巴洛克與洛可可藝術
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巴洛克時期（Baroque period，約16世紀末至18世紀初）的歷史背景深受政治、宗教和文化變革的影響，這些變化塑造了巴洛克藝術的誕生與發展。此時期的歐洲正處於宗教改革與反宗教改革（Counter-Reformation）的激烈對抗之中，天主教和新教之間的分歧催生了藝術的繁榮和轉型。此外，君主專制的興起與新興的科學發現共同影響了巴洛克藝術的表現形式和主題選擇。
16世紀初期，宗教改革的興起使歐洲基督教世界分裂為天主教與新教兩大陣營。新教的興起挑戰了天主教的權威，導致了一系列的宗教衝突，包括三十年戰爭（1618–1648）。作為回應，天主教會發起了反宗教改革運動，並於1545年至1563年召開特倫托會議（Council of Trent），確立了一系列教義和宗教藝術的指導原則。會議強調藝術應以通俗易懂的方式來激發信徒的宗教情感，強調戲劇性和情感的力量，使信徒重新體驗神聖的震撼感。這種宗教背景為巴洛克藝術奠定了基礎，藝術家通過強烈的光影對比、生動的動態表現和宏大的構圖來傳達宗教的力量和神聖性。
政治上，君主專制的興起為巴洛克藝術提供了豐富的資金支持和創作空間。歐洲各國的君主將藝術視為彰顯其權力和地位的重要工具，特別是在法國、西班牙和奧地利等地。法國路易十四（Louis XIV）建造凡爾賽宮（Palace of Versailles）是一個典型例子，建築的宏偉規模與細緻的裝飾充分展現了國王的權威與威嚴。巴洛克藝術被用來塑造國家形象，同時強調秩序與控制，與當時的政治需求相契合。
經濟上，貿易與殖民的擴展為歐洲帶來了巨大的財富，也促進了藝術的贊助和文化交流。特別是在荷蘭黃金時代，因海上貿易而崛起的中產階級成為藝術的重要消費群體，他們更傾向於購買世俗題材的畫作，如風景畫、靜物畫和日常生活場景。這種新興的藝術市場使巴洛克藝術在宗教之外找到了多樣化的表現題材。
科學革命也是巴洛克時期的重要背景。哥白尼（Nicolaus Copernicus）、伽利略（Galileo Galilei）和牛頓（Isaac Newton）等科學家的發現挑戰了中世紀的宇宙觀，推動了對自然界和人類位置的新認識。這種新的視角反映在巴洛克藝術中，藝術家開始注重真實感和動態效果，使用透視法和光影技巧來強化畫面的空間感與戲劇性。
文化層面，巴洛克時期見證了人文主義向巴洛克美學的過渡。文藝復興時期對古典秩序與和諧的追求在巴洛克時期被戲劇化和情感化的表現方式取代。巴洛克藝術強調情感的爆發、運動的動態和視覺上的震撼感，這些特徵在建築、雕塑、繪畫和音樂中均有體現。例如，貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）設計的聖彼得廣場（St. Peter's Square）和其雕塑作品《聖泰瑞莎的狂喜》（Ecstasy of Saint Teresa）展示了巴洛克藝術對感官體驗和宗教情感的雙重訴求。
社會層面，巴洛克時期也是文化多樣性融合的時期。歐洲各地的藝術風格在宗教和政治的影響下相互交融，形成了地區性的巴洛克特色。例如，義大利的巴洛克藝術強調宗教戲劇性與神聖性，西班牙的巴洛克藝術則充滿了神秘的宗教情感和民族特徵，而北歐的巴洛克藝術更多表現了世俗和中產階級的生活場景。
巴洛克時期的歷史背景由宗教改革與反宗教改革的鬥爭、君主專制的興起、經濟擴展以及科學革命共同塑造，這些因素為藝術提供了多層次的動力，使其成為展現時代複雜性的視覺語言。巴洛克藝術不僅是一種形式上的創新，也是一種時代精神的具象化，反映了當時歐洲社會對權力、信仰和自然的深刻思考與表達。
巴洛克時期最重要的因素是宗教改革和改革，巴洛克風格的發展被認為與天主教緊密相關。實際上，這種風格的流行是受到天主教教會的鼓舞的，天主教教會在特倫特會議上決定，藝術應傳達宗教主題並指導情感參與新教改革。由於其獨特的政治和文化氛圍，巴洛克藝術在歐洲各個國家表現出不同的表現。
巴洛克藝術的特點
