牆上的壁畫《最後的審判》因其經典的圖像和大量的裸體而受到攻擊，其中有些當時被解釋為在妥協的姿勢。最後的審判這是天主教反改革運動中的批評家與欣賞藝術家天才和繪畫風格的人之間發生爭執的對象。米開朗基羅（Michelangelo）被指控對適當的禮節不敏感，並在適當的內容描述上標榜個人風格。壁畫也完成了，當時可以製作出作品的照片，並散佈在整個北歐，這是對天主教的批評之地。雖然米開朗基羅在文藝復興時期因其古典影響力和各種姿勢下對裸照的描繪而受到讚譽，但在這裡他因《最後的審判》而受到批評。Michelango並沒有做過任何與他以前的風格一樣的新事物或與以往不同的事情。這表明歷史情況如何發生變化，以及天主教會在歷史上此時受到的威脅如何。

最後的審判：米開朗基羅（1534–41）在西斯廷教堂的最後的審判壁畫在反改革運動中遭到裸體的持續攻擊（後來塗了好幾個世紀），沒有顯示基督就座或大鬍子，包括異教徒卡隆的形象。

Scipione Pulzone於1589年為Gesu教堂委託創作的《哀嘆》繪畫清楚地展示了特倫特議會在新型宗教藝術方面的追求。繪畫的重點直接關注了基督的受難，它符合議會的宗教內容，並展示了激情的故事，同時使基督保持了理想人的形象。

悲嘆：Scipione Pulzone的悲嘆，對受難的虔誠描繪，體現了典型的反改革工作。

另一方面，在保羅·韋羅內塞（Paolo Veronese）的畫作《最後的晚餐》（後來更名為《里維故居》中的盛宴）中，人們可以看到理事會認為不合適的東西。維羅納斯在宗教裁判所被傳喚，理由是他的組成對修道院的食堂不利。這幅畫展示了威尼斯貴族宴席的幻想版本，用宗教裁判所的話說：“ b子，醉酒的德國人，矮人和其他類似的偶然事件”，以及奢華的服裝和佈置。韋羅內塞被告知，他必須在三個月內更換畫作。取而代之的是，他只是將標題改為了“利未之屋”中的“盛宴”。

里維的最後晚餐/家：保羅·維羅內塞（Paolo Veronese）被指控在其最後的晚餐 （里維之家的盛宴）中改建修道院食堂。

 

北方文藝復興



北方文藝復興

1450年之前，文藝復興時期的人文主義在意大利以外幾乎沒有影響。1450年後，這些想法開始在整個歐洲傳播。

 

描述北方文藝復興與意大利文藝復興有何不同

重要要點

關鍵點

·         人文主義影響了德國，法國，英國，荷蘭和波蘭的文藝復興時期。還有其他民族和地方性運動，每個運動都有不同的特點和優勢。

·         16世紀的北方畫家越來越多地將目光投向羅馬，以羅馬人而著稱。米開朗基羅和拉斐爾的文藝復興時期的藝術以及風格主義的風格傾向也對其工作產生了重大影響。

·         儘管文藝復興時期的人文主義以及意大利大量倖存的古典藝術品和紀念碑鼓勵了許多意大利畫家探索希臘羅馬主題，但北方文藝復興時期的畫家開發了其他主題，例如風景畫和體裁畫。

關鍵詞

·         羅馬主義者：15世紀末和16世紀初來自荷蘭的一群藝術家，他們開始訪問意大利，並開始將文藝復興時期的影響納入他們的作品中。

·         北部文藝復興時期：北部文藝復興時期描述了發生在北歐的文藝復興時期。

北部文藝復興時期描述了北歐的文藝復興時期。1450年之前，文藝復興時期的人文主義在意大利以外幾乎沒有影響。然而，在1450年之後，這些想法開始在歐洲傳播。這影響了德國，法國，英國，荷蘭和波蘭的文藝復興時期。還有其他民族和地方運動。文藝復興時期的這些區域性表達方式都有各自不同的特徵和優勢。在某些地區，北部文藝復興在政治權力集中方面與意大利文藝復興不同。在意大利和德國由獨立的城市國家統治的同時，中歐和西歐的部分地區開始成為民族國家。北方文藝復興時期也與新教改革緊密相關，

與意大利一樣，封建制度的衰落為北歐文藝復興帶來的文化，社會和經濟變革開闢了道路。16世紀的北方畫家越來越多地將目光投向羅馬，以羅馬人而聞名。米開朗基羅和拉斐爾的文藝復興時期的藝術以及矯飾主義的風格傾向對其工作產生了重大影響。儘管文藝復興時期的人文主義以及意大利大量倖存的古典藝術品和紀念碑鼓勵了許多意大利畫家探索希臘羅馬主題，但北方文藝復興時期的畫家開發了其他主題，例如風景畫和體裁畫。

Jan Mabuse的Danae：Jan Mabuse是最著名的羅馬主義者之一。米開朗基羅和拉斐爾的影響力體現在這件作品中神話和裸露的運用上。

隨著文藝復興時期的藝術風格在北歐蔓延，它們適應了當地的習俗。例如，在英格蘭和荷蘭北部，宗教改革幾乎結束了宗教繪畫的傳統。在法國，楓丹白露學校最初由羅索·菲奧倫蒂諾（Rosso Fiorentino）等意大利人創辦，成功建立了持久的民族風格。最終，到16世紀末，Karel van Mander和Hendrik Goltzius等藝術家在哈勒姆短暫而激烈的北方風格主義時期聚集在哈勒姆，並傳播到了法蘭德斯。

新教改革的影響

宗教改革是16世紀的宗教運動，導致羅馬天主教徒和新教徒之間在神學上產生分歧。

 

描述新教改革及其對16世紀西歐藝術的影響

重要要點

關鍵點

·         描繪宗教人物或場景的藝術遵循了新教神學，準確而清晰地描繪了人物和故事，並強調通過神的恩典而不是通過個人事蹟或通過教會官僚機構來進行救贖。

·         改革藝術包含了新教徒的價值觀，儘管在新教國家中產生的宗教藝術數量大大減少了。取而代之的是，新教國家的許多藝術家進入了世俗的藝術形式，例如歷史繪畫，風景，肖像畫和靜物畫。

·         在更激進的傳教士中，新教改革引發了一波反傳統浪潮，即宗教形象的破壞。

關鍵詞

·         新教改革：由馬丁·路德，約翰·加爾文和其他早期新教徒發起的西方基督教內部的16世紀分裂。其特點是對羅馬天主教的教義，禮節和教會結構的反對，並導致了新教教堂的建立，而這是梵蒂岡無法控制的。

·         iconoclasm：對宗教圖標和其他符號或古蹟的破壞，通常是出於宗教或政治動機的信仰，參與或製裁。

新教改革與藝術

新教改革是一種宗教運動，發生於16世紀的西歐，導致羅馬天主教徒和新教徒之間神學上的分歧。這一運動在歐洲造成了南北分裂，通常北方國家成為新教徒，而南方國家仍然是天主教。新教神學以崇拜者和神之間的個人關係為中心，因此，宗教改革的藝術運動著重於個人與上帝的個人關係。這反映在藝術中描繪的許多平民百姓和日常場景中。

改革帶來了一種新的藝術傳統，突顯了新教徒的信仰體系，並與上文藝復興時期產生的南歐人文藝術產生了很大的差異。改革藝術接受了新教徒的價值觀，儘管新教徒國家生產的宗教藝術品數量大大減少了（主要是因為巨大的藝術贊助人天主教堂在這些國家不再活躍）。取而代之的是，新教國家的許多藝術家多樣化了世俗形式的藝術，例如歷史繪畫，風景，肖像畫和靜物畫。

描繪宗教人物或場景的藝術遵循了新教神學，準確而清晰地描繪了人物和故事，並強調通過神的恩典而不是通過個人事蹟或通過教會官僚機構來進行救贖。這是宗教改革期間對天主教的一項主要批評的直接影響，即畫家創造的聖經場景偏離了他們的真實故事，難以辨認，並且被繪畫效果所裝飾，而不是專注於神學信息。在主題方面，基督的標誌性圖像和激情中的場景變得越來越少，對聖徒和神職人員的刻畫也越來越少。取而代之的是，聖經中的敘事場景和現代生活的道德描寫變得普遍。

新教改革還利用版畫在北歐的流行。版畫技術可以批量生產圖像，並以低成本向公眾廣泛提供。因此，新教教會能夠通過便攜式，廉價的視覺媒體將神學帶給人們。這使得視覺說服力圖像具有廣泛的可用性。隨著16世紀安特衛普雕刻和版畫市場的巨大發展，向公眾提供了易於獲得且價格合理的圖像。許多藝術家將圖紙提供給書籍和印刷出版商。

偶像崇拜和對偶像崇拜的抵抗

所有形式的新教對宗教形象，尤其是雕塑和大型繪畫，都表現出一定程度的敵意，認為它們是偶像崇拜的形式。宗教改革初期，新教徒地區的畫家為公眾展示的宗教題材少得多，部分原因是宗教藝術長期以來與天主教有關。雖然，我們有意識地努力發展書籍插圖和印刷品中聖經圖像的新教肖像。早期的宗教改革時期，一些藝術家為教堂繪畫，以與天主教聖徒非常相似的方式描繪了宗教改革的領導人。後來，新教徒的品味從教堂裡宗教場景的展示中消失了，儘管有些仍繼續在家庭中展示。

對古典神話的圖像也有反應，這是當時高文藝復興時期的另一種表現。這帶來了一種與準確刻畫當前時間更直接相關的樣式。例如，布魯格的《婚宴》描繪了一個穀倉裡的佛蘭德農民婚禮晚宴。它沒有提及任何宗教，歷史或古典事件，而僅提供了對佛蘭芒農民日常生活的見識。

布魯格的農民婚禮：布魯格的農民婚禮是一幅畫，描繪了新教改革的藝術傳統：關注現代生活中的場景，而不是宗教或古典主題。

在更激進的傳教士中，新教改革引發了一波反傳統浪潮，或破壞了宗教形象。新教領袖，特別是赫爾德里奇·茲溫格里（Huldrych Zwingli）和約翰·加爾文（John Calvin），積極地消除了他們教堂中的圖像，並將絕大多數宗教圖像視為偶像崇拜，甚至是純種的十字架。另一方面，馬丁·路德（Martin Luther）鼓勵在教堂內展示有限範圍的宗教意象。然而，與世俗作品的數量相比，改革宗聖像術在很大程度上導致了宗教形象藝術的消失。

聖像破壞：天主教祭壇碎片：1572年，在烏得勒支聖馬丁大教堂的聖壇破壞，遭到了新教聖像破壞。1919年修復後，拆除了它前面的假牆後，這一重新出現了。

安特衛普：北部文藝復興的中心

位於比利時的安特衛普在16世紀和17世紀的大部分時間都是荷蘭和北歐的藝術中心。

 

描述安特衛普舉止主義的特徵

重要要點

關鍵點

·         安特衛普繪畫學校在16世紀和17世紀蓬勃發展。安特衛普學校由幾代藝術家組成，以肖像畫，動物畫，靜物和版畫而聞名。

·         安特衛普的風俗主義與文藝復興時期的風俗主義沒有任何關係，但是這個名字暗示了對早期佛蘭芒畫家的“經典”風格的反應。儘管已嘗試識別個別藝術家，但大多數繪畫仍歸功於匿名大師。

·         安特衛普（Antwerp）是具有國際影響力的出版中心，大量生產舊版母版畫和書籍插圖。此外，安特衛普動物學家或動物畫家（例如Frans Snyders，Jan Fyt和Paul de Vos）在歐洲占主導地位。

關鍵詞

·         安特衛普學校（Antwerp School）：安特衛普學校是活躍於安特衛普的藝術家的術語，首先是在16世紀這座城市是低地國家的經濟中心，然後是17世紀，成為了法蘭德斯（Flemish Baroque）的藝術據點彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）。

·         安特衛普：比利時法蘭德斯省。

安特衛普位於當今的比利時，在16和17世紀的大部分時間裡，它都是荷蘭和北歐的藝術中心。所謂的安特衛普繪畫學校在16世紀這座城市成為低地國家的經濟中心時興盛起來，並在17世紀成為法蘭德斯巴洛克藝術的據點時再次繁榮起來。安特衛普學校由幾代藝術家組成，以肖像畫，動物畫，靜物和版畫而聞名。

大約1500年，安特衛普成為低地國家的主要貿易和商業中心，經濟的增長吸引了許多藝術家到城市參加手工業協會。例如，許多16世紀的畫家，藝術家和手工業者加入了聖盧克行會，該行會教育學徒並保證質量。該市出現的第一批藝術家學校是安特衛普風格主義者，這是一群在1500年至1520年間活躍於這座城市的匿名晚期哥特式畫家。

安特衛普的風俗主義與文藝復興時期或意大利的風俗主義沒有直接關係，但這個名稱暗示著一種風格，是對早期佛蘭芒畫家的“經典”風格的反應。儘管已嘗試識別個別藝術家，但大多數繪畫仍歸功於匿名大師。安特衛普風格主義的特徵是將早期的荷蘭和北文藝復興時期的風格融合在一起的畫作，並將佛蘭德和意大利的傳統都融入到同一作品中。這種風格的從業者經常畫一些主題，例如《賢士的崇拜》和《耶穌降生》，這兩個主題通常被表示為夜景，擠滿了人物並被戲劇化地照亮。崇拜場景在安特衛普的風俗主義者中特別受歡迎，

揚·戈薩特（Jan Gossaert）的《國王的崇拜》：這幅畫捕捉了安特衛普的風格主義傳統，該傳統使用宗教主題，尤其是《賢士的崇拜》作為靈感。

1566年在荷蘭起義之前發生的破例暴動（荷蘭語為“ Beeldenstorm”）導致許多宗教藝術作品遭到破壞，此後，教堂和修道院必須進行翻新和重新裝修。奧托·範·凡（Otto van Veen）等藝術家和法蘭克（Franken）家族的成員以後期的風格主義風格工作，提供了新的宗教裝飾。這些也標誌著該市經濟衰退的開始，因為1585年荷蘭共和國封鎖了謝爾德河，並限制了貿易。

這座城市在17世紀經歷了藝術復興。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）和雅各布·喬丹斯（Jacob Jordaens）的大型工作室，以及安東尼·範·戴克（Anthony van Dyck）的影響，使安特衛普成為佛蘭德巴洛克風格的中心。這個城市是國際上具有重要意義的出版中心，大量生產舊版母版畫和書籍插圖。此外，至少在本世紀上半葉，安特衛普的動物學家或動物畫家（例如Frans Snyders，Jan Fyt和Paul de Vos）在歐洲占主導地位。但是隨著經濟的持續下滑，哈布斯堡貴族和教堂的讚助減少，許多在安特衛普接受培訓的藝術家前往荷蘭，英國，法國或其他地方。到17世紀末，安特衛普不再是主要的藝術中心。

狩獵獎杯：安特衛普學校的一員揚·費特（Jan Fyt）以在他的畫中使用動物圖案而聞名。

 

北方文藝復興時期的繪畫



北部文藝復興時期的佛蘭芒畫

佛蘭芒畫派指的是在15和16世紀活躍於法蘭德斯的藝術家。

 

比較Robern Campin，Jan van Eyck和Rogier van der Weyden作品中的藝術進步

重要要點

關鍵點

·         在此期間，三位最傑出的畫家揚·範·埃克，羅伯特·坎賓和羅吉爾·範·德·韋登以其在幻覺或人類，空間和物體的逼真和精確呈現方面的重大進步而聞名。

·         佛蘭芒畫派的首選主題通常是宗教性質的，大部分作品以小組討論的形式展示，通常以雙聯畫或多聯畫的形式出現。

·         雖然意大利文藝復興時期是基於對古典希臘和羅馬的重新發現，但佛蘭芒畫派卻從該地區的哥特時代汲取了影響。

·         範·艾克（Van Eyck）以他的作品“ ALS IK KAN”（“如我所願”）簽名和約會而聞名。

·         羅伯特·坎賓（Robert Campin）被標識為“弗勒馬爾大師”。

·         由於佛蘭芒大師使用車間系統，他們能夠批量生產高端面板，並在整個歐洲銷售和出口。

關鍵詞

·         幻覺主義：人，空間和物體的真實，精確的表示。

·         蛋彩畫：一種繪畫類型，其中彩色顏料與粘合劑（通常為雞蛋）混合。蛋彩畫還可以指藝術品本身的成品。

·         三聯畫：在通過鉸鏈連接的三個平板電腦上繪製的圖片或一系列圖片。

·         息肉：由多個塗漆或雕刻的面板組成的作品，通常通過鉸鏈連接在一起。

佛蘭芒學校

佛蘭芒畫派，也被稱為北方文藝復興時期，佛蘭芒原始畫派和早期荷蘭語，是指在15和16世紀活躍於法蘭德斯的藝術家，尤其是在布魯日和根特市。在此期間，最傑出的三位畫家是揚·範·埃克，羅伯特·坎賓和羅吉爾·範·德·韋登，以幻覺技術或人，空間和物體的逼真和精確呈現而取得了長足的進步。佛蘭芒畫派的首選主題通常是宗教性質的，但小畫像也很常見。這項工作的大部分以面板，單個祭壇或更複雜的祭壇的形式呈現，通常以雙聯畫或多聯畫的形式出現。

在15和16世紀，低地國家成為圍繞布魯日和根特市的政治和藝術中心。由於佛蘭芒大師採用的是工坊系統，工匠在其中完成了藝術創作，因此他們能夠批量生產高端板材，並在整個歐洲銷售。佛蘭芒學校幾乎與意大利文藝復興時期同時出現。但是，雖然意大利文藝復興時期是基於對古典希臘和羅馬文化的重新發現，但佛蘭芒畫派卻從該地區的哥特時代汲取了影響。這些藝術家還比意大利文藝復興時期的同行更早地嘗試過油漆。

羅伯特·坎賓

羅伯特·坎賓（Robert Campin）被認為是佛拉芒畫派的第一位大師，被鑑定為帶有“ Flemalle大師”的簽名，並出現在眾多藝術品上。坎平以製作高度逼真的作品而聞名，他充分利用了透視和陰影效果，並且是最早使用油畫顏料而不用蛋彩畫的藝術家之一。他最著名的作品之一，梅羅德祭壇畫（Merode Altarpiece）是描繪天使報喜場景的三聯畫。大天使加百列（Angelel Gabriel）在瑪麗（Mary）在被認為是法蘭德斯（Flanders）典型中產階級房屋的房間裡讀書時接近她。作品高度逼真，整幅畫中的物體在當時向觀眾傳達了可識別的宗教意義。

該梅羅德祭壇歸因於羅伯特·坎平：該梅羅德祭壇是一個三聯畫，具有天使加百列接近瑪麗，是誰在精心佈置的，典型的中產階級弗蘭德家裡讀。

揚·範·埃克

坎平的當代人揚·範·埃克（Jan van Eyck）被廣泛認為是15世紀北歐最重要的畫家之一。他因簽署和約會他的作品“ ALS IK KAN”（“ AS I CAN”）而聞名。在此期間，簽名並不是特別習慣，但有助於確保他的持久聲譽。van Eyck活躍於布魯日，一生中廣受歡迎，他的作品極富創新性和技術性。它展現了對油漆的熟練操縱和高度的真實感。範·埃克（van Eyck）完成了許多著名的畫作時，也許他最著名的作品是根特祭壇畫（Ghent Altarpiece），這是約1432年左右創作的一幅畫。

根特祭壇由揚·凡·愛克：在根特祭壇畫，從1432左右委託polyptych，也許是凡艾克的最著名的作品。

羅吉爾·范德·魏登

Rogier van der Weyden是三位最著名的早期佛蘭芒畫家中的最後一位。範·德·韋登（Robert der Weyden）是羅伯特·坎賓（Robert Campin）的學徒，表現出許多風格上的​​相似之處，包括對現實主義的運用。他一生中非常成功，倖存的作品主要是宗教三聯畫，祭壇畫和委託畫像。到15世紀末，范德威登的知名度甚至超過了範艾克。范德威登最著名的畫作是《十字架的後裔》，約1435年。

Rogier van der Weyden的《十字架的後裔》：Van der Weyden最著名的畫作是《十字架的後裔》，約1435年。

北部文藝復興時期的板畫

北部文藝復興時期，神聖羅馬帝國皇帝的宮廷在板畫中扮演著重要角色。

 

描述神聖羅馬帝國的畫板

重要要點

關鍵點

·         面板繪畫是在一塊木頭製成的平板上製成的繪畫，既可以是一塊，也可以是許多塊連接在一起的。在16世紀帆布成為較流行的支撐媒介之前，面板是繪畫的一種正常支撐形式，該繪畫並未直接塗在牆上（被稱為壁畫）或牛皮紙，後者被用於照明手稿和繪畫的縮影。框架。