巴洛克藝術（Baroque Art）是16世紀末至18世紀初在歐洲蓬勃發展的一種藝術風格，以其戲劇性、情感表現力和豪華細緻的特徵而聞名。它的誕生受到宗教改革與反宗教改革的影響，並在政治、文化和經濟變遷的背景下不斷演進，涵蓋建築、繪畫、雕塑和音樂等多個領域。巴洛克藝術的特點反映了對感官的刺激、宗教的虔誠和權威的彰顯，同時融入了技術與美學的創新。
巴洛克藝術最顯著的特點是其戲劇性與情感張力。無論是在繪畫、雕塑還是建築中，巴洛克藝術都以強烈的對比、動態的構圖和戲劇化的光影效果來吸引觀眾的目光。例如，卡拉瓦喬（Caravaggio）的繪畫以其戲劇性的明暗對比（chiaroscuro）著稱，作品如《聖馬太蒙召》（The Calling of Saint Matthew）展現了光線的集中效果，使畫面中的人物和動作更加鮮活。同樣地，貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）的雕塑《聖泰瑞莎的狂喜》（Ecstasy of Saint Teresa）運用流動的動態姿態和情感飽滿的表情，使觀眾能深刻感受到神聖的力量與靈性。
動態感是巴洛克藝術的另一個重要特徵。巴洛克藝術常使用彎曲的線條和複雜的構圖來創造視覺上的運動和能量，這與文藝復興時期對靜態平衡的追求形成鮮明對比。在建築中，巴洛克風格的建築物通常採用波浪形的立面、螺旋形柱子和曲線裝飾，增添了結構的動感和戲劇性。例如，貝尼尼設計的聖彼得廣場（St. Peter’s Square）以半圓形的柱廊圍繞著廣場，創造了一種包容和流動的空間感，使觀眾在其中感受到強烈的動態氛圍。
光線的運用是巴洛克藝術中的重要元素。藝術家利用光線的變化來塑造物體、強調細節，並增強畫面或場景的戲劇性。這種對光線的掌控尤其體現在繪畫和雕塑中。卡拉瓦喬的作品通過明暗對比強調人物的三維立體感和情感深度，而貝尼尼的雕塑作品則利用光線在材質上的反射效果，使大理石表面呈現出肌膚般的柔滑質感。
裝飾性的華麗與豐富的細節是巴洛克藝術的另一大特徵。巴洛克藝術在裝飾風格上極為講究，經常運用雕刻、金箔、壁畫和馬賽克等多種技法來營造華麗的效果。例如，凡爾賽宮（Palace of Versailles）的鏡廳（Hall of Mirrors）以金光閃耀的裝飾和大幅的天花板壁畫展現了法國君主權力的豪華與威嚴。同時，巴洛克藝術也注重情感的表現，這種情感表現往往通過細緻的面部表情和姿態來實現，使觀者能產生深刻的情感共鳴。
宗教性是巴洛克藝術的重要主題。作為反宗教改革的一部分，巴洛克藝術試圖通過強烈的情感表達和戲劇化的宗教場景來加強信徒的宗教虔誠。例如，魯本斯（Peter Paul Rubens）的《耶穌下十字架》（The Descent from the Cross）描繪了基督受難後的悲劇性時刻，畫中的人物動作和表情充滿了張力與情感，深深打動了觀者。
在建築領域，巴洛克建築通過複雜的空間設計和視覺效果，創造出宏偉壯觀的氛圍。例如，羅馬的聖卡洛教堂（San Carlo alle Quattro Fontane），由建築師博羅米尼（Francesco Borromini）設計，其波浪形的立面和椭圓形的內部結構使空間充滿了流動感與和諧的動態美。
巴洛克藝術的地區特徵同樣值得關注。在義大利，巴洛克藝術的主題多為宗教性，作品強調情感表現與戲劇性；在西班牙，巴洛克藝術帶有濃厚的神秘感和民族特色，例如委拉斯開茲（Diego Velázquez）的宮廷畫《侍女》（Las Meninas）；在法國，巴洛克藝術與古典主義結合，形成了更注重秩序與宏偉的風格，如路易十四時期的建築和裝飾；而在北歐地區，巴洛克藝術更多地融入世俗題材，呈現了對日常生活的寫實描繪。
巴洛克藝術的多樣化特徵使其成為一種融合宗教、政治和文化的藝術形式，無論是在視覺效果的戲劇性、情感的表現力，還是技術和材質的運用上，都達到了歐洲藝術的巔峰水平。這一風格的豐富性和靈活性，不僅在當時吸引了廣泛的觀眾，也對後世的藝術創作產生了深遠影響。
巴洛克風格的特點是誇張的動作和清晰的細節，使戲劇，繁榮和雕塑，繪畫，建築，文學，舞蹈和音樂富麗堂皇。巴洛克式的肖像畫是直接，明顯和戲劇性的，旨在首先吸引感官和情感。
使用明暗對比技術是巴洛克藝術的一個眾所周知的特徵。該技術指的是明暗之間的相互作用，通常用於昏暗場景的繪畫中，以產生非常高對比度的戲劇性氣氛。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）的畫作《無辜者的慘案》中可以看到明暗對比法。其他重要的巴洛克畫家包括卡拉瓦喬（Caravaggio，被認為是樂團的先驅，並以特寫動作和強烈的對角線為特徵而聞名）和倫勃朗。
洛可可藝術的特點
洛可可藝術起源於18世紀初期的法國，是一種以輕快、優雅和奢華著稱的藝術風格。這種風格誕生於巴洛克藝術的基礎之上，但其表現更注重情感的流露與生活的愉悅，摒棄了巴洛克風格的莊嚴與戲劇性。洛可可藝術的名稱源自法文「rocaille」，意為以貝殼和岩石裝飾為主的細緻設計，這種裝飾性語彙成為洛可可藝術的標誌之一。
洛可可藝術的主要特點在於其對細節的關注和對生活情趣的追求，這表現在建築、繪畫、雕塑、室內設計以及裝飾藝術等多個領域。在建築和室內設計中，洛可可風格以曲線和非對稱的設計為核心，其裝飾圖案常以自然元素為靈感，如花卉、藤蔓、貝殼等，呈現出一種流動和活潑的視覺效果。這些圖案通常以精緻的浮雕形式展現在牆面、天花板、家具和其他室內裝飾品上，並以柔和的色彩搭配金箔來增強華麗感。
在室內空間的設計上，洛可可藝術注重營造私密而舒適的氛圍，特別適合宮廷貴族的沙龍活動和私人聚會。其裝飾細節不僅展現在牆壁和天花板上，還延伸至門窗框架、家具造型和日常用品。洛可可的室內空間通常給人一種親密、溫暖的感受，與巴洛克的莊嚴和宏大形成強烈對比。以法國的凡爾賽宮小特里亞儂（Petit Trianon）為例，其內部裝飾展現了洛可可風格的典型特徵，空間雖小但富於美感，特別是光影效果的運用，使得室內顯得明亮而輕盈。
洛可可藝術在繪畫領域同樣有著鮮明的特徵。此時期的繪畫風格注重描繪柔和的色調、輕快的場景以及感性的情感流露。題材通常與貴族生活息息相關，如田園風光、戀愛場景、神話故事等，畫中人物大多姿態優雅，表情愉悅，營造出一種充滿詩意的氛圍。著名的洛可可畫家如讓-安托萬·瓦托（Jean-Antoine Watteau）和弗朗索瓦·布歇（François Boucher），他們的作品將洛可可藝術的輕盈與浪漫發揮到極致。例如，瓦托的《舟發西苔島》（The Embarkation for Cythera）描繪了一群貴族男女前往愛神島的場景，畫面中充滿了柔和的光線和流動的線條，使觀者感受到畫中人物的浪漫情懷。
洛可可風格在雕塑領域的表現也極為突出。雕塑作品的尺寸通常較小，適合擺放在宮廷沙龍或貴族府邸內，主題多為神話故事、愛情場景或自然界的細節描繪。這些作品以其細膩的雕刻技術和柔和的線條著稱，表現出一種流動感和活潑的生命力。例如，克洛德·米歇爾（Claude Michel，又名Clodion）的作品《仙女與丘比特》（Nymph and Cupid）便是一個典型的例子，展現了洛可可藝術對感性美的讚頌。
洛可可藝術在裝飾藝術領域的應用尤為廣泛，涵蓋了家具設計、瓷器、金屬工藝和織品等方面。家具設計常採用曲線優美的外型，並以精緻的雕刻裝飾表面，經常搭配金箔和柔和的彩繪圖案，使得家具本身成為一件藝術品。瓷器製品是洛可可藝術的重要代表之一，特別是在法國塞夫勒瓷廠（Sèvres）和德國邁森瓷廠（Meissen）生產的作品中，體現出極高的藝術價值。這些瓷器以其鮮明的色彩、細膩的圖案以及優雅的造型著稱，常被用作裝飾品或宮廷的珍貴禮物。
此外，洛可可藝術對歐洲貴族文化產生了深遠的影響，不僅在建築和藝術品中表現出來，也滲透到了時尚、音樂和戲劇等生活層面。在時尚領域，洛可可風格體現為華麗的服裝設計和精緻的配飾，女性服飾特別注重腰部的纖細與裙擺的蓬鬆，而男性服裝則以繁複的刺繡和優雅的剪裁為特色。在音樂方面，洛可可風格與早期古典主義相融合，作曲家如卡爾·菲利普·埃曼努埃爾·巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach）和弗朗索瓦·庫普蘭（François Couperin）的作品便展現了這種風格的輕快和優雅特質。