關鍵詞

·         神聖羅馬帝國皇帝：歷史學家使用的一個術語，表示中世紀的統治者，他也曾獲得教皇的“羅馬帝國皇帝”稱號。

最初位於布拉格的神聖羅馬帝國皇帝的宮廷在北部文藝復興時期在支持藝術家作為贊助人方面發揮了重要作用。在此期間，藝術品經常被塗在木板上，被稱為“面板上的蛋彩畫”或“面板上的油”。面板繪畫是在一塊木頭製成的平板上製成的繪畫，既可以是一塊，也可以是許多塊連接在一起的。在16世紀帆布成為較流行的支撐媒介之前，面板是對未直接塗在牆上（稱為壁畫）或牛皮紙的繪畫的一種正常支撐形式，這種繪畫被用於照明手稿和繪畫的縮影。框架。

阿爾布雷希·杜勒（Albrech Durer）是意大利北部文藝復興時期的一位著名畫家，他在馬克西米利安一世·杜勒皇帝（Emperor Maximillian I. Durer）中找到了一位贊助人。像這段時期的大多數畫家一樣，杜勒在木板上作畫。

阿爾布雷希特·杜勒（Albrecht Durer），自畫像，1500年。：由於畫布尚未成為首選的媒介，這張阿爾布雷希特·杜勒的自畫像被塗在木板上。

北部文藝復興時期的德國繪畫

德國文藝復興時期的繪畫反映了意大利和德國的影響，沒有一個就沒有另一個。

 

討論在德國的神聖羅馬帝國時期，丟勒，格呂訥瓦爾德，霍爾拜因，阿爾特多佛和多瑙河其他藝術家的作品

重要要點

關鍵點

·         阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer）的作品表現出強大的古典影響力，部分原因是他前往意大利半島的旅行。

·         MatthiasGrünewald在Isenheim 祭壇畫的繪畫作品中結合了哥特式和文藝復興時期的屬性。

·         多瑙河學校以近一千年來的繪畫風景（與前景人物無關）而聞名。

·         漢斯霍爾拜因和他的兄弟西吉斯蒙德霍爾拜因以晚期哥特式繪畫宗教作品。前者是德國藝術從哥特式向文藝復興風格轉變的先驅和領導者。

·         在16世紀上半葉的傑出成就之後，德國明顯缺少了值得注意的藝術。

關鍵詞

·         透視圖：在二維表面上的距離或深度的錯覺。

·         充足的空氣：在室外環境中，而不是在工作室或其他室內環境中。

·         息肉：一種藝術品，通常是一幅畫，由四個或更多的面板組成。

·         古典裝飾：受羅馬圖案的影響。

阿爾布雷希特·丟勒

紐倫堡出生的阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer，1471年至1528年）是少數具有國際旅行能力的德國人之一，在15世紀末至16世紀初訪問意大利半島後，他幫助帶動了意大利阿爾卑斯山北部文藝復興時期的藝術風格幾個世紀。像意大利畫家達芬奇（Leonardo da Vinci）和米開朗基羅（Michelangelo Buonarotti）一樣，杜勒（Dürer）是一位文藝復興時期的人物，擅長繪畫，版畫和數學理論等多個學科。丟勒（Dürer）將古典圖案引入北方藝術中，確保了他作為北方文藝復興時期最重要人物之一的聲譽。他的理論論文加強了這一點，其中涉及數學原理，觀點和理想比例。

杜勒（Dürer）的一幅繪畫清楚地展現了人體的經典渲染，其中之一是亞當和夏娃（1507），這是德國繪畫中的第一個全尺寸裸體題材。這些屍體與羅馬式和哥特式時期的扁平化和程式化表示形式明顯不同，看起來自然而富有活力，每個人物都擺出迷人的對調姿勢。儘管它們站在黑色背景上，但兩個人物所站立的地面和夏娃側翼的樹木都構成了自然主義的景觀元素。可能在近代早期歐洲第一個風景畫家，丟勒磨練了他的山水畫技能工作EN plein空氣在家裡，在他的遊記。

阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer），亞當和夏娃：面板油 1507.兩塊面板，每塊209厘米×81厘米（82英寸×32英寸），馬德里普拉多博物館。

馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德（MatthiasGrünewald）

馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德（MatthiasGrünewald）不在這些事態發展之外，他的出生地位於法國東部，留下的作品很少。然而，與Haguenau的Niclaus合作創作的他的Isenheim祭壇畫（1512年至1516年）自19世紀恢復備受關注以來，已被廣泛認為是德國文藝復興時期最偉大的繪畫。這是一部充滿激情的作品，它採用文藝復興時期的構圖原理，同時又保留了多翼息肉的哥特式格調，延續了德國哥特式不受限制的手勢和表情的傳統。

MatthiasGrünewald，Isenheim祭壇（關閉）：面板上的油（外部）。木製浮雕雕塑（室內）。1512–16。Unterlinden博物館，科爾薩，阿爾薩斯。

艾森海姆祭壇畫的封閉形式描繪了一個消瘦的基督，他的皮膚上有許多黑斑。它的下面板裝有節慶時展示的浮雕雕塑，其打開方式使被埋葬的基督的雙腿顯得截肢。毫不奇怪，格呂內瓦爾德（Grünewald）在一家醫務室生產了一個小教堂的祭壇，該教堂治療了患有多種疾病的患者，包括麥角菌病和鼠疫分離株。兩種疾病的主要症狀是皮膚疼痛。在一些麥角病病例中，四肢發展為壞疽，必須被截肢。格呂訥瓦爾德（Grünewald）通過皮膚潰瘍和似乎被截肢的雙腿告訴觀眾，基督理解並感受到了病人的痛苦。文藝復興時期，這種聖經人物的“人性化”在整個歐洲變得很普遍，目的是使他們與信徒更加相關。

多瑙河學校

雷根斯堡附近的阿爾布雷希特·奧特多夫（Albrecht Altdorfer，約1480年至1538年）多瑙河景觀（約1528年）是西方最早的純淨景觀之一。多瑙河畫派是一群活躍於16世紀上半葉在巴伐利亞和奧地利活躍的德語南部國家的藝術家的名字，其中包括阿爾布雷希特·阿爾特多夫（Albrecht Altdorfer），沃爾夫·胡貝爾（Wolf Huber）和奧古斯丁·赫希沃格（Augustin Hirschvogel）。在Altdorfer的帶頭下，該學校在繪畫和版畫方面都產生了西方（距中國將近1000年）西方獨立景觀藝術的首例。他們的宗教繪畫表現主義風格與格魯尼瓦爾德（Grünewald）的相似。杜勒（Dürer）的學生漢斯（Hans Burgkmair）和漢斯（Hans）Baldung Grien（漢斯·巴爾登·格里恩（Hans Baldung Grien））主要從事版畫創作，而巴爾登（Baldung）則以許多神秘的版畫開發了女巫的主題題材。

Albrecht Altdorfer（約1480年至1538年），雷根斯堡附近的多瑙河景觀（約1528年）：最早的西方純淨景觀之一，來自德國南部的多瑙河學校。

漢斯·霍爾拜恩

漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein）和他的兄弟西吉斯蒙德·霍爾拜因（Sigismund Holbein）繪製了色彩豐富的宗教作品。他後來的繪畫作品展示了他是如何率先並帶領德國藝術從（晚期）國際哥特式藝術轉變為文藝復興風格的。老奧爾拜因（Holbein the Elder）是德國藝術從哥特式向文藝復興風格轉變的先驅和領導者。他的兒子漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein the Younger）是肖像畫家和一些宗教作品的重要畫家，主要在英國和瑞士工作。

漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein），處女聖母安息：油在面板上。C。1491年。布達佩斯美術館。

在16世紀上半葉的傑出成就之後，德國明顯缺少了值得注意的藝術。接下來的幾位重要的德國藝術家以相當虛構的北方主義風格進行工作，他們必須在意大利或法蘭德斯學習。漢斯·馮·亞琛（Hans von Aachen）和荷蘭的Bartholomeus Spranger是維也納和布拉格皇室的主要畫家，而富有成效的荷蘭薩德勒（Sadeler）雕刻師家族遍布德國和其他縣。

北部文藝復興時期的西班牙繪畫

由於共同的經濟和政治聯繫，西班牙文藝復興時期的藝術受到荷蘭繪畫的影響。

 

通過繪畫討論西班牙的黃金時代

重要要點

關鍵點

·         西班牙是一個虔誠的國家，16世紀西班牙的繪畫表現出強烈的宗教意識。

·         埃爾·格列柯（El Greco）是西班牙黃金時代出現的最重要和最獨特的藝術家之一。

·         風格主義是16世紀大部分時間的主要繪畫風格。

關鍵詞

·         強度：顏色或燈光的深度，強度或亮度的程度。

·         sfumato：在繪畫中，應用半透明油漆的微妙層，以使顏色，色調和對象之間沒有可見的過渡。

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

荷蘭的影響

由於15世紀中葉以來西班牙和荷蘭（包括今天的荷蘭和比利時）之間建立了重要的經濟和政治聯繫，西班牙文藝復興初期受到荷蘭繪畫的嚴重影響，從而發現了西班牙裔畫家。荷蘭畫家學校。總體而言，由於荷蘭和意大利的影響以及地區差異，很難在西班牙對文藝復興時期和隨後的風格主義風格進行分類。

除了技術方面，文藝復興時期的主題和精神也根據西班牙的文化和宗教環境進行了修改。因此，幾乎沒有描述古典主題或女性裸體。相反，這些作品經常表現出虔誠的奉獻精神和宗教熱情，這些特徵在整個17世紀及以後的西班牙反改革派的許多藝術中仍將占主導地位。

西班牙黃金時代

西班牙黃金時代是西班牙政治上一個占主導地位並隨後衰落的時期，它見證了西班牙藝術的飛速發展。通常認為這一時期是在1492年以後的某個時候開始的，並在1659年由《比利牛斯條約》或《比利牛斯條約》結束。在藝術上，開始時間被推遲到菲利普三世（1598–1621）統治時期或之前，而結束也被延遲到1660年代或更晚。

路易斯·德·莫拉萊斯

16世紀初期最受歡迎的西班牙畫家是路易斯·德·莫拉萊斯（Luis de Morales，約1510–1586年），由於其繪畫的宗教色彩，他的同時代人將其稱為“神聖”。從文藝復興時期的風格開始，他還經常使用sfumato建模和簡單的構圖，但將它們與荷蘭風格的細節精確度結合在一起。他的主題包括許多虔誠的圖像，包括《麥當娜和孩子》。

路易斯·德·莫拉萊斯（Luis de Morales），《麥當娜與孩子》：布面油畫。1586年。馬德里普拉多博物館。

埃爾·格列柯

DoménikosTheotokópoulos，俗稱“ El Greco”（1541-1614年）“希臘人”，是該時期最有個人主義的畫家之一，相反，根據他在拜占庭式克里特島後學校的出身，發展出強烈的風格主義風格。後來在塞維利亞，馬德里和西班牙其他地方都流行自然主義方法。

艾爾·格列柯（El Greco）的《人像》，1604年：這可能是偉大的西班牙風格主義者的自畫像。

埃爾·格列柯（El Greco）以其將意大利文藝復興時期帶到西班牙的巨大影響而聞名，他研究了當時的意大利偉大大師-提香（Titian），丁托列托（Tintoretto）和米開朗基羅（Michelangelo）-1568年至1577年在意大利居住。他的許多作品都反映出銀色的灰色以及諸如Titian之類的威尼斯畫家的濃烈色彩，同時增加了奇怪的人物延伸，不尋常的照明，透視空間的佈置，以及用非常明顯和富有表現力的筆觸填充表面。儘管他的簽名風格最終將成名並影響後來的藝術家，但在他的一生中，埃爾·格列柯（El Greco）因其不遵守文體規範而在他的故鄉克里特島和他所採用的西班牙受到嚴厲批評。

1577年，埃爾·格列柯（El Greco）移居西班牙，在那裡他創作了成熟的作品。他成熟的風格以戲劇化而不是描述性為特徵。強烈的精神情感從繪畫直接轉移到觀眾。埃爾·格列柯（El Greco）特別喜歡身材苗條的人物和細長的作品，這既滿足了他的表達目的又符合美學原理，這使他無視自然規律，並將其作品延伸到更大的範圍，尤其是當這些東西是為祭壇而定時。

埃爾·格雷科（El Greco），《基督的脫衣（El Espolio）》，1577–79年：布面油畫。大教堂的祭祀，托萊多。這是埃爾·格列柯最著名的祭壇之一。他的祭壇作品因其動感的構圖和驚人的創新而聞名。

El Greco成熟作品的一項重大創新是形式與空間之間的交織。兩者之間形成了相互關係，使油漆表面完全統一。這種交織將在三個世紀後的保羅·塞尚（PaulCézanne）和畢加索（Pablo Picasso）的作品中重新出現。

埃爾·格列柯（El Greco）最著名的畫作《奧加茲伯爵的葬禮》（1586–88）將他的標誌性風格與文藝復興時期的古典復興和中世紀的人體素描相融合。下部的記號代表了喪葬者聚集在此的土葬平面。伯爵，送葬者和大多數神職人員的穿著方式都可以肯定衣服下面的身體。但是，兩名高級神職人員掩埋了屍體，以及一位在右邊講道的人，穿著不承認屍體的笨重衣服，因為中世紀經常會描繪這些人物。在上位冊上，基督，聖母瑪利亞和許多天庭成員聚集在一起，歡迎伯爵的靈魂（纏腰帶的半裸男子）來到天堂。在另一幅世俗的描寫中，埃爾·格列柯（El Greco）拉長了身體，並用掃地填充了負空間，

El Greco的Orgaz伯爵葬禮：這是El Greco最著名的作品，描繪了當地一個流行的傳說。它被清楚地分為兩個區域：天上的地面和天上的地面，組成了兩個區域。

北部文藝復興時期的英國繪畫

在英格蘭，都鐸時期是與歐洲潮流隔絕的時期之一。

 

討論英國都鐸王朝時期的繪畫作品

重要要點

關鍵點

·         在都鐸時期，外國藝術家被招募，並且經常受到英國法院的歡迎。

·         荷蘭的畫家仍然占主導地位，儘管法國的影響力對於盧卡斯·霍倫布特和尼古拉斯·希利亞德也很重要。儘管古典主義在非洲大陸上的影響越來越大，但霍倫布特（Horenbout）早期的皇室縮影顯示出照明手稿樣式的強烈影響。

·         德國藝術家漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein the Younger）可能是亨利八世宮廷中最著名的畫家。他的雙重肖像《大使》預示了英國繪畫日益世俗化的主題。

·         由於宗教改革時期宗教繪畫的幾乎滅絕，並且對古典神話的興趣一直持續到後期，這幅畫像是所有都鐸宮廷畫家最重要的繪畫形式，並且是唯一倖存下來的肖像畫。任何數量。

·         儘管伊麗莎白一世的公主身份是保衛者，但肖像畫在很大程度上沒有宗教象徵意義。儘管肖像的風格與法國生產的當代皇家肖像有著驚人的相似之處，但保姆作為女性未來君主的地位在當時是獨一無二的。

關鍵詞

·         limner：專門製作人像縮影的畫家。

·         都鐸王朝（Tudors）：起源於威爾士的歐洲王室，統治著英格蘭王國及其領土，包括從1485年至1603年的愛爾蘭王公（後來的愛爾蘭王國）。

都鐸宮廷藝術

都鐸宮廷的畫家是1485年至1603年（從亨利七世統治到伊麗莎白一世逝世）期間英國君主都鐸王朝及其朝臣聘用的畫家和畫家。通常，這些藝術家通常在一個工作室或工作室裡管理一組助手和學徒，這些藝術家創作的作品涉及多個學科，包括肖像縮影，木板上的大型面板肖像以及帶照明的手稿。

對於英格蘭來說，都鐸時期是與歐洲潮流不同尋常的孤立時期之一。最初，《玫瑰大戰》極大地破壞了藝術活動，到1485年，除了建築業，退潮還非常低。在都鐸時期，外國藝術家被招募，並且經常受到英國法院的慷慨歡迎，因為他們在歐洲其他藝術邊緣地區，例如西班牙或那不勒斯。荷蘭畫家仍然占主導地位，儘管法國的影響力對受過照明手稿訓練的盧卡斯·霍倫博特（Lucas Horenbout）和尼古拉斯·希利亞德（Nicholas Hilliard）都很重要，後者是英國微型肖像傳統的創始人和最大代表。亨倫八世（Henry VIII）的第一任妻子阿拉貢（Karahine of Aragon）的霍倫布特（Katharine of Aragon）的肖像縮影，其主題相對平坦，輪廓鮮明，

阿拉貢的凱瑟琳（Katharine）和猴子（Lucas Horenbout），1525-26年。微型。

亨利八世法院

可能是亨利八世宮廷中聘用的最著名的畫家是德國畫家漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein the Younger，1497–1543年），他以北方文藝復興時期的風格工作。在國王宣稱對英國教堂的至高無上統治期間，他對王室貴族的畫像記錄了朝廷。到1533年，霍爾拜因（Holbein）繪製了他的著名雙重肖像《大使》時，亨利八世（Henry VIII）從羅馬切斷了英格蘭教會，當時教皇拒絕讓國王與阿拉貢的凱瑟琳（Katharine）離婚並嫁給安妮·波琳（Anne Boelyn）。

漢斯·霍爾拜因（Hans Holbein）大使，1533年：面板上的油。倫敦國家美術館。

儘管霍爾拜因的保姆讓·德·丁特維爾和喬治·德·塞爾夫是法國的受命天主教神父，但繪畫中的宗教象徵主義卻明顯從屬。耶穌受難像幾乎隱藏在左上角的綠色窗簾後面。在大使之間的桌子的第二層是一根琵琶琴（通常是和諧的象徵），上面有一根斷線，象徵著英國教會與羅馬天主教的分離。本書開頭的書為不和諧現象提供了解釋，因為它向開始新教改革的馬丁·路德（Martin Luther）讚美。與霍爾拜因的祖國土地（路德會允許一定程度的宗教意象）不同，《大使》的主題 隨著天主教的容忍度下降，預示了英國藝術中緊縮政策的新方向。

伊麗莎白一世法院

宗教改革時期宗教繪畫幾乎滅絕，直到那個時代末期對古典神話幾乎沒有興趣，這幅肖像畫是所有都鐸宮廷藝術家最重要的繪畫形式，並且是唯一在法國存活下來的形式。任何數字。從霍爾拜因的書（《皇家收藏》的幾乎所有頁面）中可以看到其中有多少已丟失，其中包含肖像的預備圖。在85張繪畫中，只有少數幾幅倖存的霍爾拜因畫作得以倖存，儘管經常有副本倖存下來。肖像畫的範圍從非正式的縮影（在幾天的過程中幾乎一成不變地將其畫出來，用於私人沉思）到後來的伊麗莎白一世的大型肖像，例如《彩虹肖像》，充滿著禮服，珠寶，背景和題字中的象徵意象。

艾薩克·奧利弗·彩虹肖像c。1600年：伊麗莎白一世（Elizabeth I）作為“愛與美女王”的肖像體現了與後來的都鐸宮廷肖像有關的精美肖像。

伊麗莎白一世（Elizabeth I）對繪畫有個人興趣，將自己的縮影收藏鎖在紙上，上面寫著保姆的名字，將它們鎖起來。據說她的燒傷畫與她希望展示的標誌性圖像不符。在登基之前，她保留了一張肖像畫。伊麗莎白一世公主（約1546年）曾歸因於威廉·斯柯特斯，但現在被認為是萊維妮婭·特林克作畫的。描繪了一位年輕的文盲婦女直立並凝視著觀眾的目光，讓·克魯特以自信的方式畫了弗朗索瓦我是法國人。而霍爾拜因在《大使》中服從耶穌受難像，這幅對未來信仰捍衛者的肖像中唯一的宗教象徵意味是胸針和皮帶上的抽象十字形設計。她手裡拿著的書，在她身後的畫架上，都沒有書名或文字，使它們可以解釋為世俗文學，而不是聖經經文。

伊麗莎白一世（Levinia Teerlinc）飾演公主[？]，c。1546：面板上有油。溫莎城堡的皇家收藏。

雖然古典裝飾風格的自信保姆的肖像風格在裝飾背景下表現出法國的影響力，但保姆的性別在當時的英國是獨一無二的。由於亨利八世唯一的倖存兒子在青春期期間去世，因此必須修改英國的繼承法，以允許伊麗莎白和她的姐姐瑪麗獲得王位。後來的伊麗莎白肖像常常描繪出她手裡拿著地球儀，象徵著她在探索和征服時代日益發展的國際力量。另一方面，在法國，婦女被禁止擔任主權統治者，永遠不會被描繪成擁有這種權力。

 

 

北方文藝復興時期的書籍



照明手稿

在1400年代初期到中期，照明書籍被認為是一種高級藝術形式，勃艮第（佛蘭德斯）是這種創作的中心。

 

考察哥特時期北歐照明手稿的市場及其變化

重要要點

關鍵點

·         有啟發性的手稿包括宗教著作，例如工時和祈禱書，但歷史，冒險和愛情故事，詩歌以及各種各樣的道德化作品，我們今天可以將其歸類為自我完善的書籍。

·         到了14世紀，僧侶在修道院的藏書堂裡寫作的豪華手稿的製作幾乎完全被商業化的城市藏書取代，尤其是在巴黎，羅馬和勃艮第。

·         當時，照明手稿被認為是高貴的珍貴作品。擁有書本可以表明其財富，地位和品味。此外，書籍通常被用作外交禮物或紀念朝代婚姻的禮物。

·         在1440年代，布魯日和根特成為最重要的照明手稿生產中心，部分原因是受過良好養育的菲利普·菲利普（Philip the Good）的光顧，菲利普·菲利普（Philip the Good）逝世時已收集了1000多本書。

·         西蒙·馬里翁（Simon Marmion）也許是該領域最著名，最成功的藝術家，儘管人們認為範·艾克（van Eyck）作為“都靈-米蘭時光”（Turin-Milan Hours）的貢獻者是被稱為Hand G的匿名藝術家。

關鍵詞

·         scriptoria：為抄寫，書寫或照亮手稿和記錄而留出的房間，尤其是在修道院中。

·         照明手稿：一本書，其中通過添加裝飾物來補充文字，例如裝飾後的首字母，邊框（邊緣）和微型插圖。

·         西蒙·馬里翁（Simon Marmion）：生於c。1425年在法國的亞眠去世，1489年12月24日至25日在瓦朗謝訥去世。法國或勃艮第早期的荷蘭畫家，面板和照明手稿。Marmion在現在的法國生活和工作，但是一生中大部分時間都是荷蘭南部勃艮第公國的一部分。

·         菲利普善良者：1396年7月31日至1467年6月15日。菲利普從1419年開始擔任勃艮第公爵，直到去世。他曾是瓦魯瓦王朝（當時的法國皇室）的學員隊伍的成員。在他的統治期間，勃艮第達到了繁榮和威望的高度，並成為藝術的主要中心。

哥特世界的照明

哥特時期通常會看到帶照明的手稿的製作有所增加，同時也看到了更多世俗的作品，例如編年史和帶照明的文學作品。富裕的人們開始建立個人圖書館。大膽的菲利普（Philip the Bold）可能是15世紀中葉那個時代最大的個人圖書館。據估計，他有大約600幅帶插圖的手稿，而他的許多朋友和親戚中有幾十個。

修道院作品的豪華生產

在1400年代初期至中期，照明書籍被認為是比壁畫更高的藝術形式。傳統上，它們是在修道院中製作的，但到12世紀，需求水平導致它們在法語中稱為“ libraires”的專業作坊中生產。這些作品包括宗教作品，例如工時和祈禱書，還有歷史，冒險和愛情故事，詩歌以及各種各樣的道德化作品，我們今天可以將其歸類為自我完善的書籍。

都市聖經

到了14世紀，僧侶在修道院的藏書堂裡寫作的豪華手稿的生產幾乎完全被商業化的城市藏書所取代，尤其是在巴黎，羅馬和勃艮第。儘管創建手稿的過程沒有改變，但從修道院到商業場所的轉變是一個根本性的步驟。對手稿的需求增長到使修道院的圖書館無法滿足需求的程度，並開始使用世俗的抄寫員和照明師。這些人經常住在修道院附近，在某些情況下，每當進入修道院時都打扮成僧侶，但最終卻被允許離開。實際上，照明器通常是眾所周知的且廣受讚譽，並且它們的許多身份得以保留。

當時，照明手稿被認為是高貴的珍貴作品。擁有書本可以表明其財富，地位和品味。此外，它們作為外交禮物或紀念朝代婚姻的禮物而變得普遍。巴黎的生產從修道院擴散之後，是巴黎的主要供應來源。然而，它的重要性在1440年代被布魯日和根特城市所取代，部分原因是受過良好養育的菲利普·菲利普（Philip the Good）的光顧，菲利普·菲利普（Philip the Good）逝世時已收集了1000多本書。當在初期至中期15日分別在比面板的畫作更高的尊重世紀的手稿，主人往往會產生單葉插圖幾乎隨機插入珍貴的書籍，作為師傅的顯示手段和宣傳他的技能。

傑出的照明師

西蒙·馬里翁（Simon Marmion）也許是該領域最著名和最成功的藝術家，儘管人們認為範·艾克（van Eyck）作為匿名藝術家Hand G為都靈-米蘭時光展做出了貢獻。與杰拉德·戴維（Gerard David）的作品相似，儘管目前尚不清楚它們是由他還是他的追隨者完成。面板繪畫和照明之間有相當大的重疊，到本世紀下半葉，大型手稿委託通常由幾個不同的大師共同承擔，包括許多婦女在內的更多初級畫家協助，尤其是在製作日益精緻的邊框裝飾方面。

來自“都靈-米蘭小時”的頁面，一位名叫Hand G的匿名藝術家：“ Hand G”都靈的施洗約翰的誕生（上圖）和基督的洗禮（下圖）。

德國木刻

在德國和低地國家，木刻和版畫版畫的發展比文藝復興時期的任何其他地方都要發達。

 

討論16世紀的德國木刻

重要要點

關鍵點

·         在德國和低地國家，木刻和版畫版畫的發展比其他任何地方都發達，德國人率先開發了書籍插圖。

·         Martin Schongauer（約1450–1491年）被認為是第一位創作版畫的藝術家。

·         德國文藝復興時期最著名的藝術家是阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer，1471-1528年），他是版畫家和雕刻師。

關鍵詞

·         木刻：用雕刻的木刻版畫或版畫方法。

·         雕刻：通過在硬質平坦表面上切出凹槽來將設計切出的做法。

·         阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer）：（1471-1528）來自紐倫堡的德國畫家，版畫家，數學家和理論家，通常被視為北方文藝復興時期最偉大的藝術家。

木刻和雕刻

在德國和低地國家，木刻和版畫版畫的發展比文藝復興時期的任何其他地方都要發達。德國人帶頭開發了插圖書籍。這些通常是相對較低的藝術水準，但在歐洲各地都可以看到，而木刻版通常藉給其他城市或語言的印刷商使用。

馬丁·尚高爾

來自德國南部的馬丁·申高（Martin Schongauer，約1450–1491年）被認為是第一位創作版畫的藝術家。他還是一位著名的畫家。他因精製交叉陰影線技術以描繪體積和陰影而進一步發展雕刻方法。另一位著名的德國版畫家被稱為“ Housebook Master”。他的印刷品是乾點印刷的：他在板上劃了線，使它們比刻版時要淺得多。

第五屆愚蠢的處女，由馬丁·尚考爾（Martin Schongauer）雕刻，1483年。

阿爾布雷希特·丟勒

德國文藝復興時期最偉大的畫家阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer）的職業生涯始於在紐倫堡一家主要作坊的學徒，邁克爾·沃爾格穆特（Michael Wolgemut）的作坊，後者在很大程度上放棄了他的畫，以利用新媒體。丟勒（Dürer）創作了當時最華麗的插圖書《紐倫堡紀事》，由當時他的教父安東·科伯格（Anton Koberger）出版，當時歐洲最大的印刷出版商。

在1490年完成學徒制後，丟勒在德國旅行了四年，然後到意大利旅行了幾個月，然後在紐倫堡建立了自己的工作室。他以飽滿而均衡的木刻和版畫而迅速在歐洲聞名。在此期間，他還繼續繪畫。

亞當和夏娃，由阿爾布雷希特·丟勒（AlbrechtDürer）雕刻。

積木

15世紀歐洲的紙張大量生產為印刷書籍的普及打開了大門。

 

描述15和16世紀北歐印刷書籍的發展

重要要點

關鍵點

·         大約在1450年，小型木刻書籍被稱為“木版書”或“ xylographica”，並開始大量複製。人們認為它們比可移動印刷的書籍便宜。

·         活頁簿是短本，最多包含50張葉子。它們上刻有刻有文字和圖像的木刻，幾乎都是自然宗教。

·         最著名的印刷版書籍名為Ars Moriendi，或《垂死的藝術》。這本大楷書來自荷蘭，並以不同的插圖重印成多個版本。

·         該BIBLIA Pauperum參與有關舊約聖經新約的形象描繪，經常放在插圖中心用很少的附加文本。每當出現書寫時，都是用白話而不是拉丁語。

·         與典型的多色印刷品不同，多色印刷版書籍以單個印刷版進行印刷，然後進行手工繪製。

關鍵詞

·         顏料：粉狀著色材料，構成繪畫，繪畫和打印介質的基礎。

·         多色的：多色的。

·         單色：黑白，或使用一種顏色。

·         木刻：一種浮雕印刷方法，其中將圖像雕刻到木塊的光滑面上。

紙張產量的不斷增長，再加上15世紀歐洲印刷機的發明，為印刷書籍的普及打開了大門。在歐洲，人們開始在紡織品上進行木刻印刷，這已經有一段時間了，當時紙張變得更加便宜和容易獲得。大約在1450年，小型木刻書籍被稱為“大木本”或“ xylographica”，並大量複製。活頁簿是短本，由最多50幅活版印刷而成，刻有木刻，包括文字和圖像。這些書是針對一般讀者的，經常是受歡迎的書名，本質上幾乎都是宗教性的，有時會重印成多個版本。15世紀和16世紀，德國和北歐是印刷品傳播和發展的重要中心。

人們普遍認為，活字簿是可動型印刷書的一種廉價替代品，可動型印刷書在使用中，但仍然很昂貴。研究發現了40多個標題，而在最受歡迎的標題中則少得多。最受歡迎的文本多次被重印，經常使用新的木刻複製早期的版本。印刷版通常以對開本的形式印刷，兩頁印刷在整張紙上，然後折疊一次以進行裝訂。然後將幾片這樣的葉子插入另一棵葉子內，形成一堆葉子，將其中的一或多個縫在一起以形成完整的書本。一些被稱為“手印書本”的印刷版書籍只印有插圖，然後手工填寫。整本書籍被認為是incunabula （或“難以處理的”），該術語指的是歐洲在1501年之前印刷的書籍，小冊子或正面。

最著名的印刷版是荷蘭的Ars Moriendi或《垂死的藝術》。它以帶有不同插圖的多個版本轉載。最初有一個“長版”和後來的“短版”，其中包含11張木刻圖片作為指導性圖像，可以輕鬆地解釋和記憶。它是在60年前黑死病令人震驚的恐怖影響以及15世紀隨之而來的社會動蕩的歷史背景下撰寫的。它非常流行，被翻譯成大多數西歐語言，並且是西方關於死亡和死亡指南的文學傳統中的第一個。

從A打印人工魚礁Moriendi：該人工魚礁Moriendi是最負盛名的塊的書。

該BIBLIA Pauperum，或貧民的聖經，也即已經作為手稿，手繪羊皮紙上，木刻接手之前，在14世紀以前就存在一個受歡迎的系列。一個BIBLIA Pauperum包括可視化描述，相關舊約到新約，經常放置插圖中心用很少的附加文本。當文本確實出現在Biblia Pauperum中時，通常是使用當地的白話語言，而不是拉丁語。根據中世紀神學家的信仰，每組圖像都專門用於福音中的一個事件，並附有兩張稍小的舊約事件圖片，這些圖片預示了中心事件。其他值得注意BIBLIA paupera包括的1455的古滕貝格聖經，以及在搖籃本1486，印刷並通過艾哈德·雷威奇示出。

木版從打印BIBLIA Pauperum從塊書三集：BIBLIA Pauperum夏娃和蛇，報喜和基甸的奇蹟：說明舊約和新約之間的類型學對應。

除單色書本外，還生產了多色印刷本。多數多色印刷品需要為每種使用的顏色設置單獨的印刷表面，而多色印刷體則是手工著色的。顏料的範圍從植物材料（例如o石（紅色和黃色））到化學來源更豐富的材料（例如鈷（藍色））不等。各種昆蟲也被用於各种红色值。由於活版書籍比傳統的照明手稿便宜，因此藝術家僅用油漆和油墨為圖像著色，而不是鍍金。

啟示錄中的彩色頁面，c。1450–1500年：大量的顏色和建模區域遮蓋了輪廓線和輪廓線，這表明手工著色，而不是每種顏色都使用單獨的塊。印刷文本為拉丁文，但手寫印刷的德語翻譯頁插入了印刷版書頁之間。

據信，大多數最早的印刷品都是在荷蘭印刷的，而後來的印刷品被認為是從德國南部印刷的。具體來說，紐倫堡，烏爾姆，奧格斯堡和施瓦本是15世紀和16世紀發展印刷媒體的著名地點。

 

北方文藝復興時期的建築



沙特爾歷史博物館

位於第戎郊區的笛卡爾式修道院沙特勒烏斯·德·尚波爾（Chartreuse de Champmol）代表著早期現代法國最好的紀念性作品。

 

討論在勃艮第的瓦盧瓦王朝下，卡爾特教團的修道院Chartreuse de Champmol如何成為“該國最盛大的奢侈工程”

重要要點

關鍵點

·         Champmol的目的是與法國國王埋葬的聖但尼城堡（Cîteaux）和其他王朝墓地競爭。

·         尚波勒（Champmol）豐富地收藏了藝術品，其藏品中散落的殘餘物仍是理解該時期藝術品的關鍵。

·         該修道院由大膽的菲利普公爵於1383年建立，為勃艮第的瓦盧瓦公爵提供王朝的墓地，並一直運營到1791年法國大革命期間解散。

·         1395年，克萊斯·斯勞特（Claes Sluter）開始在摩西（Wise）上工作，將國際哥特式與北方現實主義相結合。但是，無論哪種形式，雕塑的紀念性都是前所未有的。

·         教堂的內部設有精巧的約翰無畏之墓和巴伐利亞的瑪格麗特墓，每一個墓穴都由一群哀悼者（悼念者）組成的雕塑群支持，他們的悲傷表達在當時是前所未有的。

關鍵詞

·         卡爾特教修道院：建築物或建築物的綜合體，包括僧侶或修女的僧侶的住宅和工作場所，以及居住在社區中還是獨自居住（隱士）。修道院通常包括為祈禱而保留的地方，可以是教堂，教堂或神廟，也可以作為講堂。

·         瓦洛瓦（Valois）：開普敦王朝的學徒分支，從1328年至1589年接替卡佩家族（或“直接開普敦人”）成為法國國王。該家族的學徒分支從1363年至1482年統治勃艮第公爵。菲利普三世國王的四兒子瓦魯瓦（Valois）的查爾斯（Charles of Valois）的雕像。他們的主張基於薩利克法律，該法律排除了女性（納瓦拉的瓊二世）和通過後繼線（英格蘭的愛德華三世）從繼承王位到法國王位的男性後裔。

修道院的輝煌

尚特莫爾夏特勒博物館（Chartreuse de Champmol）是正式的尚特莫爾夏特勒城堡，是第戎郊區的卡爾特教派修道院，現在是法國第戎，但在15世紀是當時獨立的勃艮第公國的首都。該修道院由大膽的菲利普公爵於1383年建立，為勃艮第的瓦盧瓦公爵提供王朝的墓地，並一直運營到1791年法國大革命期間解散。它充斥著豐富的藝術作品，而其收藏中散落的殘餘物仍是理解該時期藝術的關鍵。Champmol的目的是與法國國王埋葬的聖但尼城堡（Cîteaux）和其他王朝墓地競爭。

土地購置和材料採石始於1377年，但直到1383年才開始建造，當時是巴黎的建築師Druet de Dammartin的手，他曾在Sluis設計過杜克酒莊，並曾作為盧浮宮的建築助手。第戎的顧問委員會監督了經常缺席的杜克大學的建設。到1388年，幾乎完成的教堂被奉獻。克萊斯·斯勞特（Claes Sluter）和他的工作室製作了菲利普（Philip）和他的妻子的雕像，跪著祈禱著朝著聖母大教堂的主要門戶的聖母和兒童雕像的中央雕塑。

克萊斯·斯勞特。教堂的西門：菲利普·菲利普（左）和他的妻子（右）的雕像跪在麥當娜和孩子麵前。

修道院是為24名合唱僧侶建造的，而不是通常在卡爾特教派房屋中的12名僧侶。它的迴廊環繞著一個庭院，Sluter在其中建造了摩西井（Well of Moses，1395-1403年），其紀念性雕塑將國際哥特式風格與北方現實主義相結合。但是，無論哪種風格，它們的規模都是前所未有的。這些數字從井的名字到舊約的先知再到釘十字架。儘管它原本打算用作噴泉，但為了不與僧侶的沉默誓言相衝突，放棄了水景。

克萊斯·斯勞特。摩西井：摩西井的根基顯示了預告基督复臨的先知。

在1433年，又增設了兩個僧侶，以慶祝大膽查爾斯的誕辰。這些人半隱士生活在自己的小房子裡，而不是在教堂裡。修道院的其他居民包括非受命僧侶，僕人，新手和其他工人。

1686年的尚佩爾（Champmol）：此圖顯示了主要迴廊周圍的僧侶們的茅舍般的偏僻寺院，中間是摩西井。

公制符號

與卡爾特教團對靜tranquil沉思的使命有些抵觸，修道院歡迎來訪者和朝聖者。公爵隨後補償了招待費。1418年，教皇放縱了前往摩西井的人，進一步鼓勵了朝聖者。公爵家族有一個可以俯瞰教堂的私人講堂，教堂後來被毀，儘管他們的拜訪實際上很少。公爵的帳目顯示繪畫和其他工程的主要佣金使修道院完整，直到大約1415年。公爵和其他捐助者後來又增加了一些工程，儘管建造進度較慢。

勃艮第的瓦盧瓦王朝建立修道院不到一個世紀的時間。瓦盧瓦（Valois）墓的數量從未超過其在Côteaux的開普敦前輩的數量，因為教堂的合唱團規模不足以容納他們。以前只豎起了兩個紀念碑，都是相同的風格，上面塗有雪花石膏的雕像，腳下是獅子，頭頂是張開翅膀的天使。在刻有雕像的石板下面， 是哥特式的窗飾，上面放有未上漆的小裝飾物（送葬者）。在生產時，它們是在雕塑介質中傳達的最動人的悲傷表現。

哀悼者（Pourrants（Mourners））：沙特魯斯·德·尚波莫爾（Chartreuse de Champmol）的一個墳墓中的石葬者。大約40厘米高。

約翰無畏者之墓和巴伐利亞瑪格麗特墓：儘管無畏者約翰於1419年去世，但他無畏地委託了該墓的工作。該項目吸引了數位不同的藝術家在努力，直到1470年完成。

Champmol被設計為展示品。現在分散的藝術內容代表了該時期法國和勃艮第藝術的最偉大的紀念性作品，展示了一種與類似的著名手稿截然不同的傳統。

北部文藝復興時期的法國建築

弗朗西斯一世（1515-1547）在法國帶來瞭如此巨大的文化變革，以至於他被稱為法國最初的文藝復興時期的君主。

 

討論弗朗西斯一世統治時期的建築進步

重要要點

關鍵點

·         在弗朗西斯一世加入時，法國的王宮僅點綴了幾幅偉大的繪畫而沒有雕塑而被裝飾。在他的統治期間，開始了對法國國王的宏偉藝術品收藏。

·         弗朗西斯（Francis）向新建築投入了大量資金。他繼續了他的前任在昂布瓦斯城堡上的工作，並開始在布盧瓦城堡上進行翻新。在他統治初期，他還開始建造宏偉的香波堡（Châteaude Chambord）。

·         尚博爾城堡不是傳統軍事意義上的城堡，而是作為國王的狩獵小屋而建，並包含獨特的建築元素，例如沒有砲塔的塔樓和貫穿三層樓的雙螺旋樓梯。

·         弗朗西斯（Francis）統治下的最大建築項目是楓丹白露宮（Palace of Fontainebleau），據說法國復興開始了。

·         弗朗西斯（Francis）聘請了歐洲一些最著名的藝術家來裝飾楓丹白露。他們包括Rosso Fiorentino，Francesco Primaticcio和Benvenuto Cellini。Cellini設計了著名的Nymphe de Fontainebleau。

關鍵詞

·         贊助人：有影響力的，富有的人，支持藝術家，手工藝人，學者或貴族。

·         城堡：法國城堡，堡壘，莊園別墅或大型鄉間別墅。

弗朗西斯一世：藝術贊助人

弗朗西斯一世（1494–1547）從1515年擔任法國國王直到他去世。在他的統治期間，法國發生了巨大的文化變革。他被稱為法國原始的文藝復興時期的君主。到1515年他登基時，文藝復興時期已抵達法國，弗朗西斯成為藝術的主要贊助人。在他加入時，皇家宮殿的裝飾只散佈著許多偉大的繪畫而沒有雕塑。在弗朗西斯（Francis）統治期間，法國國王的宏偉藝術品收藏開始了，在盧浮宮仍然可以看到。