洛可可藝術雖然在18世紀末期隨著新古典主義的興起而逐漸被取代，但其獨特的藝術特徵和對生活情趣的詮釋仍然對後世產生了深遠影響。這種藝術風格在當代仍被視為歐洲藝術史上一個重要的篇章，為人們展現了18世紀貴族文化的精緻與優雅。
洛可可室內設計風格
洛可可室內設計風格起源於18世紀初的法國，特別是在路易十五（Louis XV）時期的宮廷中盛行，隨後傳播至歐洲其他地區。這種風格以其輕盈、華麗、精緻和細膩著稱，是對巴洛克風格的一種延伸與柔化。洛可可室內設計的核心在於創造親密、愉悅且充滿裝飾細節的空間氛圍，並以高度的藝術性體現貴族生活的優雅和奢華。
洛可可風格在室內設計中非常注重空間的裝飾性，牆壁、天花板、門窗框架甚至傢俱表面都被賦予豐富的裝飾細節。這些裝飾通常以自然界的元素為靈感來源，例如花卉、藤蔓、葉片、貝殼、漩渦和其他有機形狀，並透過雕刻、浮雕和繪畫等多種藝術形式表現出來。這些圖案強調曲線和不對稱性，流暢的線條和輕快的節奏讓空間顯得更加靈動且富有生命力。
在牆面和天花板的設計中，洛可可風格以繁複的裝飾和華麗的細節著稱。牆面通常被分為多個框架，每個框架內可能包含浮雕、鏡面或壁畫，而這些框架本身的邊緣通常裝飾有金箔或雕刻圖案，形成一種層次感。天花板則常見大型的壁畫或浮雕，描繪神話場景、田園風光或愛情故事，並搭配水晶吊燈，使空間更加明亮和輕盈。整體設計通常強調從牆面到天花板的連續性，創造出一種無縫的視覺效果。
顏色的選擇是洛可可室內設計的重要特徵之一，通常以柔和的色調為主，例如奶白、淡粉、淺藍、淡綠和金色等。這些色彩的使用營造出溫暖、親切的氛圍，同時增強了室內的明亮感。金箔的點綴則為空間增添了華麗的光澤，使整體設計更顯奢華。這種色彩搭配不僅在牆面和天花板上體現，還延伸到傢俱、窗簾和地毯的選擇中，形成統一而和諧的美感。
洛可可風格在室內設計中特別強調傢俱的藝術性與實用性結合。傢俱的造型多以曲線為主，結構輕盈且精緻，常見的傢俱包括小型沙發、優雅的椅子和功能性的桌子，這些傢俱常以精美的雕刻和柔和的布料裝飾，搭配金箔、彩繪或珍貴木材。椅子和沙發的設計以舒適為核心，椅背和椅腳多以曲線形態呈現，並使用緞面或絲質布料覆蓋，增添觸感上的愉悅。
鏡子的運用在洛可可室內設計中也占據重要地位。大面積的鏡面不僅用於牆壁裝飾，還通過反射光線來放大空間感，增加室內的明亮程度。這些鏡子通常以華麗的框架包裹，框架上雕刻有花卉、藤蔓或其他裝飾圖案，與周圍的牆面裝飾形成呼應。同樣，水晶吊燈也經常出現在洛可可室內空間中，它們既是光源，也是藝術品，華麗的水晶折射出迷人的光影，進一步突顯空間的奢華感。
地毯和窗簾的設計也是洛可可室內設計中的重要組成部分。地毯通常以柔和的圖案和色彩為主，與室內其他裝飾元素相協調，並在材料上選用高品質的絲綢或羊毛。窗簾則通常採用多層設計，使用輕薄的紗布搭配厚實的緞布，並以精緻的流蘇或綁帶作為裝飾，增添優雅感。這些元素共同作用，為室內空間注入柔和而細膩的視覺效果。
洛可可風格在室內設計中的另一個重要特徵是其對功能性和親密感的強調。與巴洛克時期的大型公共空間不同，洛可可室內設計更注重小型化和私密性，特別適合貴族沙龍活動和私人會晤。沙龍空間通常設計為輕鬆愉快的氛圍，讓人們能夠輕鬆交流和享受社交活動。這些空間中的每個細節都被精心設計，以提升整體的美感與使用體驗。
洛可可室內設計風格還充分反映了18世紀貴族生活方式的特點。從壁爐周圍的細緻裝飾到書房中優雅的小型書桌，再到臥室中輕盈的床幔，所有的設計都體現出對美感和舒適的追求。這種風格的空間設計不僅僅是功能性的需求，更是一種生活態度的表現，彰顯了貴族對藝術和奢華生活的熱愛。
洛可可室內設計的輕快和柔美使其成為一個與眾不同的藝術時期代表，不僅對當時的貴族社會產生了深遠影響，還在後世的設計中留下了許多靈感。這種風格以其細膩的裝飾和對親密氛圍的營造，為人們提供了一個藝術與生活完美融合的範例。
洛可可服飾設計風格