弗朗西斯一世由讓·克盧埃（大約1530年）：人像弗朗西斯一，他的是藝術的近代早期歐洲的大主顧之一。

弗朗西斯（Francis）向新建築投入了大量資金。他繼續了他的前任在昂布瓦斯城堡上的工作，並開始在布盧瓦城堡上進行翻新。在他統治初期，他開始建造宏偉的香波堡（Châteaude Chambord），其靈感來自意大利文藝復興時期的風格，甚至可能由達芬奇（Leonardo da Vinci）設計。弗朗西斯（Francis）重建了盧浮宮（Châteaudu Louvre），將其從中世紀的堡壘變成了文藝復興時期輝煌的建築。他為巴黎的新市政廳（Hôtelde Ville）的建築提供資金，以控制該建築的設計。他在Bois de Boulogne建造了馬德里城堡，並重建了St-Germain-en-Laye城堡。

16世紀的城堡遠離城堡建築。儘管它們是城堡的分支，具有通常與之相關的功能，但他們沒有嚴格的防禦措施。在這一時期，城堡中普遍有廣闊的花園和水景，例如護城河。

布盧瓦城堡的弗朗西斯一世的翅膀：布盧瓦城堡的螺旋樓梯是弗朗西斯一世領導的法國文藝復興的偉大藝術成就之一。

尚博爾城堡

香波堡（Châteaude Chambord），西北立面：香波堡（Châteaude Chambord）是文藝復興時期建築的典範，是盧瓦爾河谷最大的城堡，長156米，高56米。

香波堡是盧瓦爾河谷最大的城堡。它主要是作為國王的狩獵小屋而建的。佈局讓人想起帶有城堡，角樓和護城河防禦的典型城堡。內部佈局採用文藝復興時期的風格，是法國和意大利風格的將房間分組為獨立的套房的早期示例，這與中世紀的走廊房間有所不同。龐大的城堡由中央城堡組成，在拐角處有四個巨大的堡壘塔。城堡還形成了帶有兩個以上大塔的較大建築前壁的一部分。在後面找到了可能再建兩座塔的基座，但這些基座從未開發過，並保持與牆相同的高度。城堡擁有440間客房，282個壁爐和84個樓梯。

尚博爾城堡，平面圖：雅克·安德魯埃·杜·切爾索（Jacques Androuet du Cerceau）（1576年）所刻的城堡平面圖。

與布盧瓦城堡一樣，香波堡的建築亮點之一就是壯觀的開放式雙螺旋樓梯。兩個螺旋形上升而從未相遇的三層樓，由城堡最高點的一座燈塔從上方照亮。

尚博爾城堡，雙螺旋樓梯：樓梯向上延伸至三層樓。

楓丹白露城堡

弗朗西斯最大的建築項目是對楓丹白露皇家城堡的擴建和擴建，該城堡很快成為他最喜歡的住所，以及他的正式情婦（安妮，埃德佩斯公爵夫人）的住所。他委託建築師Gilles le Breton建造了新的文藝復興時期風格的城堡。勒布雷頓（Le Breton）保留了國王的公寓所在的中世紀中世紀殿堂，但將其合併到新的文藝復興時期風格的Cour Ovale（橢圓庭院）中，該城堡建在舊城堡的基礎上。它包括具有紀念意義的PorteDorée（金門），正門作為其南部入口，以及具有紀念意義的文藝復興時期的樓梯，de Serlio門廊，以便訪問北側的皇家公寓。

吉勒斯勒布雷頓。庫爾橢圓形。楓丹白露城堡：橢圓形庭院，中間是中世紀城堡，是國王公寓所在的原始城堡的遺跡。

大約在1528年開始，弗朗西斯（Francis）建造了弗朗西斯一世美術館（Gallery Francis I），這使他可以直接從他的公寓進入三位一體教堂。他帶來了來自意大利的建築師塞巴斯蒂安諾·塞爾利奧（Sebastiano Serlio）和佛羅倫薩畫家喬瓦尼·巴蒂斯塔·迪·雅各布（Giovanni Battista di Jacopo）來裝飾新畫廊。在1533年至1539年之間，羅索·菲奧倫蒂諾（Rosso Fiorentino）在畫廊中擺滿了讚美國王的壁畫，並用灰泥裝飾的高浮雕畫框和蘭伯里斯 由家具製造商Francesco Scibec da Carpi雕刻而成。另一位意大利畫家，來自博洛尼亞的Francesco Primaticcio，後來加入了城堡的裝飾。他們的裝飾風格共同成為了楓丹白露的第一所學校。這是法國第一座裝飾精美的畫廊。廣義上講，文藝復興在法國楓丹白露被介紹了。

塞巴斯蒂安諾·塞里奧（Sebastiano Serlio）和羅索·菲奧倫蒂諾（Rosso Fiorentino）。弗朗西斯一世畫廊：弗朗西斯一世畫廊將國王的公寓與教堂相連，並於1533年至1539年之間進行了裝飾。它向法國介紹了意大利文藝復興時期的風格。

弗朗西斯的每個項目的內外都裝飾豪華。例如，楓丹白露的院子裡有一個噴水噴泉，大量的酒與水混合。噴泉與一個傳說有關，該傳說與城堡最著名的項目之一有關。

楓丹白露最引人注目的藝術品是 意大利雕塑家本韋努托·切利尼（Benvenuto Cellini）的《楓丹白露》（Nymphe de Fontainebleau，1542年）。弗朗西斯委託這個大型青銅浮雕，在投失蠟過程中，由於鼓膜坐在頂上門DOREE。在雕塑中，一名矯飾畫家的裸體若蟲在諸如鹿和野豬等林地動物中躺臥。戴著水果花環的中央雄鹿象徵著弗朗西斯的力量。總體來說，該雕塑是建立在一個傳說之上的，該傳說中一隻獵狗發現了一個仙女模仿an的泉水。正是在這個春天，城堡和周圍的環境被命名為楓丹白露。鼓膜的兩側應為切蒂尼鑄造的裸體色狼的青銅雕塑。最終，該項目被放棄了，十年後，若蟲被納入貴族宮殿的設計中。

本韋努托·切利尼（Nenphe de Fontainebleau）：青銅。1542年，盧浮宮博物館，巴黎。

北部文藝復興時期的西班牙建築

哥特式，文藝復興時期和矯飾主義元素對於16世紀西班牙的建築都很重要。

 

考察哥特式，文藝復興時期和矯飾主義元素對16世紀西班牙建築的影響

重要要點

關鍵點

·         15世紀後期，西班牙出現了盤古花紋。這種建築風格以銀匠的名字命名，以生產暗示銀板的裝飾立面而聞名。

·         從16世紀中葉開始，西班牙建築就緊貼古羅馬藝術，並期待風俗主義。

·         Herrerian風格在16世紀和17世紀後期佔據了西班牙的主導地位，其外觀清新而清醒，並註重幾何精度。

·         埃斯科里亞爾（El Escorial）以其嚴峻的外立面和堡壘般的外觀而成為Herrerian風格的著名例子。

關鍵詞

·         埃雷里安（Herrerian）：16世紀的西班牙風格，其特徵是幾何學嚴謹，整潔的體積，牆在整個跨度中的優勢地位以及幾乎完全沒有裝飾的特點。

·         plateresque：與16世紀西班牙的華麗建築風格有關，暗示著鍍銀。

文藝復興時期的建築在16世紀到達了伊比利亞半島，採用了一種新的風格，逐漸取代了數百年來一直流行的哥特式建築。

哥特式形式開始融合15世紀最後幾十年的文藝復興時期的古典風格。當地的建築師專門開發了西班牙文藝復興時期，將意大利南部建築的影響力帶入了哥特式傳統和當地傳統，有時甚至來自有照明的書籍和繪畫。這種新樣式之所以被稱為Plateresque，是因為其極富裝飾性的立面使人們想到了銀匠精心製作的精美作品“ Plateros”的裝飾圖案。裝飾包括花卉設計，枝形吊燈，花彩，奇妙的生物和類似的配置。但是，Plateresque的空間排列更明顯地是哥特式的。這種對特定部分及其間距的固定，沒有哥特式圖案的結構變化，導致它經常被歸類為文藝復興風格的一種變體。薩拉曼卡大學的外立面就是這種裝飾風格的典範。

薩拉曼卡大學外立面：薩拉曼卡大學華麗的外立面是Plateresque風格的典範。

從16世紀中葉開始，在Pedro Machuca，Juan Bautista de Toledo和Juan de Herrera等建築師的領導下，人們對古羅馬的藝術有了更加密切的堅持，有時甚至期待著風格主義。例如，佩德羅·馬丘卡（Pedro Machuca）在格拉納達建造的查理五世宮殿。

西班牙人胡安·包蒂斯塔·德·托萊多和胡安·埃雷拉在埃爾埃斯科里亞爾的作品中出現了一種新的風格，即埃爾雷里亞風格。Herrerian建築極為清醒，裸露，在使用花崗岩方石做工時尤其出色。這種風格影響了半島和殖民地的西班牙建築超過一個世紀。

西班牙昆卡省莫納斯特里奧德烏克利斯（Monasterio deUclés）：烏克利斯修道院是Herrerian建築的典範。

埃斯科里亞爾（El Escorial）的平面圖（是皇室的宮殿，神職人員的修道院和西班牙主要君主的墓地）以格柵的形式設計。這是一個設計，其起源尚有爭議。

El Escorial，平面圖：El Escorial平面圖的方格設計具有模塊化的平面圖（如在中世紀大教堂中看到的那樣）和幾何對稱性（如在古典建築中所看到的那樣）。

不管平面圖背後的原因是什麼，其基本組成以及總體外觀和主立面都符合Herrerian風格的樸素風格，使該結構看起來更像是一座堡壘，而不是宮殿或修道院。它採用巨大的四邊形的形式，它包圍了一系列相交的通道，庭院和房間。在四個角的每個角上，都有一個尖塔所覆蓋的方形塔樓，靠近複雜建築物的中央，尖頂的鐘樓和圓形圓頂教堂，比其他教堂更高。在監督埃斯科里亞爾（El Escorial）的施工過程中，菲利普二世（Philip II）指示他的建築師保持簡潔感。

埃斯科里亞爾（El Escorial）鳥瞰圖：埃斯科里亞爾（El Escorial）的建築物具有與整個歐洲文藝復興時期的建築樸素相一致的特徵，同時也預示著巴洛克時代的到來。

埃斯科里亞爾（Escorial）西立面的緊縮是文藝復興時期重新出現的古典主義的典型代表。但是，正門採用古典廟宇立面的形式堆疊在一起，實際上期待著一種建築設計，這種設計將在整個巴洛克時期在整個歐洲變得很普遍。

埃斯科里亞爾（El Escorial）的聖勞倫斯修道院（St. Lawrence），主立面：雙層神廟立麵包含多立克式和愛奧尼亞式的立柱（相對於獨立柱）。

北部文藝復興時期的英國建築

都鐸式建築風格是都鐸時期（1485–1603）中世紀建築的最後發展。

 

描述Tudor建築風格的關鍵元素，包括Tudor拱門，oriel窗戶和煙囪

重要要點

關鍵點

·         帝舵（Tudor）建築遵循垂直風格，儘管在任何以時尚為藉口的國內建築中都被伊麗莎白時代的建築所取代，但帝舵（Tudor）風格仍然保持了英國的品味。

·         四中心拱門（現稱為Tudor拱門）是該時期的標誌性特徵。它通常用於大型柳葉刀式窗戶的構造中。

·         帝舵（Tudor）建築的另一個共同特徵是Oriel窗戶和碼頭，都由它們從建築物主體的投影確定。

·         在此期間，煙囪堆棧和封閉式爐膛的到來導致圍繞開放式爐膛的大廳逐漸減少，這是早期中世紀建築的典型特徵。

·         在都鐸時代，普通百姓的房屋和建築物通常是木結構的，框架通常充滿荊棘和塗抹，但偶爾也充滿磚塊。

關鍵詞

·         垂直風格：英式哥特式建築的第三個歷史劃分，因其強調垂直線條而被稱為。

·         帝陀弓：低而寬，具有尖的頂點，比其高度寬得多，並且在壓力作用下似乎已變平。

·         碼頭（jetty）：一種用於中世紀木結構建築的建築技術，其中上層突出超出了下層的尺寸。

·         oriel：凸窗的一種形式，從建築物的主牆突出但不到達地面。

·         伊麗莎白女王：與英國首位女君主統治有關。

帝舵（Tudor）建築風格是帝舵（Tudor）時期（1485–1603），乃至更遠的時期，對於保守的大學贊助者而言，中世紀建築的最終發展。名稱“ Tudor style”是一個尷尬的名稱，暗示了在都鐸王朝時期的連續性，以及誤導性的印象，即斯圖爾特·詹姆斯一世（Stuart James I）於1603年加入後中斷了風格。它遵循了垂直風格和儘管在任何以時尚為藉口的國內建築中都被伊麗莎白時代的建築所取代，但都鐸王朝的風格仍保留了其英國風格。牛津大學和劍橋大學各學院的新增部分仍在以都鐸式風格進行，這與哥特式複興的初衷相重疊。

帝陀（Tudor）拱門是具有尖頂的低而寬的拱門，是這一時期的標誌性特徵。它比其高度寬得多，並具有在壓力下變平的視覺效果。這種類型的拱門在用作窗戶開口時，非常適合寬闊的空間，如劍橋大學國王學院禮拜堂的窗戶所示。

劍橋大學國王學院禮拜堂：劍橋大學國王學院禮拜堂是晚期哥特式（垂直）英國建築的最好典範之一，而其文藝復興早期的天幕（分隔教堂中殿和教堂）於1532年建成–36在風格上形成了鮮明的對比，展示了意大利半島對建築的影響。

一些最傑出的oriel窗口屬於這一時期。倫敦聖巴塞洛繆大帝小修道院教堂就是一個例子。據稱，Prior William Bolton於16世紀初在聖巴塞洛繆大帝內安裝了Oriel窗戶，目的是使他可以監視僧侶。中間面板中的符號是一個a形的“螺栓”，穿過“ tun”（或“桶”），以先驗名稱命名。

奧里爾（Oriel）窗戶，聖巴塞洛繆大帝小修道院教堂：16世紀初的倫敦。

在此期間，煙囪堆棧和封閉式爐膛的到來導致圍繞開放式爐膛的大廳逐漸減少，這是早期中世紀建築的典型特徵。取而代之的是，壁爐現在可以放在樓上，並且有可能出現第二個故事，貫穿整個房屋。帝陀（Tudor）煙囪塊被做得又大又精緻，以引起人們對所有者採用這項新技術的注意。碼頭的出現是為了炫耀擁有完整的全長上層樓的現代性。

小摩頓廳（Little Moreton Hall）：小摩頓廳（Little Moreton Hall），建於16世紀中葉，是Tudor風格的木結構房屋的示例，帶有煙囪和從外部可以看到的噴射二樓。

大型房屋的風格從早期的帶護牆的莊園式房屋的防禦性建築中移開，取而代之的是強調美學。例如，四邊形（“ H”或“ E”形的平面圖）變得更加普遍。這些較大的建築物在建築物中加入“裝置”或“謎語”，這也很時髦，它可以展示主人的智慧並使遊客感到愉悅。有時這些是天主教的符號，例如，在三面，三角形或“ Y”形的平面圖，設計或圖案中看到的對三位一體的微妙或不太微妙的提法。

普通百姓的房屋和建築物通常是木結構的，框架通常充滿荊棘和塗抹，但偶爾也充滿磚塊。這些房屋採用最新趨勢的速度也較慢，大廳繼續盛行。修道院的瓦解提供了剩餘土地，導致了小規模的建築繁榮以及石頭的來源。

安妮·海瑟薇（Anne Hathaway）的小屋是一間擁有12個房間的農舍，威廉·莎士比亞（William Shakespeare）的妻子小時候就住在英格蘭沃里克郡Shottery村。像該時期的許多房屋一樣，它具有多個煙囪，以便在冬季均勻地將熱量散佈到整個房屋中。最大的煙囪用於烹飪。它還具有可見的木框，這是典型的都鐸式建築。

安妮·海瑟薇（Anne Hathaway）的小屋：安妮·海瑟薇（Anne Hathaway）的童年住宅設計是英格蘭都鐸平民百姓居住的典型房屋。

 

北方文藝復興時期的雕塑



北部文藝復興時期的木雕

Veit Stoss和Tilman Riemenschneider的雕塑展示了從哥特式風格到文藝復興風格的演變。

 

描述Veit Stoss和Tilman Riemenschneider的雕塑如何標誌著哥特式和文藝復興風格之間的過渡

重要要點

關鍵點

·         Veit Stoss和Tilman Riemenschneider是北文藝復興時期德語國家的木雕家中最著名的。他們長期的職業生涯涵蓋了哥特式和文藝復興時期之間的過渡，儘管即使他們的作品開始體現文藝復興時期的原則，但他們的裝飾品通常仍然是哥特式的。

·         韋特·斯托斯（Veit Stoss）是一位主要的德國雕塑家，大多使用木材雕刻，他的技藝高超地雕刻了滾滾的帷幕，其風格強調了悲情和情感。

·         蒂爾曼·里門施奈德（Tilman Riemenschneider）也以他的木雕而著稱，以哥特式，古典和風格主義風格創作作品。他的洛倫茲·馮·比布拉（Lorenz von Bibra）墓標誌著哥特式和古典之間的過渡。

關鍵詞

·         多色的：多色的。

·         演奏家：具有精通能力，技巧或個人風格的人（尤其是音樂家）

15世紀末和16世紀初標誌著木雕雕塑從國際哥特式到文藝復興時期的更古典風格的轉變。國際哥特式通常被看作是古典風格的複興，其特徵是端莊的高雅，取代了豐碑，加上豐富的裝飾色，細長的線條和流暢的線條。它還可以更實際地使用透視圖，建模和設置。

通過商業活動和個人旅行，意大利半島的古典風格和風俗風格開始向北發展。古典風格重現了古羅馬藝術的自然主義色彩，並註重身體特徵和表現力約束。以這種風格工作的藝術家經常使用現場模型來確保其作品的逼真外觀。另一方面，矯揉造作或後期文藝復興時期的風格拋棄了現場模型，旨在表達更具表現力的人物，導致情感和戲劇性增強，有時人為地拉長了身體和比例失調。這次講德語的州的木雕除了具有更傳統的國際哥特式元素外，還展示了意大利風格。

Veit Stoss（1450–1533），Tilman Riemenschneider（1460–1531）和Peter Vischer the Elder（1455–1529）是北文藝復興時期德語區的最著名木雕家。他們的漫長職業生涯涵蓋了哥特式和文藝復興時期之間的過渡，儘管即使他們的作品開始反映文藝復興時期的原則，但他們的裝飾常常仍然是哥特式的。

威特·斯托斯

韋特·斯托斯（Veit Stoss）是一位領先的德國雕塑家，主要從事木雕工作，其職業生涯涵蓋了哥特晚期和北文藝復興時期之間的過渡。他的風格強調情感，通常通過傾斜的頭，低垂的眼睛，富有表情或內省的容顏和動態姿勢來傳達。他對滾滾的布藝的熟練雕刻有助於強調這種情感感。他有一個大作坊，除了自己的作品外，還有許多學生。他以與他的兒子斯坦尼斯勞（Stanislaw）合作製作的波蘭克拉科夫聖瑪麗大教堂（Santa Mary's Basilica）巨大的彩色祭壇而聞名。祭壇畫於1489年完成，是當時最大的三聯畫。它通過燙金，對角線和富有表現力的肢體語言來使用戲劇，傳達了斯托斯對國際哥特式風格的忠誠，

Veit Stoss的哥特式祭壇：克拉科夫的祭壇直到1489年才建成，是當時最大的三聯畫。像他的其他大型作品一樣，它需要一個大型工作室，其中包括專業畫家和燙金工。

斯托斯以多色雕塑而聞名，他還留下了一些未上漆的雕塑，成為16世紀初期短暫的首選外觀。這可以在班貝格大教堂的托比亞斯和天使（c。1504–06）中看到。像他的彩繪雕塑一樣，托比亞斯和天使保留了斯托斯的標誌性表情和肢體語言。

Veit Stoss撰寫的《Tobias和天使》：Limewood。1504-06。紐倫堡日耳曼國家博物館。

蒂爾曼·里門施奈德（Tilman Riemenschneider）

蒂爾曼·里門施奈德（Tilman Riemenschneider）從1483年開始活躍於維爾茨堡。他是哥特式和文藝復興後期之間過渡時期最多產的，多才多藝的雕塑家之一，他是石材和石灰木的大師。他的作品的特點是小雕像的面孔富有表現力（通常以向內看的方式表現）以及其詳細且折疊得很豐富的衣服。強調內在情感的表達使里門施奈德的工作與他前任的工作有所不同。