洛可可時期的服飾設計是18世紀歐洲貴族生活的縮影，充分展現了當時人們對奢華、精緻與優雅的追求。這一風格受路易十五（Louis XV）時期的文化氛圍影響，服裝設計不僅體現了貴族的社會地位，更是一種美學的表現形式。洛可可服飾的特點可以從剪裁、材料、色彩與裝飾細節等多方面加以分析，這些特徵在男女服飾中各有不同，但均以講究和華麗為核心。
女性服飾是洛可可風格中最引人注目的部分，特別是在宮廷和貴族社交場合。這一時期女性的裙裝設計以誇張的體積和複雜的細節為特徵，裙撐（pannier）是其中的關鍵結構。裙撐的主要功能是將裙擺側向撐起，形成寬大而扁平的輪廓，使女性身形呈現出戲劇性的對比，腰部顯得格外纖細。這種裙型的設計使穿著者在社交場合中更為顯眼，也體現出對奢華和風格的追求。
裙裝的上半身則注重強調胸部與腰部的對比，通過緊身胸衣（corset）來塑造纖細的腰身與高挺的胸型。緊身胸衣通常使用絲綢或緞面製作，並加以刺繡、蕾絲和金屬絲等裝飾，以提升整體的華麗感。裙裝的布料選用高品質的絲綢、天鵝絨和提花織物，並常搭配手工繪製的圖案或刺繡設計，這些圖案多以花卉、藤蔓和愛神丘比特為主題，展現了洛可可風格對自然與浪漫的偏愛。
洛可可女性服飾的顏色選擇以柔和、清新的色調為主，例如淡粉、淺藍、米白、奶綠和鵝黃等。這些色彩的運用讓服飾更具輕盈感，同時反映了洛可可時期對輕快和愉悅氛圍的追求。色彩之間的搭配講究和諧與層次，並通過金屬線條和亮片點綴，增添服裝的光澤和立體感。
男性服飾在洛可可時期同樣表現出高度的裝飾性與講究。男性禮服（habit à la française）通常包括外套（justaucorps）、背心（waistcoat）和膝蓋長褲（breeches）三個部分。外套的剪裁注重修身效果，肩部與腰部的線條明顯，強調身形的優雅與穩重。背心則通常採用與外套對比的顏色或圖案，並以精緻的刺繡加以裝飾，使整體服裝更顯層次感。
男性服飾的布料與女性服飾同樣注重質感與華麗，多使用絲綢、緞面和羊毛等高級材料，並在外套的袖口、領口和衣擺處加以蕾絲或金屬刺繡點綴。顏色方面，男性服飾雖不如女性服飾那樣柔和，但仍然以明亮和富有光澤的色調為主，例如紅、金、銀和深藍，這些顏色既展現了男性的貴族氣質，也與洛可可風格的輕快特質相吻合。
裝飾細節是洛可可服飾的重要特色之一，無論是男女服裝，都以細緻入微的設計為亮點。蕾絲、絲帶、流蘇和羽毛是這一時期最常見的裝飾元素，經常被用於領口、袖口和裙擺處，以增強服裝的層次感和華麗效果。此外，女性的裙裝還經常搭配裝飾性的腰帶和飾品，如珍珠項鍊、胸針和手套，這些配件進一步提升了整體造型的精緻度。
頭飾與髮型是洛可可服飾設計中不可或缺的一部分。女性的髮型在這一時期達到了前所未有的高度與複雜性，許多人會利用假髮和髮墊將頭髮盤起，並裝飾以花卉、羽毛、珠寶甚至微型場景模型，形成誇張而華麗的視覺效果。男性的髮型則相對簡潔，但假髮仍是貴族服飾的一部分，常以白色或淺灰色為主，並在髮尾綁以絲帶或流蘇。
鞋履方面，洛可可風格也體現出對美感與細節的重視。女性的鞋子通常是高跟設計，以絲綢或緞面製成，並裝飾有刺繡、珠寶或緞帶。男性的鞋履則多為低跟設計，鞋面採用優質皮革或織物製成，並以金屬扣或絲帶作為裝飾，整體風格與服裝相協調。
洛可可時期的服飾設計不僅是時尚的體現，更是當時社會文化與審美的縮影。透過這些服裝，人們可以窺見18世紀貴族對生活的熱愛與對藝術的追求，這一風格在歐洲服裝史上留下了深遠的影響。
彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）的《無辜者慘案》：《明暗對比》指的是光與暗之間的相互作用，這是一種常用於昏暗的場景繪畫中產生高對比度，戲劇性氣氛的技術。這種技術在彼得·保羅·魯本斯的這幅畫中可見。
在巴洛克風格的建築中，重點放在大膽的空間，穹頂和大型建築群上，例如葡萄牙的Queluz國家宮殿。在音樂方面，巴洛克風格構成了古典教規的很大一部分。重要的作曲家包括Johann Sebastian Bach，George Handel和Antonio Vivaldi。在此期間的後期，巴洛克風格被稱為洛可可風格，這種風格以裝飾性和精細化作品為特徵。
葡萄牙奎魯茲故宮（Queluz National Palace）：在巴洛克風格的建築中，重點放在大膽的空間，穹頂和大型建築群上，例如葡萄牙的奎魯茲故宮。
巴洛克時期的建築
巴洛克時期的義大利建築是17世紀歐洲藝術的核心部分，以其戲劇性、動態感、豐富的裝飾性和情感表現力著稱。義大利作為巴洛克藝術的發源地，其建築風格受宗教、政治和文化多重因素的影響，既展現了反宗教改革（Counter-Reformation）運動中天主教的力量，又體現了羅馬作為歐洲文化與宗教中心的地位。義大利巴洛克建築主要集中在羅馬，並由一批才華橫溢的建築師如卡洛·馬德爾諾（Carlo Maderno）、貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）和波羅米尼（Francesco Borromini）等人推動，創造出許多經典之作。
義大利巴洛克建築的主要特徵是其動態的結構和強烈的視覺效果。這種風格的建築通過曲線、波浪形的立面以及複雜的幾何形狀來打破傳統建築的對稱性與靜態美學。聖彼得大教堂（St. Peter's Basilica）的完成標誌著巴洛克建築的開端。該教堂的立面由馬德爾諾設計，而圓形廣場則由貝尼尼負責，他以柱廊圍繞廣場，營造出一種包容與神聖的氛圍。這種設計既具有宏偉的紀念性，又將信徒的注意力集中在教堂的核心，彰顯了巴洛克建築的戲劇性和宗教感召力。
貝尼尼是義大利巴洛克建築的重要人物之一，他的作品展現了建築與雕塑的完美結合。除了聖彼得大教堂的廣場設計，他還負責設計了聖天使堡（Castel Sant'Angelo）的巴洛克改建以及聖泰瑞莎的狂喜（Ecstasy of Saint Teresa）中的裝飾性建築。這些作品強調視覺與情感的結合，利用光影效果增強戲劇性，成為巴洛克建築的典範。
波羅米尼則是義大利巴洛克建築的另一位先鋒，他的設計充滿了幾何創新和靈感。聖卡洛教堂（San Carlo alle Quattro Fontane）和聖依沃教堂（Sant'Ivo alla Sapienza）是他最具代表性的作品，這些建築通過流動的曲線和複雜的幾何形狀表現出強烈的動態感。聖卡洛教堂的波浪形立面突破了傳統建築的對稱性，而內部的椭圓形穹頂則通過光線引入創造出神聖與靜謐的空間感。波羅米尼的設計以其非傳統的結構和創意，對義大利巴洛克建築產生了深遠的影響。
宗教建築在義大利巴洛克建築中占據核心地位，許多教堂和修道院都採用了巴洛克風格，以強調天主教信仰的神聖性與威嚴。例如，耶穌會教堂（Church of the Gesù）是義大利巴洛克宗教建築的早期範例，其華麗的內部裝飾和高大的穹頂展示了巴洛克風格的裝飾性和象徵意義。同樣，聖安德烈奧教堂（Sant'Andrea al Quirinale）由貝尼尼設計，其圓形結構和華麗的祭壇設計將信徒的目光引向中央，營造出神聖且戲劇化的宗教體驗。
義大利巴洛克建築在宮殿和公共建築中也有顯著表現，例如羅馬的奎里納雷宮（Palazzo del Quirinale）和威尼斯的總督府（Doge's Palace）均結合了巴洛克的宏偉感和實用性。這些建築的立面經常採用大型柱式和浮雕裝飾，展現出權威與力量。同時，巴洛克建築還注重與周圍環境的融合，設計常考慮到建築與城市空間之間的關係。例如，聖彼得廣場的柱廊設計不僅強調教堂的核心地位，也創造了一個容納信徒的公共空間，成為城市規劃與建築設計的典範。
義大利巴洛克建築還通過劇院和庭園設計展現其多樣性，例如羅馬的巴貝里尼宮（Palazzo Barberini）結合了建築與庭園設計，形成了一種統一而和諧的視覺效果。這些設計不僅展示了建築的戲劇性，也體現了巴洛克時期對自然與人工結合的追求。
義大利巴洛克建築在視覺效果、結構創新和情感表現上的卓越成就，使其成為巴洛克藝術的典範之一。無論是在宗教建築、宮殿還是公共空間中，義大利巴洛克建築都展現了對形式、空間和裝飾的高度掌控，為歐洲建築史留下了重要的遺產。
巴洛克時期的義大利建築
巴洛克時期的建築始於16世紀後期的義大利羅馬。它採用了文藝復興時期建築的羅馬詞彙，並以一種新的修辭和戲劇方式使用了它，通常是用來表達天主教會和專制國家的勝利。它的特點是對形式，光影和戲劇性強度的新探索。