里門施奈德（Riemenschneider）早期作為雕塑家的成功是由於他的作品具有可塑性，並且在服裝造型方面非常謹慎。這種雕塑服裝的方式以及典型的橢圓形面孔和杏仁形眼睛都是以1470年代上萊茵地區的藝術品為模型的，這意味著里門施奈德可能已經在那里或烏爾姆學習了他的貿易。後來的作品損失了早期雕塑的部分體積，從而提高了生產效率。儘管他的早期風格傳達了強烈的哥特式影響力，但他成熟的風格卻表現出矯揉造作的特色。

維爾茨堡王子主教勞倫斯·馮·比布拉（Rerenmenschneider）的墳墓被認為是維爾茨堡從哥特式到文藝復興風格的過渡作品。在這裡，實習生的身影以逼真的“疣與所有”的現實主義描繪，表現在他his的臉頰和雙下巴。這樣的屬性讓人聯想到羅馬共和國。他的上半身被沉重的窗簾遮蓋（這是許多中世紀風格的標誌），而下半部分則描繪了他的腿部輪廓，承認衣服下面的身體（古典主義的標誌）。同樣，他的手，帷幔褶皺，劍和節杖也以逼真的方式渲染。

蒂爾曼·里門施奈德（Tilman Riemenschneider）的洛倫茲·馮·比布拉（Lorenz von Bibra）墓：石灰木。1520-22。維爾茨堡大教堂。德國維爾茨堡。

 

北部文藝復興時期的紡織品



北部文藝復興時期的佛蘭芒紡織品

在勃艮第時期，法蘭德斯成為歐洲最富裕的地區之一，在那裡生產了華麗的掛毯。

 

考察勃艮第時期法蘭德斯掛毯的重要性

重要要點

關鍵點

·         到1433年，比利時和盧森堡的大部分領土，以及其他許多低地國家，都在腓力善（Philip the Good）的統治下成為勃艮第的一部分。當菲利普善良的孫女勃艮第的瑪麗嫁給馬克西米利安一世時，低地國家成為哈布斯堡王朝的領土。

·         佛蘭德掛毯掛在整個歐洲的城堡的牆上。一些設計受到了意大利文藝復興時期主要畫家拉斐爾（Raphael）的繪畫的影響，這些繪畫作品是由在意大利半島受過訓練的佛蘭德藝術家複製成紡織品形式的。

·         Millefleurs在15世紀末和16世紀初特別流行。這種風格的背景充滿了細小但細緻的花束。該名稱的字面意思是從法語翻譯為“一千朵花”。

·         佛蘭德掛毯中最著名的是《 獨角獸的獵殺》，通常被稱為“獨角獸掛毯”：一系列七個掛毯，始於1495年至1505年。

·         文藝復興時期許多佛蘭德掛毯的兩種主要解釋都取決於異教和基督教的象徵主義。

關鍵詞

·         cartoon：完成的藝術品的二維預備圖。

·         削減（slashing）：一種裝飾技術，包括在衣服的外部織物上進行小切口以露出衣服的內部或襯裡。

·         法蘭德斯（Flanders）：比利時聯邦北部的一個地方政府，一個領土地區與荷蘭語“社區”的機構合併，在首都布魯塞爾也擁有/享有一些權力。

·         獨角獸：一種傳統的神話般的野獸，表現為雄鹿的腿，馬的身體，獅子的尾巴和頭上的單個螺旋角。處女的象徵。

·         掛毯：一種紡織藝術形式，傳統上是織在垂直織機上，但是也可以織在地板織機上。它由兩組交錯的線組成，它們平行於長度（稱為經線）而平行於寬度（稱為緯線）。經線在織機上處於張力狀態，緯線在部分或全部經線之間來回傳遞。

藝術與工業的演變

到了1433年，比利時和盧森堡的大部分領土以及其他許多低地國家都在菲利普善意統治下成為勃艮第的一部分。當菲利普善良的孫女勃艮第的瑪麗與馬克西米利安一世結婚時，低地國家成為哈普斯堡王朝的領土。他們的兒子卡斯蒂利亞的菲利普一世（Philip I英俊）是後來的查理五世的父親。在查理五世繼承了多個領土之後，哈普斯堡王朝下神聖的羅馬帝國與西班牙統一。

在中世紀後期，尤其是在勃艮第時期（15和16世紀），法蘭德斯的貿易小鎮，特別是根特，布魯日和伊普爾，使之成為歐洲最富裕和城市化程度最高的地區之一，鄰近的土地變成布匹供國內使用和出口。結果，形成了非常複雜的文化，在藝術和建築方面取得了令人矚目的成就，可與意大利北部相媲美。15世紀末，布魯日港的貿易和主要在根特的紡織工業使法蘭德斯成為北歐最富有的地區。

拉斐爾在布魯塞爾的影響

布魯塞爾文藝復興時期的編織歷史可以追溯到教皇利奧十世（1455-1521）委託其編織的使徒行傳工作室在1515年至1519年之間繪製拉斐爾的漫畫後進行的編織。這些壁毯中首次採用了壁畫或其他牆壁裝飾所具有的透視效果表示法。

著名的畫家和掛毯設計師Bernard van Orley（在意大利受過訓練）改變了拉斐爾式的紀念碑人物，打造出一種新的掛毯風格，將意大利的雕像風格和透視再現與荷蘭豐富的敘事和裝飾傳統相結合。這些元素可以在他的名為《榮譽》的9部分系列中找到，其中掛毯Fortuna是一個著名的例子。

伯納德·範·奧利（Bernard van Orley）的《福圖納》。（約1520年）：布魯塞爾的彼得·範·阿爾斯特（Pieter van Aelst）的工作室編織而成，分為九部分，名為《榮譽》。

千足蟲

Millefleurs風格從字面上翻譯為“一千朵花”，是指許多不同的小花朵和植物的背景風格，通常顯示在綠色地面上，就像在草叢中生長一樣。這種風格在15世紀末和16世紀初的法國和佛蘭德掛毯中最為流行，並以“獨角獸的狩獵”系列中最著名的例子（見下文）為例。這些來自所謂的“經典”時期，其中每個“花束”或植物都是單獨設計的，在織工工作時即由織布工即興創作，而後來的掛毯（可能主要是布魯塞爾製造）通常在其上有植物的鏡像。作品的左右兩側，暗示了動畫片重複使用了兩次。另一個經典的例子是死亡的勝利（1510–20），其中命運站在死去的少女的身體上方代表死亡。背景包括千足蟲傳統中預期的豐富植被。

死亡的勝利（1510–20）：旋轉，抽出並切斷生命線的三個命運（克洛托，拉奇西斯和阿特羅波斯）代表著死亡，代表著他們對貞潔墮落的身體的勝利。這是彼得·阿奇（Petrarch）的詩《勝利》中的第三主題。首先，愛勝利了，然後貞操克服了愛，貞操死了，貞操死了，名望逝了，時光逝了，永世克服了愛。

狩獵獨角獸

佛蘭德掛毯掛在整個歐洲的城堡的牆上。佛蘭德最著名的掛毯是獨角獸的狩獵，通常被稱為獨角獸掛毯。這些構成了一系列七個掛毯，始於1495年至1505年。掛毯展示了一群追求獨角獸的貴族和獵人。掛毯是用羊毛，金屬線和絲綢編織的。如今，仍然可以通過三種染料生產出鮮豔的色彩：焊縫（黃色），茜草（紅色）和羊毛（藍色）。一種掛毯，《獨角獸的神秘捕捉》僅能存活兩個片段。

獨角獸掛毯中的第二個：七個掛毯中的第二個，通常稱為“獨角獸被發現”。

解釋傳統：異教徒和基督教徒

獨角獸掛毯的許多歷史都有爭議，關於它們的原始目的和意義有許多理論，其中包括關於七個掛毯並非最初懸掛在一起的建議。但是，他們似乎是受布列塔尼的安妮委託來慶祝她與法國國王路易十二的婚姻。

掛毯的兩種主要解釋分別取決於異教徒和基督教的象徵意義。異教徒的解釋著重於被迷惑的戀人的中世紀傳說，而基督教著作則將獨角獸及其死亡解釋為基督的受難。長期以來，基督教作家一直將獨角獸確定為基督的象徵，這使獨角獸的傳統異教象徵成為宗教教義中可以接受的。圍繞“獨角獸狩獵”的原始神話是指一隻只有牛角才能馴服的野獸。隨後，基督教學者將其翻譯成寓言，暗示基督與聖母瑪利亞的關係。

古代希臘羅馬人的異教思想在於對《死亡的勝利》的解釋，而命運則來自基督教前時代。但是，掛毯也可能與Vanitas傳統保持一致，這種傳統開始出現在北部文藝復興時期，並在巴洛克時期受到荷蘭精英階層的廣泛歡迎。Vanitas的圖像，無論是靜物畫還是女性喜歡的倒影，通常將世俗的（短暫的）憂慮與死亡的象徵或幽靈聯繫在一起。無論女人對自己的美麗有多大關注，死亡總是潛伏在背景中，隨時都可能襲擊，使觀眾將注意力集中在自己靈魂為來世的準備上。

 

巴洛克時期



定義巴洛克時期

巴洛克時期是藝術風格的時期，始於1600年左右的意大利羅馬，並遍及整個歐洲大部分地區。

 

列出巴洛克藝術及其最知名的藝術家的最突出特徵

重要要點

關鍵點

·         巴洛克時期最重要的因素是改革和反改革。巴洛克風格的發展被認為與天主教緊密相關。巴洛克風格的流行受到天主教的鼓舞，天主教在特倫特會議上決定，藝術應傳達宗教主題並指導情感參與新教改革。

·         巴洛克風格的特點是誇張的動作和清晰的細節，使戲劇，繁榮和雕塑，繪畫，建築，文學，舞蹈和音樂更加富麗堂皇。

·         明暗對比技術是指在昏暗的場景的巴洛克繪畫中經常使用的明與暗之間的相互作用，以產生非常高的對比度，戲劇性的氣氛。

·         巴洛克時代的著名畫家包括魯本斯，卡拉瓦喬和倫勃朗。在音樂中，巴洛克風格構成了古典經典的很大一部分，例如巴赫（Bach），亨德爾（Handel）和維瓦爾第（Vivaldi）。

·         後來的巴洛克風格被稱為洛可可 風格，這種風格的特點是裝飾性和精緻性不斷提高。

關鍵詞

·         反改革：天主教的複興時期，始於特倫特議會（1545–1563），結束於三十年戰爭（1648）結束；有時被認為是對新教改革的回應。

·         改革：馬丁·路德（Martin Luther）在16世紀發起的宗教改革，旨在改革羅馬天主教堂。

·         特倫特議會：1545年至1563年在意大利北部舉行的羅馬天主教會最重要的大宗會議之一；它是由新教改革發起的，被描述為反改革的體現。

·         chiaroscuro（chiaroscuro）：一種在文藝復興時期流行的藝術技術，指的是使用誇張的光線對比來創造體積的錯覺。

概述：巴洛克時期

巴洛克時期是藝術風格的時期，始於1600年左右的意大利羅馬，並在17和18世紀蔓延到整個歐洲大部分地區。在非正式用法中，巴洛克一詞描述的是精緻且高度詳細的內容。

巴洛克時期最重要的因素是宗教改革和改革，巴洛克風格的發展被認為與天主教緊密相關。實際上，這種風格的流行是受到天主教教會的鼓勵的，天主教教會在特倫特會議上決定，藝術應傳達宗教主題並指導情感參與新教改革。巴洛克藝術由於其獨特的政治和文化氛圍而在歐洲各個國家表現出不同的表現。

特點

巴洛克風格的特徵是誇張的動作和清晰的細節，使戲劇，繁榮和雕塑，繪畫，建築，文學，舞蹈和音樂富麗堂皇。巴洛克式的肖像畫是直接，明顯和戲劇性的，旨在首先吸引感官和情感。

明暗對比技術的使用是巴洛克藝術的一個眾所周知的特徵。該技術指的是明暗之間的相互作用，通常用於昏暗場景的繪畫中，以產生非常高的對比度，戲劇性的氣氛。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）的畫作《無辜者的慘案》中可以看到明暗對比法。其他重要的巴洛克畫家包括卡拉瓦喬（Caravaggio，被認為是運動的先驅，並以特寫動作和強烈的對角線為特徵而聞名）和倫勃朗。

彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）的《無辜者屠殺》：《明暗對比》指的是光與暗之間的相互作用，這是一種常用於昏暗的場景繪畫中產生高對比度，戲劇性氣氛的技術。這種技術在彼得·保羅·魯本斯的這幅畫中可見。

在巴洛克風格的建築中，重點放在大膽的空間，穹頂和大型建築群上，例如葡萄牙的Queluz國家宮殿。在音樂方面，巴洛克風格構成了古典教規的很大一部分。重要的作曲家包括Johann Sebastian Bach，George Handel和Antonio Vivaldi。在此期間的後期，巴洛克風格被稱為洛可可風格，這種風格以裝飾性和精細化作品為特徵。

葡萄牙Queluz故宮：在巴洛克風格的建築中，重點放在大膽的空間，穹頂和大塊建築上，例如葡萄牙的Queluz故宮。

 

巴洛克時期的建築



巴洛克時期的意大利建築

高度戲劇化的巴洛克建築風格在1600年代統治了意大利。

 

定義羅馬巴洛克建築的特徵和示例

重要要點

關鍵點

·         巴洛克式建築與反改革運動息息相關，慶祝天主教會的財富。它的特點是形式，光和影以及戲劇性的新探索。

·         貝爾尼尼是羅馬巴洛克建築的大師; 聖彼得廣場是他最大的成就之一。

·         卡洛·豐塔納（Carlo Fontana）在伯尼尼（Bernini）1680年去世後成為羅馬的主要巴洛克式建築師。

·         意大利其他有影響力的巴洛克式建築師包括Carol Maderno，Pietro la Cortano和Francesco Borromini。

關鍵詞

·         反改革：天主教的複興時期，始於特倫特議會（1545–1563），結束於三十年戰爭（1648）結束；有時被認為是對新教改革的回應。

·         巴洛克式：c的西方藝術時期 1600到18世紀中葉，以戲劇性，豐富的色彩以及光影之間的鮮明對比為特徵。

意大利的巴洛克時期

巴洛克時期的建築始於16世紀後期的意大利羅馬。它採用了文藝復興時期建築的羅馬詞彙，並以一種新的修辭和戲劇方式使用了它，通常是用來表達天主教會和專制國家的勝利。它的特點是對形式，光影和戲劇性強度的新探索。

儘管文藝復興利用意大利法院的財富和力量，是世俗和宗教力量的融合，但巴洛克最初至少與反改革直接相關，天主教在天主教內部進行改革以回應自身對新教改革。巴洛克式的建築及其裝飾一方面更容易讓人產生情感，另一方面又可以清楚地看到天主教的財富和力量。

建築成就

羅馬的巴洛克時期的許多教堂建築都根據意大利大教堂的範例設計，帶有交叉的圓頂和中殿，但是對建築的處理與以前的處理有很大不同。最早打破傳統風格的羅馬建築之一是由卡洛·馬德諾（Carlo Maderno）設計的聖蘇珊娜教堂。立柱和壁架的動態節奏，中央質量以及突出和濃縮的中央裝飾增加了結構的複雜性。最初的設計規則很有趣，但是仍然保持著嚴格的水平。

卡洛·馬德諾（Carlo Maderno）的聖蘇珊娜立面（Santa Susanna）：這座教堂的設計元素標誌著與當時流行的風格主義建築風格背道而馳。

彼得羅·德·科爾托納

在彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona）的建築作品中，對可塑性，集結性，戲劇性效果以及陰影和光線的關注也很明顯，他的桑蒂·盧卡·馬蒂娜（Santi Luca e Martina）設計（始於1635年）就說明了這一點，最早可能是彎曲在羅馬的巴洛克式教堂外觀。這些憂慮在他對聖瑪麗亞·德拉·佩斯（Santa Maria della Pace）（1656–8）的改造中更加明顯。建築的立面帶有明暗對比半穹頂的門廊和凹入的側翼，與戲劇舞台佈景非常相似，並且向前伸出，因此基本上充滿了梯形的小廣場。

聖瑪麗亞·德拉·佩斯（Santa Maria Della Pace）：彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona）恢復了聖瑪麗亞·德拉·佩斯的建築，增添了巴洛克風格的外觀。

吉安·洛倫佐·貝尼尼

巴洛克時期和巴洛克時期晚期的其他羅馬合奏團也充滿戲劇性，並且作為城市劇院，在周圍的城市景觀中提供了焦點。這種方法最著名的例子可能是聖彼得廣場，它被譽為巴洛克劇院的絕技。廣場由吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）設計，主要由以埃及方尖碑為中心的兩個獨立柱廊組成。貝爾尼尼最喜歡的設計是他的橢圓形教堂聖安德里亞·基里納萊（Sant'Andrea al Quirinale），裝飾著多頭大理石和華麗的金色圓頂。他的世俗建築包括羅馬的巴貝里尼宮（根據馬德諾的計劃）和奇吉-奧德斯卡奇宮（1664年）。

吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）的聖彼得廣場（St. Peter's Square）：聖彼得廣場是巴洛克戲劇性的標誌性例子。

弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini）

貝爾尼尼的競爭對手建築師弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini）設計的作品與古代世界和文藝復興時期的常規作品大相徑庭。他的建築計劃基於復雜的幾何圖形，他的建築形式不尋常且富有創造力，他在建築設計中採用了多層象徵主義。他的標誌性傑作是小巧的San Carlo alle Quattro Fontane教堂，其特點是複雜的平面佈置，部分為橢圓形，部分為十字形，使其具有復雜的凹凸面牆節奏。

卡洛·豐塔納

1680年貝爾尼尼去世後，卡洛·豐塔納（Carlo Fontana）成為巴洛克時期在羅馬工作的最具影響力的建築師。聖馬塞洛·阿爾·科索（San Marcello al Corso）的外牆略呈凹入，體現了他的早期風格。豐塔納（Fontana）的學術方法雖然缺乏羅馬前輩的耀眼發明創造力，但通過他多產的著作和他受過培訓的建築師的數量，對巴洛克建築產生了重大影響，這些建築師將在整個18世紀的歐洲傳播巴洛克的成語。

巴洛克時期的西班牙建築

17世紀後期，西班牙，其各省和以前的殖民地發展出了特定的巴洛克式建築。

 

識別西班牙巴洛克式建築的特徵，最著名的例子以及它與17世紀北歐藝術的不同之處

重要要點

關鍵點

·         與北歐的藝術形成鮮明對比的是，巴洛克時期的西班牙藝術吸引了人們的情緒，而不是試圖取悅於智力。

·         專門設計祭壇和餐桌的Churriguera家族反抗先前的Herrerian古典主義的清醒精神，並推廣了一種複雜的，誇張的，幾乎反复無常的表面裝飾風格，稱為Churrigueresque。

·         在1720年至1760年之間，倒立的圓錐形或方尖碑形的Churrigueresque柱或estipite被確定為裝飾的中心元素。

·         巴洛克時期西班牙建築的一些最著名的例子包括瓦拉多利德大學的外立面（1719年）和聖地亞哥德孔波斯特拉大教堂的西立面（1750年）。

關鍵詞

·         埃雷里安（Herrerian）：在腓力二世（1556–1598）統治下的16世紀最後三分之一在西班牙發展起來的建築風格，並在17世紀持續有效，後來被當時的巴洛克潮流所改變。

·         摩爾人：屬於或屬於摩爾人時代的西班牙建築風格，以馬蹄形拱門和華麗的幾何裝飾為特徵。

·         巴洛克式：c的西方藝術時期 1600到18世紀中葉，以戲劇性，豐富的色彩以及光影之間的鮮明對比為特徵。

·         方尖碑：一種高大，方形，錐形的石頭巨石，上面帶有金字塔點，通常用作紀念物。

西班牙巴洛克的發展

西班牙巴洛克式建築是巴洛克式建築的一小部分，該建築在17世紀末期在西班牙及其省份和前殖民地（尤其是西班牙美洲和比利時）演變而來。隨著意大利巴洛克風格的影響遍及比利牛斯山脈，他們逐漸取代了自16世紀末開始盛行的胡安·德·埃雷拉（Juan de Herrera）的經典行事方式。

例如，到1667年，格拉納達大教堂（由阿隆索·卡諾（Alonso Cano）編寫）和哈恩大教堂（由EufrasioLópezde Rojas編寫）的外立面表明，藝術家在巴洛克美學成語中善於解釋西班牙大教堂建築的傳統圖案。在馬德里，市長廣場和埃爾布恩雷蒂羅皇宮開發了一種以巴勒克人和傳統磚建築為根基的白話巴洛克式建築，該建築在法國入侵拿破崙的軍隊期間被摧毀。其花園仍然保留為El Retiro公園。這座17世紀清醒的磚巴洛克式風格在首都的宮殿和廣場中的街道上仍然得到很好的體現。