儘管文藝復興利用義大利法院的財富和權力，是世俗和宗教力量的融合，但巴洛克最初至少與反改革直接相關，天主教在天主教內部進行改革以回應自身對新教改革。巴洛克式的建築及其裝飾一方面更容易讓人產生情感，另一方面又可以看到天主教的財富和力量。
羅馬的巴洛克時期的許多教堂建築都基於義大利大教堂的範例，帶有交叉的穹頂和中殿，但對建築的處理方式與以前的處理方式大不相同。最早打破傳統風格的羅馬建築之一是由卡洛·馬德諾設計的聖蘇珊娜教堂。立柱和壁架的動態節奏，中央質量以及突出和濃縮的中央裝飾增加了結構的複雜性。最初的設計規則很有趣，但是仍然保持著嚴格的水平。
卡洛·馬德諾（Carlo Maderno）的聖蘇珊娜立面（Santa Susanna）：這座教堂的設計元素標誌著與當時流行的風格主義建築風格背道而馳。
彼得羅·德·科爾托納
在彼得羅·達·科爾托納（Pietro da Cortona）的建築作品中，對可塑性，質量，戲劇性效果以及陰影和光線的關注也很明顯，他的桑蒂·盧卡·馬蒂納（Santi Luca e Martina）設計（始建於1635年）就說明了這一點。在羅馬的巴洛克式教堂外觀。這些憂慮在他對聖瑪麗亞·德拉佩斯（Santa Maria della Pace）（1656–8）的改造中更加明顯。建築的立面帶有明暗對比半圓頂門廊和凹入的側翼，與戲劇舞台佈景非常相似，並且向前伸出，因此基本上充滿了梯形的小廣場。
聖瑪麗亞·德拉·佩斯（Santa Maria Della Pace）：彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona）恢復了聖瑪麗亞·德拉·佩斯的建築，增添了巴洛克風格的立面。
吉安·洛倫佐·貝尼尼
弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini，1599–1667）是巴洛克時期最重要且最具創意的建築師之一。他以非傳統的設計理念和革新性的建築語言聞名，創作了許多經典的巴洛克建築，對歐洲建築史產生了深遠影響。波羅米尼的作品充滿動感和戲劇性，融合了幾何學、光線和裝飾藝術的巧妙運用，打破了當時傳統建築風格的束縛，開創了嶄新的建築形式。
波羅米尼出生於瑞士的比索內（Bissone），他原名弗朗切斯科·卡斯特利（Francesco Castelli）。他的父親是石匠，波羅米尼早年便接觸到建築工藝，後來前往米蘭學習建築與雕刻技術。1620年，他移居羅馬，成為當地建築師卡洛·馬德爾諾（Carlo Maderno）的助手，參與聖彼得大教堂（St. Peter's Basilica）的設計工作，並受到馬德爾諾的技術影響和啟發。
波羅米尼的設計思想以打破建築傳統為核心，他對幾何形式有著深刻的理解，尤其擅長將曲線與曲面融入建築結構中，創造出動態的視覺效果。他強調建築與空間之間的相互作用，注重光線和陰影在建築中的運用，以營造情感和精神上的深刻共鳴。波羅米尼認為建築不僅是功能與形式的結合，更是一種可以觸發情感的藝術表現。
波羅米尼的代表作之一是聖卡洛教堂（San Carlo alle Quattro Fontane），位於羅馬。這座教堂是他早期的傑作，以其波浪形的立面和椭圓形的內部設計聞名。立面曲線優美，充滿運動感，打破了傳統建築的對稱與靜態美學。教堂的內部結構更加令人驚嘆，採用了複雜的幾何設計，特別是椭圓形的穹頂，通過光線的引入強調空間的深度與靈性，為巴洛克建築樹立了新的標杆。
另一座重要的作品是聖依沃教堂（Sant'Ivo alla Sapienza），同樣位於羅馬。這座教堂被認為是波羅米尼的巔峰之作，以其六角星形的平面設計和動態的螺旋塔樓著稱。波羅米尼在設計中融合了數學、幾何與神學的象徵意涵，建築的平面布局採用了星形與花瓣形的結合，象徵智慧與神聖性。螺旋塔樓則展示了他對視覺效果與結構創新的極致追求，成為巴洛克建築的一個標誌性元素。