馬約爾廣場（Plaza Mayor）：以西班牙巴洛克式建築而聞名的馬約爾廣場（Plaza Mayor）的三個側面。

與北歐的比較

與北歐藝術形成鮮明對比的是，該時期的西班牙藝術吸引了人們的情感，而不是取悅於智力。專門設計祭壇和餐桌的Churriguera家族反對Herrerian古典主義的清醒精神，並推廣了一種複雜的，誇張的，幾乎反复無常的表面裝飾風格，稱為Churrigueresque。在半個世紀之內，他們將薩拉曼卡變成了模範的Churrigueresque城市。在1680年至1720年之間，Churriguera推廣了瓜里尼（Guarini）所羅門列和混合秩序的混合體，稱為“最高秩序”。在1720年至1760年之間，倒立的圓錐形或方尖碑形的Churrigueresque柱或estipite被確立為裝飾的中心元素。

卡拉瓦卡德拉克魯斯。：Churrigueresque柱或estipite是西班牙巴洛克風格裝飾的主要元素，如卡拉瓦卡德拉克魯斯教堂的Estipite所示。

著名的例子

西班牙巴洛克風格最引人注目的作品是瓦拉多利德大學（Diego Tome和Fray Pedro de laVisitación，1719）的充滿活力的立面以及聖地亞哥德孔波斯特拉（Santiago de Compostela）大教堂的西立面（或Fachada del Obradoiro）。 Fernando de Casas y Novoa，1750年。在這些示例中，與其他示例一樣，Churrigueresque設計涉及構造和裝飾元素，與結構和功能關係不大。花朵裝飾的重點是主門口的精美雕刻。如果人們從它所抵靠的那面平整的牆壁上清除掉複雜的迷宮般的山牆，起伏的簷口，粉刷的貝殼，倒錐形以及花環，那建築的形狀將不會受到任何影響。

聖地亞哥德孔波斯特拉大教堂在西班牙。：聖地亞哥德孔波斯特拉的外牆反映出Churrigueresque外牆；外牆的豪華細節很少用於結構上。

同時，Churrigueresque巴洛克風格提供了空間和光線的一些最令人印象深刻的組合。諸如Granada Charterhouse（由Francisco Hurtado Izquierdo設計）之類的建築被認為是應用於室內空間的Churrigueresque風格的最高典範，或者是Toledo大教堂的Transparente（由NarcisoTomé設計）的融合，將雕塑和建築融合在一起，以實現顯著的燈光和戲劇效果。

馬德里皇宮和普拉多大道（Salóndel Prado和AlcaláDoorgate，也在同一城市）的干預值得特別提及。它們是由菲利普五世和查理三世國王采用清醒的巴洛克式國際風格建造的，通常被誤認為是新古典主義。塞哥維亞的聖格蘭德聖伊爾德豐索皇宮和馬德里的阿蘭胡埃斯皇宮就是建築與園藝的巴洛克融合的典範。它們具有明顯的法國影響力（La Granja被稱為西班牙凡爾賽），但包含局部空間概念，以某種方式展示了摩爾人佔領的遺產。

在法蘭德斯（Flanders），這是17世紀西班牙最富裕的帝國省，其花飾裝飾細節與該結構的編織更加緊密，因此排除了多餘的擔憂。西班牙，法國和荷蘭巴洛克美學的顯著融合可以在Averbode修道院（1667）中看到。另一個典型的例子是位於魯汶的聖米歇爾教堂（1650-70年），其旺盛的兩層立面，成排的半立柱以及法國風格雕塑細節的複雜融合。

巴洛克時期的英國建築

17世紀的英國建築可以通過使用Palladian，Jacobean和English巴洛克風格來表徵。

 

定義17世紀英國的建築

重要要點

關鍵點

·         因紐斯·瓊斯（Inigo Jones）以向英國介紹帕拉第奧式建築而聞名，這是一種高度對稱的風格，它基於古希臘人和羅馬人的正式古典寺廟建築原理。

·         雅各比風格在17世紀初期很受歡迎，可以採用adoption廢和詳細的文藝復興時期的主題進行分類，例如圓柱和壁柱，圓形拱廊和帶有鏤空護牆的平屋頂，如在哈特菲爾德故居中所見。

·         建築師克里斯托弗·雷恩爵士（Christopher Wren）負責英式巴洛克風格的產生。1666年倫敦大火過後，他重建了這座城市的許多教堂，例如聖保羅大教堂。

·         英國巴洛克式建築的特點是帶有裝飾精美的重型建築。與歐洲大陸的當代巴洛克風格相比，它傾向於相對平淡，帶有更多的古典色彩。

關鍵詞

·         拱廊：一排拱門。

·         護牆：延伸到屋頂上方的周邊的一部分。

·         壁柱：從其連接的牆壁部分伸出的矩形柱；它提供了支撐的外觀，但僅用於裝飾。

17世紀的英國建築

17世紀英國的建築風格延續了古典形式的使用，最終被統一為統一的樣式，主要從意大利派生，主要體現在Inigo Jones的作品中。雅各布式的建築在17世紀上半葉尤為突出，而英式巴洛克式建築是英國人對意大利巴洛克式風格的鮮明體現，並在17世紀下半葉倫敦大火過後逐漸流行。

英國巴洛克式的發展

Inigo Jones和Palladian建築

帕拉第奧式建築高度對稱，並基於古希臘人和羅馬人的正式古典寺廟建築原則。這是一種在17世紀在英國出現的風格，並在18世紀成為真正的傑出人物。Inigo Jones是最早的重要英國建築師之一，以向意大利介紹意大利文藝復興時期的風格而聞名。他負責格林威治的皇后宮（1635）和白廳宮的宴會廳（1622），他是根據頗有影響力的意大利古典風格建築師帕拉第奧的作品設計的。天花板由彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）繪製。

格林威治的女王之家：格林威治的女王之家是由英戈·瓊斯（Inigo Jones）建造的，英戈·瓊斯是最早以將意大利文藝復興時期的風格介紹給英格蘭而聞名的英國建築師之一。

雅各布式建築

英國文藝復興時期建築的第二階段被稱為雅各布風格。這種風格在17世紀第一季度國王詹姆士一世統治期間很流行。按照伊麗莎白時代的年代順序，雅各布風格可以通過採用of廢而詳細的文藝復興時期主題進行分類，例如圓柱和壁柱，圓形拱廊以及帶有鏤空護牆的平屋頂。然而，這些古典圖案並未得到嚴格應用（如Inigo Jones所採用），而是相當自由地使用並與伊麗莎白時代風格的建築元素融合在一起。這種風格的建築實例包括哈特菲爾德故居，諾爾故居和約翰·索普的荷蘭故居。

哈特菲爾德故居（Hatfield House）：哈特菲爾德故居（Hatfield House）朝南，是英國雅各佈建築風格的例子，展示了腐朽而細緻的文藝復興時期圖案。

英國巴洛克式

17世紀後期，巴洛克建築以一種稱為英式巴洛克的風格而聞名。歷史上最受好評的英國建築師之一克里斯托弗·雷恩（Christopher Wren）負責了英國巴洛克風格的產生。當1666年的倫敦大火迫使城市的大部分地區重建時，雷恩（Wren）被聘用以取代許多教堂。他最雄心勃勃的建築聖保羅大教堂是一幢宏偉的建築，是古典傳統中唯一的英國大教堂。

聖保羅大教堂：由克里斯托弗·雷恩（Christopher Wren）建造，聖保羅大教堂是古典傳統中唯一的英國大教堂。

特點

從1666年到1715年間流行，英國巴洛克式建築的特徵是帶有裝飾精美的重型結構。與歐洲大陸的當代巴洛克風格相比，它傾向於相對平淡，帶有更多的古典色彩。巴洛克式的鄉間別墅，例如威廉·塔爾曼（William Talman）的查茨沃斯故居（Chatsworth House）和凡布魯格（Vanbrugh）和霍克斯穆爾（Hawksmoor）的霍華德城堡（Castle Howard），始於1690年代。雷恩之後最重要的建築師是約翰·範布魯格爵士和尼古拉斯·霍克斯穆爾爵士，他們分別建造了霍華德城堡（1699年）和布倫海姆宮（1705年）。

英格蘭查茨沃斯莊園：在查茨沃斯莊園中可以看到英國巴洛克式建築的特點是帶有裝飾精美的重型結構。但是，與同時建造的非洲大陸的巴洛克式建築相比，它往往相對平淡，具有更多的古典色彩。

巴洛克時期的法國建築：凡爾賽宮

凡爾賽宮始建於路易十四國王統治時期，擁有700間客房，寬敞的花園和豪華的裝飾。

 

確定凡爾賽宮最令人印象深刻的特徵以及那些具有藝術責任感的人

重要要點

關鍵點

·         凡爾賽宮以法式巴洛克風格執行，其特徵為大彎曲的形狀，扭曲的圓柱，高圓頂和復雜的形狀。

·         宮殿的建築師是Louis Le Vau，室內設計師是Charles Le Brun，景觀設計師是Andre Le Notre。

·         這一時期的室內設計被稱為路易十四風格。它由勒布倫（Le Brun）發起，其特點是編織的紅色和金色織物或錦緞，沉重的鍍金石膏造型，大型雕刻的側板和沈重的大理石花紋。

·         在凡爾賽宮花園面積近2000畝土地，並在法國正式園林風格被處決，或花園一拉法蘭西。

·         宮殿的顯著特徵包括鏡廳和大運河。

關鍵詞

·         花壇：與花壇之間的路徑的一個花園。

·         錦緞：一種厚實的織物，上面織有凸起的圖案。

·         成型品：凹陷或凸出的平面或彎曲的狹窄表面，用於通過其表面上的燈光和陰影進行裝飾並隱藏接頭，尤其是不同材料之間的接頭。

概述：凡爾賽宮

凡爾賽宮是由路易十四建造的豪華宮殿，擁有700間客房，寬敞的花園和豪華的裝飾。最初由他的父親建造的小型狩獵小屋，路易十四在他的統治期間進行了四次密集的建築運動，從而改變了凡爾賽宮。宮殿的正式美學意在榮耀法國，並展現出自稱為太陽王路易十四的力量和偉大。宮殿的建築師是Louis Le Vau，室內設計師是Charles Le Brun，景觀設計師是Andre Le Notre。此前，這三位藝術家曾在國王的財政部長私人私人城堡Vaux le Vicomte上合作過。1682年，凡爾賽宮改建成國王的官邸，

凡爾賽的藝術和藝術家

建築：Louis Le Vau

凡爾賽宮由法國路易十四世國王建築師路易斯·勒沃（Louis Le Vau）以法國巴洛克風格執行。法國巴洛克建築風格的特徵是其大的彎曲形式，扭曲的圓柱，高圓頂和復雜的形狀。與歐洲其他地區的巴洛克式建築相比，通常認為它受到更多限制，並且在對稱而有序的建築物上混合了大量細節。

室內設計：查爾斯·勒布倫

查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun）是凡爾賽宮的室內裝飾工，也是國王的第一位畫家。路易十四宣布勒布朗為“有史以來最偉大的畫家”，勒布朗致力於宮殿的顯著特徵，如戰爭與和平大廳，大使樓梯和鏡子大殿。這一時期的室內設計被稱為路易十四風格，起源於勒布倫（Le Brun），其特徵是編織豐富的紅色和金色織物或錦緞，沉重的鍍金石膏造型，大型雕刻的側板和沈重的大理石花紋。

路易十四風格：這款精緻的長凳展示了凡爾賽宮路易十四的風格，其特徵是編織的紅色和金色織物或錦緞，沉重的鍍金石膏造型，大型雕刻的側板和沈重的大理石花紋。

鏡廳是凡爾賽宮的中央畫廊，並且是世界上最著名的房間之一。這個房間的主要特點是一系列17個鏡面拱門，反射了17個拱形窗戶，俯瞰花園。每個拱門包含21面鏡子。拱門固定在大理石壁柱之間，上面嵌有法國的青銅符號。

鏡廳：鏡廳的主要特徵是一系列17個鏡面拱門，它們反射17個拱形窗戶，俯瞰花園。每個拱門包含21面鏡子。

花園：Andre Le Notre

凡爾賽宮的景觀設計是歷史上最奢華的設計之一。安德烈·勒諾特為首，在凡爾賽宮花園覆蓋近2000畝土地，並在法國正式園林風格被處決，或花園一拉法蘭西。這種風格的特點是精心修剪的草坪，花壇花壇，眾多的噴泉和雕塑。

凡爾賽雕塑和裝飾的一個共同特徵是運用古典神話寓言。Bassin de Latone由Le Notre設計，並於1668年至1670年間由Gaspard和Balthazar Marsy雕刻而成。該噴泉描繪了奧維德的《變形記》中的場景，這些場景被選作國王統治期間起義的寓言。Bassin d'Apollon是另一個噴泉，描繪了太陽神駕駛他的戰車照亮天空。Grotte de Thetys是一個獨立式結構，內部裝飾精美的貝殼裝飾代表了阿波羅神話。

凡爾賽花園：為凡爾賽宮的奢華花園計劃。

大運河是花園的一個顯著特徵，其令人印象深刻的長度為1,500 x 62米。路易十四國王下令在大運河上建造“小威尼斯”，其中容納了從威尼斯收到的遊艇，吊船和船夫。通過收集從噴泉排出的水並將其通過馬力泵將其重新分配到花園中，它還起到了功能性的作用。

大司令部是由路易十四委託為裝飾花園而設計的一系列24尊雕像。這些雕像描繪了四個幽默，一天的四個部分，世界的四個部分，詩歌的四種形式，四個要素和四個季節時的經典四元組（4組）。另外四個雕塑描繪了來自古典神話的綁架。

 

巴洛克時期的雕塑



巴洛克時期的意大利雕塑

巴洛克雕塑在1600年代統治了意大利，並以圓形雕塑為特徵。

 

指出17世紀意大利的巴洛克雕塑的屬性

重要要點

關鍵點

·         巴洛克雕塑試圖捕捉人物的動態運動，圍繞一個空的中心渦旋盤旋或向外伸入周圍的空間。

·         巴洛克雕塑的目的是要從各個角度觀察並集中展示，而不是靠牆。

·         吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）是巴洛克時期在羅馬乃至整個歐洲最重要的意大利雕塑家。

·         貝尼尼（Bernini）的法國統治者路易十四（Louis XIV）雕塑為皇家肖像畫樹立了一個世紀的標準。

關鍵詞

·         浮雕：一種藝術品，其中形狀或圖形從平坦的背景突出。

·         浮雕：一種雕塑，給人的印像是雕刻的材料已經抬高到背景平面之上。

概述：巴洛克雕塑

巴洛克雕塑與17世紀歐洲的巴洛克文化運動有關。在巴洛克雕塑中，人物組具有新的重要性，並且有動態的運動和人類形態的能量-它們繞著一個空的中心漩渦盤旋或向外延伸到周圍的空間。巴洛克雕塑通常具有多個理想的視角，反映出文藝復興時期從浮雕到圓形雕塑的總體延續。它們通常被設計為放置在較大空間的中間。例如，精心製作的噴泉，例如貝爾尼尼的《豐塔納·德·夸特·菲米》（羅馬，1651年）或凡爾賽花園的噴泉，都是巴洛克式的特色。

許多巴洛克雕塑增加了雕塑外元素；例如，隱藏的燈光，噴泉或融合的雕塑和建築為觀看者帶來了變革性的體驗。藝術家們認為自己是在古典傳統中工作，並且欣賞希臘文化和後來的羅馬雕塑。

貝爾尼尼的作品

吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）是該時代的主要人物。貝爾尼尼的雕塑作品十分豐富多樣。該聖特里薩的迷魂藥在爾納羅教堂，勝利之後聖母堂，和現在隱藏康斯坦丁在斯卡拉核桃基地（他設計的）是他最知名的作品之一。貝爾尼尼還獲得了聖彼得八世教皇墓的委託。

貝爾尼尼（Bernini）對聖特蕾莎的迷戀：貝爾尼尼是巴洛克時期最傑出的雕塑家。

1665年，因應國王路易十四的一再要求，貝爾尼尼（Bernini）在名聲鼎盛的時候前往巴黎住了幾個月。他的國際知名度令他在城市漫步時，街道兩旁都是熱鬧的人群。在這裡，貝尼尼展示了一些盧浮宮東面的設計，但最終被拒絕了。他稱讚意大利的藝術和建築勝過法國的藝術和建築，很快就在法國法院失寵。他在巴黎停留的唯一作品是路易十四的半身像，這為一個世紀的皇家肖像畫設定了標準。

 

巴洛克時期的繪畫



巴洛克時期的意大利繪畫

巴洛克繪畫出現於16世紀，並在17世紀變得極為流行。羅馬高巴洛克時期從1623年持續到1667年。

 

命名17世紀最重要的意大利畫家

重要要點

關鍵點

·         巴洛克繪畫是與巴洛克文化運動有關的繪畫，該運動始於17世紀的意大利。

·         在最典型的表現形式中，巴洛克繪畫的特點是戲劇性強，色彩豐富，色彩濃烈，陰影濃淡。

·         卡拉瓦喬（Caravaggio）是16世紀和17世紀早期巴洛克繪畫中的重要人物，並啟發了許多模仿者，即卡拉瓦吉斯提（Caravaggisti）。

·         彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona）是巴洛克時期最有影響力的畫家。

·         在17世紀後期，越來越多的藝術家，例如佐丹奴（Giordano），創作了巨大的天花板壁畫。

關鍵詞

·         tenebrism：一種繪畫風格，使用非常明顯的光對比度（明暗對比），而黑暗是圖像的主要特徵

·         壁畫：在繪畫中，將水性顏料施加到濕的或新鮮的石灰砂漿或灰泥上的技術。

概述：巴洛克繪畫

巴洛克繪畫與17世紀始於意大利的巴洛克文化運動有關。它涵蓋了多種風格，因為從1600年左右開始一直延續到18世紀初期的最重要和主要繪畫今天被稱為巴洛克繪畫。在最典型的表現形式中，巴洛克藝術的特點是戲劇性強，色彩豐富，色彩濃烈，陰影濃淡。

當時的相關意大利畫家

卡拉瓦喬

卡拉瓦喬（1571-1610）在米蘭出生和受過訓練，是16世紀末和17世紀初歐洲繪畫最有影響力的貢獻者之一。他以現代服裝或普通男女的繪畫人物而聞名，甚至包括古典或宗教主題的人物。他對生活中更苗條的一面的包容與當時的趨勢形成鮮明對比。他使用緊張感和部分燈光人物與深色背景之間的鮮明對比來戲劇化效果。

卡拉瓦喬最著名的畫作包括《聖馬修的召喚》，《聖托馬斯》，《聖保羅的悔改》，《安葬》和《基督的冠冕》。卡拉瓦喬（Caravaggisti）和卡拉瓦喬（Caravaggio）的追隨者效仿了他對光和影的使用，例如Orazio Gentileschi（1563-1639），Artemisia Gentileschi（1592-1652 / 3），Mattia Preti，Carlo Saraceni和Bartolomeo Manfredi。

聖馬太的呼召卡拉瓦喬：聖馬太的呼喚顯示卡拉瓦喬的使用部分點亮數字和黑暗背景之間tenebrism和鮮明對比的戲劇化效果。

卡拉瓦喬的埃切·霍莫克，1605年：卡拉瓦喬的巴洛克畫的例子

其他藝術家

在此早期影響過巴洛克繪畫發展的其他有影響力的意大利畫家包括彼得·保羅·魯本斯，喬瓦尼·蘭弗蘭科和古奇諾。Guido Reni和Domenico Zampieri等其他藝術家則追求更古典的方法。巴洛克式的畫家，如科爾托納（Cortona），喬瓦·巴蒂斯塔·高利（Giovan Battista Gaulli）和西羅·費里（Ciro Ferri），隨著薩基（Sacchi）和尼古拉斯·普桑（Nicholas Poussin）等畫家所代表的古典趨勢繼續蓬勃發展。甚至像薩基（Sacchi）的學生卡洛·馬拉塔（Carlo Maratta）這樣的古典畫家也受到巴洛克風格色彩使用的影響。

羅馬高巴洛克時期的主要畫家是彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona），該時期橫跨1623年至1667年的數個教皇統治時期。他的巴洛克風格從他在1620年代為薩克蒂（Sacchetti）家族執行的畫作和在羅馬的巴貝里尼宮（Palazzo Barberini）（完成於1639年完成）的壁畫中可以明顯看出。

巨大的天花板壁畫主要追溯到17世紀後期。其中一些具有極大的幻想性，例如羅馬的格蘇教堂中的高利的中殿壁畫（1674–9年）和聖伊格納齊奧的安德里亞·波佐的中殿穹頂（1691–4年）。盧卡·佐丹奴（Luca Giordano，1634-1705年）生於那不勒斯，他的繪畫作品非常出眾，以“盧卡·法斯托（Luca fa presto）”而著稱。

佐丹奴（Giordano）在1684–1686年在佛羅倫薩的美第奇-里卡迪宮（Palazzo Medici-Riccardi）創作的壁畫。：佐丹奴（Giordano）是一位多產的意大利巴洛克畫家。

巴洛克時期的西班牙繪畫

西班牙黃金時代是藝術蓬勃發展的時期，恰逢西班牙哈布斯堡王朝的政治興衰。

 

定義西班牙繪畫的黃金時代

重要要點

關鍵點

·         西班牙的黃金時代始於1492年，隨著Reconquista的結束以及克里斯托弗·哥倫布（Christopher Columbus）到新世界的海上航行。從政治上講，它不遲於1659年結束，法國與西班牙哈布斯堡之間批准了《比利牛斯條約》。

·         伊莎貝拉女王的丈夫以及後來西班牙的唯一君主阿拉貢的費迪南德（Ferdinand of Aragon）在意大利擁有的股份和人際關係，在整個巴倫西亞，塞維利亞和佛羅倫薩之間的地中海地區不斷湧現知識分子。

·         西班牙的藝術帶有神秘主義和宗教的強烈烙印，這受到反改革和西班牙堅強的天主教君主和貴族的讚助的鼓勵。西班牙和奧地利的哈布斯堡王朝在他們的國家都是偉大的藝術贊助人。

·         學者們經常將迭戈·貝拉克斯（DiegoVelázquez）和弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）視為巴洛克時期西班牙獨特繪畫風格的有影響力的創始人。

關鍵詞

·         反改革：天主教的複興時期，始於特倫特議會（1545–1563），結束於三十年戰爭（1648）結束；有時被認為是對新教改革的回應。

·         哈布斯堡王朝（Habsburg）：一個以斯瓦比亞貴族命名的家庭，該家族後來成為奧地利的統治（世襲）王朝，時而其他國家（主要在伊比利亞和前勃艮第領地）也曾供奉，並提供了神聖羅馬帝國的歷任（當選）皇帝。

概述：西班牙黃金時代

西班牙黃金時代是西班牙藝術和文學蓬勃發展的時期，與巴洛克時期以及西班牙哈布斯堡王朝的政治興衰相吻合。它始於1492年，始於Reconquista（Reconquest）結束，克里斯托弗·哥倫布（Christopher Columbus）到新世界的海上航行，以及安東尼奧·德·內布雷加（Antonio de Nebrija）的《格拉瑪提卡·德拉倫瓜·卡斯特拉納（Gramáticade la lengua castellana）》（卡斯蒂利亞語語法）的出版。從政治上講，它不遲於1659年在法國與西班牙哈布斯堡王朝之間批准的《比利牛斯條約》結束。

在意大利文藝復興時期，西班牙很少有偉大的藝術家來此居住。伊莎貝拉女王的丈夫，後來是西班牙的唯一君主阿拉貢的費迪南德（Ferdinand of Aragon）建立的意大利人的財產和人際關係，在巴倫西亞，塞維利亞和佛羅倫薩之間遍及地中海的知識分子不斷湧入。路易斯·德·莫拉萊斯（Luis de Morales）是西班牙風格主義繪畫的主要代表人物之一，在他的作品中保留了明顯的西班牙風格，讓人聯想到中世紀藝術。西班牙的藝術，特別是莫拉萊斯的藝術，帶有濃厚的神秘主義和宗教色彩，這受到反改革和西班牙堅強的天主教君主和貴族的讚助的鼓勵。

西班牙黃金時代的藝術家

西班牙和奧地利的哈布斯堡王朝在他們的國家都是偉大的藝術贊助人。學者們經常將迭戈·維拉茲茲（DiegoVelázquez）和弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）視為巴洛克時期獨特的西班牙繪畫風格的有影響力的創始人。

迭戈·貝拉斯克斯（DiegoVelázquez）

DiegoVelázquez被廣泛認為是西班牙最重要，最有影響力的藝術家之一。他是當代巴洛克時期的個人主義藝術家，最著名的是肖像畫家。除了再現具有歷史和文化意義的場景外，他還繪製了數十幅西班牙王室肖像，其他歐洲著名人物和平民的肖像畫，最終創作了他的傑作《拉斯梅尼納斯》（Las Meninas，1656年）。Velázquez是菲利普四世國王的宮廷畫家，整個歐洲的政治家，貴族和牧師對他的肖像的需求越來越高。他對國王的肖像，他的首席部長，奧利瓦雷斯伯爵公爵和教皇本人都表現出對藝術現實主義的信念以及與許多荷蘭大師媲美的風格。

菲利普四世（Philip IV）在《布朗與銀》（Brown and Silver）中，1632年：委拉斯開茲（Velázquez）可能以他的許多著名肖像而聞名，其中包括菲利普四世國王之一。

委拉斯開茲最著名的畫作是著名的《拉斯·梅尼納斯》（Las Meninas，1656年），畫家將自己作為其中的一員。Las Meninas（西班牙語為“等待中的女士”）是一幅複雜而神秘的畫作，提出了關於現實和幻覺的問題，在觀看者和所描繪的人物之間造成了不確定的關係。由於這些複雜性，Las Meninas成為西方繪畫中分析最廣泛的作品之一。

這幅畫展示了國王菲利普四世統治時期馬德里皇家城堡中的一間大房間，並展示了幾個人物，這些人物最容易從西班牙宮廷中辨認​​出來，並在特定時刻被捕捉下來，就像是快照中一樣。有些人從畫布上向外看，而其他人則相互影響。年輕的因凡塔·瑪格麗特·特蕾莎（Infanta Margaret Theresa）被儀仗隊，陪同人員，保鏢，另外兩個人物和一隻狗所包圍。在他們身後，貝拉克斯（Velázquez）描繪自己在一塊大畫布上工作。Velázquez向外看，超出了繪畫者可以站立的繪畫空間。在背景中有一面鏡子，反射國王和王后的上半身。它們似乎以與觀看者相似的位置放置在圖片空間之外，

拉斯·梅尼納斯（Las Meninas）， 1656年（英語：等待中的女士）：在他最著名的畫作中，左邊是瓦爾茲克斯的自畫像。

西班牙黃金時代藝術中的宗教：弗朗西斯科·德·祖巴蘭

隨著反改革運動的發展，西班牙藝術中的宗教元素變得越來越重要。弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）的嚴厲，禁慾和嚴厲的作品與作曲家托馬斯·路易斯·德·維多利亞（TomásLuis de Victoria）的作品一起體現了西班牙藝術的這一脈絡。菲利普四世（Philip IV）積極光顧藝術家，他們同意他對反改革和宗教的觀點。受阿維拉（Avila）的聖特蕾莎（Saint Theresa）影響，祖巴蘭作品的神秘性在後來的世代中成為西班牙藝術的標誌。

處女的誕生：弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）創作的《處女的誕生》展示了宗教主題，尤其是對聖母瑪利亞的奉獻，這種主題遍布西班牙的反改革派藝術品。

在卡拉瓦喬和意大利大師的影響下，祖巴蘭致力於宗教和信仰的藝術表達。他主要因其描繪僧侶，尼姑和烈士的宗教畫作以及其靜物畫而聞名。祖爾巴蘭（Zurbarán）因其擅長用力，現實地使用明暗對比而獲得綽號“西班牙卡拉瓦喬”。

冥想中的聖法蘭西斯c。1631年至1640年，國家美術館：祖爾巴蘭的阿西西聖弗朗西斯畫作以其明暗對比或明暗對比高而著稱。

在歐洲宗教戰爭的背景下，他的阿西西聖弗朗西斯畫作，完美的構想和基督被釘十字架反映了17世紀西班牙文化的第三方面。Zurbarán打破了Velázquez對藝術的敏銳現實主義詮釋，在某種程度上看似畫家El Greco和早期的Mannerist畫家的情感內容，以尋求靈感和技術，儘管Zurbarán尊重並保持了Velázquez的照明和細微差別。

巴洛克時期的法國繪畫

法國的17世紀繪畫受到意大利巴洛克風格的影響以及強大君主制的古典品味的影響。

 

描述17世紀法國繪畫的變化本質及其最重要的從業者

重要要點

關鍵點

·         路易十四國王建立了繪畫與雕塑學院，該學院傳播了具有明顯古典主義色彩的藝術風格。17世紀法國的重要畫家包括西蒙·沃特（Simon Vouet），查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun），尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin），克勞德·洛林（Claude Lorrain）和喬治·圖拉（Georges de la Tour）。

·         西蒙·沃特（Simon Vouet）以向法國介紹巴洛克風格的繪畫而聞名。查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun）是Vouet的學生，也是路易十四國王朝廷中最重要的畫家。他負責凡爾賽宮的室內裝飾。

·         尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）以其古典風格的繪畫而聞名，這些繪畫偏向於色彩的清晰度，邏輯性，秩序和線條簡潔。克勞德·洛蘭（Claude Lorrain）以山水畫而著稱。

·         喬治·德拉圖爾（Georges de la Tour）是一位法國巴洛克畫家，以繪畫宗教明暗對比場景而聞名。

關鍵詞

·         chiaroscuro（chiaroscuro）：一種在文藝復興時期流行的藝術技術，指的是使用誇張的光線對比來創造體積的錯覺。

·         祭壇的藝術品，懸掛在桌子上方和後面，用於宗教目的; （祭壇）在教堂裡。

概述：法國的巴洛克時代

法國的17世紀繪畫受到意大利巴洛克風格的影響以及強大君主制的古典品味的影響。這兩種強烈的影響導致了法國獨有的風格，並最終為國王路易十四創造了藝術。路易十四統治時期從本世紀初路易十三統治時期流行的風格主義和巴洛克風格轉變為更為古典的風格。路易十四在法國建立了對手工生產的皇家控制，禁止從國外購買奢侈品。他還成立了繪畫與雕塑學院，該學院保持了繪畫流派的層次和明顯的古典氣息。

有影響力的法國畫家

17世紀法國的重要畫家包括西蒙·沃特（Simon Vouet），查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun），尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin），克勞德·洛林（Claude Lorrain）和喬治·德拉圖爾（Georges de la Tour）。法國的17世紀繪畫存在分歧：一方面，從德拉圖爾的作品中可以看出意大利巴洛克風格的影響。另一方面是君主制所偏愛的僵化，古典風格的獨特轉變，而勒布朗，普桑和洛林的作品就是例證。兩種風格的融合為17世紀的繪畫賦予了法國獨有的美學色彩。

西蒙·沃特（Simon Vouet）和查爾斯·勒布倫（Charles Le Brun）

西蒙·沃特（Simon Vouet）以向法國介紹巴洛克風格的繪畫而聞名。他在意大利學習並學習了意大利大師的技術，他對自己的情感充滿了興趣。路易十三將他定為“總理羅伊”，並委託他創作了無數作品。查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun）是Vouet最具影響力的學生，後來成為路易十四國王的重要畫家。Le Brun主要為路易十四工作，他最重要的作品居住在凡爾賽宮。Le Brun的作品主要製作戰靴和祭壇作品，體現了巴洛克風格和古典風格的融合。

查理·勒·布朗（Charles Le Brun），《法蘭克·孔戴的征服》：查爾斯·勒·布朗（Charles Le Brun）主要為路易十四國王工作，他最重要的作品居住在凡爾賽宮。Le Brun的作品主要製作戰靴和祭壇作品，體現了巴洛克風格和古典風格的融合。

尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）和克勞德·洛蘭（Claude Lorrain）

尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）以其17世紀法國創作的古典風格繪畫而聞名。他的作品具有清晰，邏輯，有序和線條清晰的色彩，可與巴洛克風格的繪畫相提並論。他一生的大部分時間都在羅馬工作，並成為路易十四國王的最愛畫家。克勞德·洛蘭（Claude Lorrain）以山水畫而著稱。他贏得了教皇厄本八世的讚助，此後他的名氣迅速增長。洛林和普桑是朋友，眾所周知曾一起旅行過意大利的鄉村。

尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin），迴聲和水仙：尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）以其17世紀法國創作的古典風格繪畫而聞名。他的作品具有清晰，邏輯，有序，線條清晰的特點。

喬治·德拉圖爾

喬治·德拉圖爾（Georges de la Tour）是一位法國巴洛克畫家，以畫燭光點燃的宗教明暗對比場景而聞名。他的作品表現出了卡拉瓦喬的巨大影響力，其特徵是明暗的繪畫效果，但其獨特之處在於他將這種技術應用於體裁主題。

喬治·德·拉圖爾，Büende瑪麗亞（馬格達萊納叔）：

巴洛克時期的佛蘭芒畫

法蘭德斯（Flanders）在17世紀創作的繪畫風格被稱為佛蘭德巴洛克風格。

 

在佛蘭德巴洛克及其代表畫家中命名不同的流派

重要要點

關鍵點

·         佛蘭德巴洛克畫因其被分為歷史，肖像，流派，風景和靜物的不同主題類別而著稱。

·         彼得保羅魯本斯（Peter Paul Rubens）是佛蘭德巴洛克風格的傑出畫家; 他是歷史繪畫的主要畫家，並受到意大利繪畫的影響。

·         阿德里亞恩布勞維爾（Adriaen Brouwer）的畫作代表了17世紀佛蘭德斯的流派畫作。他們描繪了農民的日常生活場景，並以富有表情的面部研究而著稱。

·         Vanitas是一種靜物畫，旨在說明塵世間的生活的無意義和所有塵世間的追求的短暫性，在17世紀佛蘭芒畫中變得非常流行。

關鍵詞

·         巨大的：宏偉而宏偉的。

概述：佛蘭德巴洛克式

法蘭德斯（Flanders）在17世紀創作的繪畫風格被稱為佛蘭德巴洛克風格。這種風格產生於大約1585年，當時荷蘭共和國從南部的哈布斯堡王朝西班牙地區分裂，直到大約1700年，即查理二世國王去世後哈布斯堡王朝統治結束。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens），安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）和雅各布·喬丹斯（Jacob Jordaens）的故鄉安特衛普（Antwerp）在這段時期內以藝術創作著稱，而布魯塞爾和根特在較小程度上也是如此。法蘭德斯·巴洛克風格的傑出畫家彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）對17世紀的藝術審美產生了深遠的影響。

佛蘭芒繪畫的類別

佛蘭德的巴洛克式繪畫以其分為不同的主題類別而著稱，而當時的藝術家往往專注於其中一個領域。這些流派包括歷史，肖像畫，流派，風景和靜物畫。

歷史繪畫

歷史繪畫被認為是17世紀最崇高的類型，由對歷史，聖經，神話和寓言場景的描繪組成。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）是該類別中的主要畫家，儘管他的學生安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）也很出名。佛蘭德歷史畫家比其他任何類別的畫家都繼續受到意大利繪畫的影響。魯本斯在意大利度過了九年的時間研究大師作品，他將巨大的狩獵場景介紹給繪畫。這在他的作品“狼與狐狸的亨特”（Wolf and Fox Hunt）中得到了體現，該作品描繪了一場大規模的戰爭，並受到他對古典古代研究的啟發。

狼和獵狐由彼得·保羅·魯本斯：狼和獵狐是巨大的狩獵場景介紹了魯本斯繪畫的一個例子。

肖像畫

肖像畫在很大程度上是具有紀念意義或真實大小的，儘管團體和全家福在17世紀就顯得尤為突出。儘管他不是肖像畫家，但魯本斯完成了一些此類早期作品。他還通過他的學生安東尼·範戴克（Anthony Van Dyck）發揮了影響力，安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）成為英格蘭查理一世的宮廷畫家，並對後來的英格蘭肖像畫產生了影響。

體裁繪畫

流派的繪畫描繪了日常生活中的場景，在17世紀的法蘭德斯很常見。這些繪畫的人物沒有特定身份，通常從事與“農民生活”有關的活動。許多流派藝術家在描寫下層階級時都遵循了彼得·布魯格（Peter Brueghel）的傳統。阿德里亞恩·布勞維爾（Adriaen Brouwer）的繪畫經常顯示農民在戰鬥和飲酒，這是佛蘭德風格繪畫的一個例子。布勞威爾以室內場景而非外部場景中的繪畫主題而著稱。他還以富有表現力的面部研究而著稱，這種研究具有“外星人”（面孔）類型的特徵，並在《苦酒》等作品中得到了體現。

彼得·布魯格爾（Peter Brueghel）的《鄉村律師》：彼得·布魯格爾（Peter Brueghel）的風格畫。

風景

山水畫是17世紀的另一個主要類別。這種風格是從16世紀早期的佛蘭德山水畫發展而來的，這些畫並不特別逼真，並採用了老彼得·布魯格（Peter Brueghel）的典型半空中視角。從Hans Vredman de Vries的作品發展而來，並描繪了現有教堂和大教堂的真實內飾，建築內飾畫在這一時期也很受歡迎。

靜物畫

花卉靜物畫在17世紀的法蘭德斯中廣為流行，並在1600年左右由長者布呂格（Brueghel）推廣。他的兒子揚·布魯格（Jan Brueghel the Younger）和安布羅休斯·布魯格（Ambrosius Brueghel）也是當時的花卉專家。靜物繪畫的其他主題或子類別包括宴會靜物，動物靜物和花環場景。靜物畫常常帶有關於生命的簡潔性的基本道德信息，這種特徵以“虛榮”為代表。Vanitas是一幅象徵性的靜物畫，旨在說明世俗生活的無意義和所有世俗追求的短暫性。Vanitas的繪畫在17世紀的佛蘭德和荷蘭作品中非常受歡迎，並且經常描繪出諸如頭骨，花朵，腐爛的水果，時鐘，手錶，煙和沙漏之類的符號，

Vanitas繪畫：Franciscus Gysbrechts繪製的17世紀Vanitas的例子。

 

荷蘭畫家



Ter Brugghen，van Honthorst，Hals，Leyster

亨德里克·特·布魯格亨（Hendrick ter Brugghen），格里特·範·洪特霍斯特（Gerrit van Honthorst），弗蘭斯·哈爾斯（Frans Hals）和朱迪思·萊斯特（Judith Leyster）是荷蘭共和國的重要流派畫家。

 

解釋ter Brugghen，van Honthorst，Hals和Leyster對荷蘭共和國體裁繪畫的重要性

重要要點

關鍵點

·         Ter Brugghen和Honthorst都是荷蘭城市烏得勒支的藝術家，他們遵循Caravaggisti的傳統，模仿Caravaggio對光和影的戲劇性使用。兩位藝術家的直接靈感來自他們的意大利之行。

·         小酒館的場景和其他生動娛樂的描繪是這一時期體裁畫家的常見主題。

·         另一個著名的荷蘭畫家Frans Hals因其肖像畫和開創性的鬆散筆法而聞名。

·         朱迪思·萊斯特（Judith Leyster）是荷蘭黃金時代為數不多的知名女畫家之一，以在家庭室內場景中描繪女性題材而聞名。

·         萊斯特的作品與哈爾斯極為相似，導致一些歷史學家推測她可能是他的徒弟。

關鍵詞

·         chiaroscuro（chiaroscuro）：在文藝復興時期發展起來的一種藝術技術，指的是使用誇張的光線對比來創造體積的錯覺。

·         卡拉瓦吉蒂（Caravaggisti）：16世紀意大利巴洛克畫家米開朗基羅·梅里西·達·卡拉瓦喬的風格追隨者。

·         矯飾主義：一種在高文藝復興時期末期發展起來的藝術風格，其特徵是故意扭曲和誇大了視角，尤其是人物的伸長。

荷蘭黃金時代

荷蘭黃金時代是荷蘭歷史上的一個時期，通常跨越17世紀，在荷蘭獨立八十年戰爭（1568-1648年）的後期和之後。儘管荷蘭的黃金時代繪畫出現在整個巴洛克時期的歐洲時期，並且經常表現出許多特徵，但大多數都缺乏許多巴洛克式作品典型的理想化和熱愛，包括鄰近的佛蘭德斯。在這個時代，荷蘭的大多數作品，包括最著名的那個時期，都反映了從早期荷蘭繪畫繼承而來的詳細現實主義的傳統。

這一時期的一個顯著特徵是繪畫流派的氾濫，大多數藝術家在其中一種作品中創作了大部分作品。從1620年代後期開始就可以看到這種專業的全面發展，從那時到法國入侵1672年這段時期是黃金時代繪畫的核心。烏特勒支（Utrecht Caravaggisti）亨德里克·布魯格（Hendrick ter Brugghen）和格里特·範·洪特霍斯特（Gerrit van Honthorst）以及弗蘭斯·哈爾斯（Frans Hals）和朱迪思·萊斯特（Judith Leyster）都是荷蘭共和國的體裁畫家。他們的作品總體上描繪了酒館和其他娛樂場所，以滿足荷蘭中產階級不斷增長的階層的口味和興趣。

布魯格

亨德里克·揚斯·特·勃呂亨（Hendrick Jansz ter Brugghen，1588年至1629年）是荷蘭畫家，也是卡拉瓦喬（Caravaggio）或荷蘭卡拉瓦吉斯蒂（Caravaggisti）荷蘭追隨者的主要成員。Ter Brugghen從13歲起就開始繪畫，就讀於接受過手法訓練的歷史畫家亞伯拉罕·布洛埃馬特（Abraham Bloemaert）的學習下。大約在1604年，ter Brugghen像許多荷蘭同行一樣前往意大利，以擴大他的技能。在羅馬期間，他本可以與卡拉瓦喬直接聯繫。他當然研究了他的作品以及他的追隨者的作品，即意大利的卡拉瓦吉提。回到荷蘭烏得勒支市後，他與荷蘭卡拉瓦吉斯蒂的另一位成員杰拉德·範·洪特霍斯特（Gerard van Honthorst）合作。

ter Brugghen的長笛演奏者，1621年：ter Brugghen與Gerard van Honthorst一起，在17世紀初期從意大利引進了Caravaggio的技術。

Ter Brugghen最喜歡的主題是飲酒者或音樂家的半身人像，但他還製作了較大規模的宗教圖像和集體畫像。他帶有卡拉瓦喬的影響力，他的繪畫在戲劇性地運用了光與影，並帶有強烈的情感色彩。儘管他在41歲時去世，但他的工作受到了好評，並在他的一生中具有很大的影響力。

 ter Brugghen（1627）的音樂會，99.1 x 116.8 cm，倫敦國家美術館，倫敦：ter Brugghen最喜歡的一些主題是飲酒者或音樂家的半身人像，以卡拉瓦喬風格強烈地運用了光與影。

範·洪特霍斯特

杰拉德·範·霍恩霍斯特（Gerard van Honthorst，1590-1656年）生於烏得勒支，並在亞伯拉罕·布洛埃馬特（Abraham Bloemaert）的指導下學習。1616年，洪特霍斯特（Honthorst）也前往意大利，並受到他在意大利遇到的最新藝術的深刻影響。霍恩霍斯特（Honthorst）於1620年返回烏得勒支（Utrecht），並在荷蘭共和國和國外贏得了相當的聲譽。

霍恩霍斯特（Honthorst）在1628年短暫地成為了英國查爾斯一世的宮廷畫家。他在荷蘭的知名度使他在海牙開設了第二個工作室，在那裡他畫了法院成員的畫像並教授繪畫。霍恩霍斯特（Honthorst）養育了卡拉瓦喬（Caravaggio）的風格，並且擅長明暗對比，經常畫一根蠟燭照亮的場景。除肖像畫外，他還因與音樂家，賭徒和吃飯的人一起繪製酒館場景而聞名。

媒人杰拉德·範·洪特霍斯特（Gerard van Honthorst），1625年：這幅畫展示了洪特霍斯特對明暗對比的使用，卡拉瓦喬很喜歡這種風格。

哈爾斯

弗朗斯·哈爾斯（Frans Hals the Elder）（約1582年至1666年）最著名的作品是他鬆散的繪畫筆法，這種活潑的風格幫助他引入了荷蘭藝術。哈爾斯（Hals）在17世紀集體畫像的演變中也發揮了重要作用。他的肖像也許最有名，主要是富人和著名商人，如彼得·范登·布羅克（Pieter van den Broecke）和艾薩克·馬薩（Isaac Massa）。他還為當地的公民警衛和當地醫院的代表畫了大型團體肖像。他的照片描繪了社會的各個階層：官員，行會的宴會或會議，從市長到文員的地方議員，巡迴演奏者和歌手，紳士，魚夫和小酒館英雄。在他的集體畫像中，例如聖阿德里安民兵公司的軍官，Hals以不同的方式捕獲每個字符。與倫勃朗使用金色發光效果形成鮮明對比的是，哈爾斯（Hals）喜歡日光和銀色光澤。

弗朗斯·哈爾斯（Frans Hals）的聖阿德里安民兵公司的官員，1633年：這是弗蘭斯·哈爾斯（Frans Hals）為哈勒姆（Harlem）的克盧維爾人，聖阿德里安（St. Adrian）或聖哈德良（St. Hadrian）公民警衛的第二幅畫；今天，它被認為是弗蘭斯·哈爾斯博物館的主要景點之一。

萊斯特

朱迪思·揚斯·萊斯特（Judith Jans Leyster，1609-1660年）是荷蘭黃金時代繪畫中三位重要的女畫家之一。另外兩位是Rachel Ruysch和Maria van Oosterwijk，是花卉靜物畫的專業畫家，而Leyster則畫了流派的作品，幾幅肖像畫和一幅靜物畫。萊斯特婚後很大程度上放棄了繪畫，從而育有五個孩子。萊斯特（Leyster）在她的國內風格場景中特別創新。在其中，她為家裡的婦女創造了安靜的景象，直到1650年代，這才是荷蘭的流行主題。

朱迪思·萊斯特（Judith Leyster）的“紙牌遊戲”：萊斯特的題材與該時期的其他體裁畫家相似，不同之處在於她傾向於專注於女性題材。

儘管萊斯特（Leyster）在她的一生中廣為人知，並且受到當時的人們的推崇，但在死後，萊斯特和她的作品在很大程度上被遺忘了。1893年，盧浮宮購買了自己認為是弗朗斯·哈爾斯（Frans Hals）的那幅畫時，才重新發現了萊斯特，但實際上發現它是朱迪思·萊斯特（Judith Leyster）繪製的。一些歷史學家斷言，由於工作之間的相似性，Hals可能是Leyster的老師。例如，萊斯特（Leyster）的《快活的飲酒者》（1629年起）與哈爾斯（Hals）的《快活的飲酒者》（1627-28）非常相似。

倫勃朗

倫勃朗被公認為是歐洲歷史上最偉大的藝術家之一，也是荷蘭黃金時代最重要的藝術家。

 

描述倫勃朗的繪畫特徵

重要要點

關鍵點

·         倫勃朗·哈曼斯祖·範·瑞恩（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606-1669年）主要以他同時代的肖像，自畫像，風景和聖經中的場景插圖而聞名。

·         倫勃朗的自畫像異常真誠，善解人意，體現了他隨著時間的發展。

·         從風格上講，倫勃朗一生中的作品從光滑演變為粗糙。

·         倫勃朗的作品中粗，的筆觸在當時是不合常規的，並且在他的許多同時代人中都受到了不佳的歡迎，儘管這種技術現在被視為對其作品的情感共鳴至關重要。

·         儘管他被認為是荷蘭繪畫大師，但倫勃朗一生中的成就並不平衡。

關鍵詞

·         雜色的：有各種顏色的條紋，斑點或其他標記；非常豐富多彩。

·         卡拉瓦吉蒂（Caravaggisti）：16世紀意大利巴洛克畫家米開朗基羅·梅里西·達·卡拉瓦喬的風格追隨者。

·         chiaroscuro（chiaroscuro）：一種在文藝復興時期流行的藝術技術，指的是使用誇張的光線對比來創造體積的錯覺。

概述：倫勃朗

倫勃朗·哈曼斯祖·範·瑞恩（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606-1669年）是荷蘭黃金時代（Golden Golden Age）的荷蘭畫家和蝕刻師。儘管倫勃朗的晚年生活經歷著個人悲劇和財務困境，但他的版畫和繪畫在他的一生中都很受歡迎，為他贏得了作為藝術家和老師的良好聲譽。1626年，倫勃朗製作了他的第一幅蝕刻版畫，其廣泛傳播將在很大程度上歸功於他的國際聲譽。

倫勃朗作品的特點

倫勃朗的作品最突出的特徵是他對明暗對比的運用，即光影的戲劇運用。這項技術最有可能源自荷蘭的卡拉瓦吉斯提，荷蘭的巴洛克畫家米開朗基羅·梅里西·達·卡拉瓦喬的追隨者，他們最早使用了明暗對比技術。同樣值得注意的是，他生動活潑地展現了主題，沒有同時代人經常表現出的僵化形式，以及對人類主題的可見同情，而不論其財富和年齡如何。

在整個職業生涯中，倫勃朗都將肖像畫（取決於富有的顧客的生存委託），風景畫和敘事畫作為主題。最後，他的同時代人特別讚揚他，他因表達情感和關注細節的技巧而被讚譽為聖經故事的精通解釋者。他的直系親戚經常在他的畫作中佔重要地位，其中許多作品具有神話，聖經或歷史主題。

倫勃朗·提圖斯作為和尚，1660年：倫勃朗的直系親屬經常在他的畫作中出現。這項作品以倫勃朗的兒子提圖斯為和尚。

在後來的幾年中，仍然經常描繪聖經的主題，但是他的重點從戲劇性的團體場景轉移到了像肖像一樣親密的人物（例如，在使徒詹姆斯中， 1661年）。在他的最後幾年中，倫勃朗畫出了他最深刻的自畫像（他畫了1652年至1669年的15張畫），以及幾幅關於男女在愛情，生活和生活中的動人影像（例如猶太新娘，約1666年），以及在上帝面前。

猶太新娘，阿姆斯特丹國立博物館。 ：在他的晚年，倫勃朗畫了幾幅男女電影，例如《猶太新娘》。

從風格上講，倫勃朗的繪畫從早期的“平滑”方式（以對錯覺形式的刻畫為特徵的精細技術）發展為後期的對各種雜色油漆表面的“粗糙”處理，從而使形式的錯覺表現為油漆本身。當代的評論有時不以倫勃朗筆法的粗糙為特徵，據說畫家本人是勸說遊客不要過分看他的畫的。豐富多樣的塗料處理方法，層次分明，而且往往很隨意，以虛幻的和高度個性化的方式暗示了形式和空間。

自畫像

倫勃朗的自畫像可以追溯到從一個不確定的年輕人，到1630年代小巧但非常成功的肖像畫家，到陷入困境但頗有影響力的晚年肖像的過程。在一起，他們給人一個清晰清晰的畫面，這個人，他的外表和他的心理構成，正如他那富有風化的臉所揭示的那樣。在他的肖像和自畫像中，他以某種方式傾斜了保姆的臉，使得鼻子的脊幾乎總是在明亮和陰暗的區域之間形成分界線。

自畫像c。1629年：倫勃朗最早的自畫像刻畫了他的青春，有時甚至是他的不確定性。

自畫像倫勃朗，1659：倫勃朗的許多自畫像提供他的發展作為一個藝術家，並提供洞察到他的個人心理的良好記錄。

風景藝術與室內繪畫

在17世紀，荷蘭共和國的風景和室內風格繪畫變得越來越精緻和現實。

 

評估17世紀荷蘭的風景和室內風格繪畫

重要要點

關鍵點

·         荷蘭山水畫的第一階段被稱為“調性階段”，其特徵是輪廓柔和，大氣效果和聚焦於天空。

·         荷蘭景觀的“古典階段”始於1650年代，並保持了大氣的品質。但是，它們的特點是光線和色彩形成對比，並經常出現構圖錨點，例如突出的樹，塔或船。

·         大約在這個時期，以動物為主題的繪畫成為荷蘭山水畫的一個獨特的子類。

·         浪漫的意大利風格風景，帶有柔和的金色光芒，也作為山水畫的一個子類出現。

·         室內風格繪畫在荷蘭共和國期間也非常受歡迎，其特色是日常生活中的生動場景，例如市場，旅館，小酒館和街道場景以及家庭室內裝飾。

·         揚·維米爾（Jan Vermeer）的作品獨特地捕捉了室內空間的燈光，如今已成為荷蘭共和國最著名的體裁畫家。

關鍵詞

·         大氣的：引起特殊的情感或審美品質。

·         大氣角度：通過以較低的清晰度和較淺的色調繪製更遠的對象而產生深度錯覺的技術。

·         體裁：一種文體類別，尤其是文學或其他藝術品。

背景：荷蘭和佛蘭芒繪畫

山水畫是17世紀荷蘭共和國的主要題材，其靈感來自16世紀的佛蘭德風景，尤其是安特衛普的風景。這些佛蘭德作品並非特別寫實，大部分是在工作室中繪製的，部分是出於想像，並且通常仍採用早期荷蘭風景畫的典型半空中視角風格，這是約阿希姆·帕蒂尼爾（Joachim Patinir）的傳統，還有老彼得·布魯格（Pieter Bruegel）。

荷蘭風景

不久荷蘭便出現了一種更寫實的風格，較低的視野使得可以強調該地區典型的令人印象深刻的雲層。最喜歡的對像是西海岸和河流沿岸的沙丘，附近有廣闊的牧場，牧場上放牧牛群，通常遠處是城市的輪廓。冬季景觀以冰凍的運河和小溪為特色。大海也是最受喜愛的主題，對軍事和貿易都有重要意義。邁向現實主義的重要早期人物是埃塞亞斯·範·德·維爾德（Esaias van de Velde）（1587–1630）和亨德里克·阿弗坎普（Hendrick Avercamp）（1585–1634）。

音調階段

從1620年代後期開始，山水畫的“調和階段”開始了，藝術家們使輪廓變得柔和或模糊，並專注於大氣效果。天空顯得格外突出，人物通常不見或矮小而遙遠。這種風格的主要藝術家是揚·範·高恩（Jan van Goyen（1596–1656）），所羅門·範·魯伊斯達（Salomon van Ruysdael）（1602-1670），彼得·莫林（Pieter de Molyn）（1595-1661）和海洋繪畫的西蒙·德·弗利格（Simon de Vlieger（1601-1653）），許多小人物。

揚·範·高恩（Jan van Goyen）的河景，1652年：揚·範·高恩（Jan van Goyen）在荷蘭山水畫的“調性階段”具有影響力，其特徵是輪廓柔和或模糊，並強調天空。

古典階段

從1650年代開始，“經典階段”開始，保持了大氣質量，但具有更具表現力的成分以及更強的光色對比。作品通常由一棵“英雄樹”，風車，塔或船舶固定在海事工程中。這個階段的主要藝術家是雅各布·範·魯伊斯達爾（Jacob van Ruisdael，1628–1682年），他創作了大量作品，包括北歐風景如畫的黑暗鬆散的山松林，激流和瀑布。

Wijk bij Duurstede的風車：Jacob van Ruisdael（1628–1682）是荷蘭風景古典時期最傑出的藝術家之一。

其他景觀風格

前景帶有動物的風景是一個獨特的子類型，由Aelbert Cuyp，Paulus Potter（1625–1654），Adriaen van de Velde（1636–1672）和Karel Dujardin（1626–1678）繪製，並用飛利浦Wouwerman繪畫各種環境中的騎馬者。母牛是荷蘭人繁榮的象徵，除了馬以外，母牛是迄今為止最常見的動物。山羊用來表示意大利。

在整個色調和古典時期產生的另一種重要景觀類型是浪漫的意大利風光景觀，通常在比荷蘭多的山區中使用，並帶有金色的光芒，有時風景如畫的地中海和廢墟。揚·博特（Jan Both）（卒於1652年）曾到羅馬，並與法國畫家克勞德·洛蘭（Claude Lorrain）合作，是該類型的領先開發商。意大利風光作為版畫很受歡迎，該時期在雕刻中復制的畫家Nicolaes Berchem的山水畫比其他任何藝術家都多。

揚·博特（Jan Both）著的《帶廢墟的南部風景》：兩者均以意大利風格的風景風格而著稱。

荷蘭室內風格繪畫

除了山水畫，體裁畫的發展和廣泛普及是這一時期荷蘭畫最鮮明的特徵。這些流派的繪畫代表了日常生活中的場景或事件，例如市場，家庭室內裝飾，聚會，旅館場景和街道場景。

體裁繪畫源於早期的荷蘭繪畫的寫實和詳細的背景活動，其中希耶洛繆努斯·博斯（Hieronymus Bosch）和彼得·布魯蓋爾（Pieter Bruegel the Elder）最早成為其主要題材之一。風格反映了荷蘭社會日益繁榮的景象，隨著世紀的發展，環境逐漸變得更舒適，更富裕且經過精心描繪。

阿德里亞恩·布勞維爾（Adriaen Brouwer）被認為是佛蘭芒農民小酒館場景的主人。在布勞威爾（Brouwer）之前，農民通常是在戶外描繪的；他通常在樸素而昏暗的室內給他們看。其他共同題材是私密室內場景的藝術家包括Nicolaes Maes，Gerard ter Borch和Pieter de Hooch。Jan Vermeer專門研究中產階級生活的家庭室內場景；儘管他長期以來是一個非常晦澀的人物，但他現在是荷蘭歷史上最受推崇的體裁畫家。

威猛（Vermeer）的擠奶女工，1658年：威猛（Vermeer）是一位公認的荷蘭體裁繪畫大師，以其中產階級生活的室內場景而聞名。

靜物畫

靜物畫在荷蘭共和國的黃金時代盛行。

 

討論17世紀荷蘭靜物畫的主題和屬性

重要要點

關鍵點

·         Ambrosius Bosschaert是荷蘭共和國的早期靜物畫家之一。

·         靜物為畫家提供了展示他們處理困難紋理和復雜形式的能力的機會。

·         該VANITAS主題，道德的消息在靜物畫經常發現，提到生命的稍縱即逝的性質。

·         在16世紀中葉，出現了pronkstilleven風格，重點放在華麗和奇特的物體上。

·         靜物通常是通過在書中復制花朵來繪製的，因為荷蘭人是科學和植物繪圖和插圖的領導者。

關鍵詞

·         Vanitas：靜物畫的一種類型，象徵死亡和16世紀和17世紀荷蘭繪畫的特徵。

·         Pronkstilleven：17世紀在荷蘭產生的一種華麗的靜物畫風格。

概述：荷蘭靜物畫

荷蘭的靜物畫傳統很大程度上是由安布羅修斯·博沙特（Ambrosius Bosschaert，1573年至1621年）發起的，他是弗拉芒裔花卉畫家，他在該時期初期已定居在北方並建立了王朝。早期的靜物比較明亮，以簡單的方式安排了花束。從15世紀中葉開始，通常可以在黑暗的背景下被稱為巴洛克式的安排開始流行起來，威廉·範·埃爾斯特（Willem van Aelst，1627–1683）的作品就是例證。來自萊頓，海牙和阿姆斯特丹的畫家尤其擅長此類型。除了靜物畫之外，荷蘭人此時還領導著植物學和其他科學繪畫，版畫和書籍插圖的創作。

老人花瓶安布羅休斯（Ambrosius Bosschaert）的瓷瓶中的花朵：博沙特（Bosschaert）是早期的靜物畫家，建立了花卉畫家的朝代。

靜物主題

靜物提供了一個很好的機會來展示技巧，以非常細緻的效果以及非常逼真的光線效果來繪畫紋理和表面。各種質地，顏色和形狀的食物（銀色餐具，複雜的圖案以及在桌布和花朵上的細微褶皺）都對畫家構成了挑戰。

花卉畫是靜物的一種流行形式，受到瑪麗亞·範·奧斯特威克（Maria van Oosterwyck）和瑞秋·魯伊斯（Rachel Ruysch）等著名女畫家的青睞。枯死的動物以及活著但從死亡中研究過的鳥是另一個子類，死魚也是荷蘭人的主要飲食。亞伯拉罕·範·貝吉倫（Abraham van Beijeren）經常畫這個主題。

幾乎所有靜物都有道德主義的信息，通常是關於生命的短暫性。這就是所謂的Vanitas主題。Vanitas主題包含在明確的符號（例如頭骨）中，或者不那麼明顯的符號（例如半去皮檸檬）中（代表生活：外觀甜美但味苦）。花會枯萎，食物會腐爛，而銀對靈魂毫無用處。然而，在本世紀下半葉更為詳盡的作品中，這一信息的力量似乎不那麼強大。

最初，靜物畫的主題通常是平凡的。然而，從本世紀中葉開始，展示昂貴和奇特物體的pronkstilleven（“誇張的靜物畫”）開始流行。威廉·克拉斯松·赫達（Willem Claeszoon Heda（1595–c。1680）和Willem Kalf（1619–1693））是這一朝“ pronkstilleven”轉變的領導者。在所有靜物畫畫家的作品中，顏色趨於柔和，褐色居多，尤其是在本世紀中葉。

宴會靜物畫，亞伯拉罕·範·貝雷恩（Abraham Van Bereyen），1660年：這部作品是炫耀性靜物畫的例子。

儘管對單個花朵有強烈的寫實感，但繪畫是根據個人研究甚至書籍插圖創作的，來自不同季節的花朵通常都包含在同一作品中。像餐具一樣，同樣的花也出現在不同的作品中。實際上，當時在花瓶中的花瓶花束在家庭中並不普遍。即使是非常有錢的人也傾向於在delftware鬱金香夾中一一展示鮮花。