波羅米尼還參與了許多修道院和宮殿的設計，例如普拉多大修道院（Palazzo di Propaganda Fide）和拉泰朗修道院（Lateran Complex）。他的作品在結構設計與裝飾上都展現了高度的創造力與技術水平，特別是在有限的空間中營造宏偉感方面極具巧思。他的設計通常採用弧形牆面、雕刻裝飾和精心安排的光線，這些元素相互結合，創造出引人入勝的空間體驗。
波羅米尼的建築風格在當時引起了很大的爭議，他的設計理念被一些人視為激進且離經叛道。然而，他對巴洛克建築的貢獻是不容忽視的。他的作品影響了後來的建築師，特別是在空間設計、光線運用和結構表現方面，他的創新性設計對洛可可時期建築風格的發展也產生了重要影響。
波羅米尼的晚年生活相對孤獨，他因健康問題和精神壓力深受折磨，並於1667年結束了自己的生命。他的建築雖然在當時未能完全被接受，但隨著時間的推移，波羅米尼被公認為巴洛克建築的革新者和大師，他的作品成為建築史上的經典範例，展現了對藝術、科學和宗教的深刻理解與融合。
巴洛克時期和巴洛克時期晚期的其他羅馬合奏團也充滿戲劇性，並且作為城市劇院，在周圍的城市景觀中提供了焦點。這種方法最著名的例子可能是聖彼得廣場，它被譽為巴洛克劇院的絕技。廣場由吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）設計，主要由以埃及方尖碑為中心的兩個獨立柱廊組成。貝爾尼尼最喜歡的設計是他的橢圓形教堂聖安德里亞·基里納萊（Sant'Andrea al Quirinale），裝飾著多頭大理石和華麗的金色圓頂。他的世俗建築包括羅馬的巴貝里尼宮（根據馬德諾的計劃）和奇吉-奧德斯卡奇宮（1664年）。
吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）撰寫的聖彼得廣場（St. Peter's Square）：聖彼得廣場是巴洛克戲劇性的標誌性例子。
弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini）
弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini，1599–1667）是17世紀意大利巴洛克建築的重要代表人物之一，以其創新且極富表現力的建築設計聞名。他的作品充滿動態感、幾何巧思和情感深度，在巴洛克時期的建築史中具有獨特地位。波羅米尼出生於瑞士的比索內（Bissone），原名弗朗切斯科·卡斯特利（Francesco Castelli），父親是一名石匠，這使他自幼便接觸建築工藝，並對建築產生濃厚興趣。
年輕時期，波羅米尼在米蘭接受建築訓練，隨後前往羅馬，進入當時著名建築師卡洛·馬德爾諾（Carlo Maderno）的工作室，參與了聖彼得大教堂（St. Peter's Basilica）的設計工作。馬德爾諾的技術影響了波羅米尼的早期創作，他在此期間也結識了貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini），這位天才雕塑家與建築師後來成為他的主要競爭對手。兩人的設計理念截然不同，波羅米尼更加注重幾何創新與空間的內在表現，而非純粹的裝飾華麗。
波羅米尼的建築思想以挑戰傳統為核心，他主張建築不僅僅是對功能需求的滿足，更應成為情感與精神的載體。他強調曲線和曲面在建築中的運用，以動態和有機的設計打破傳統對稱與靜態的美學原則。他的創作體現了巴洛克建築中的戲劇性與宗教情感，並通過光線、空間和幾何形狀的運用，創造出引人入勝的視覺效果。
他的代表作品之一是位於羅馬的聖卡洛教堂（San Carlo alle Quattro Fontane），這座教堂以其波浪形的立面和椭圓形的內部設計聞名。外立面的曲線運用突破了傳統建築的剛性結構，展現出動感與柔和的結合。教堂內部採用椭圓形平面布局，並以巧妙的光線安排增強空間深度，使整個建築充滿靈性和詩意。聖卡洛教堂被認為是巴洛克建築設計的巔峰之作，也是波羅米尼設計理念的完美體現。
波羅米尼的另一重要作品是聖依沃教堂（Sant'Ivo alla Sapienza），這座教堂融合了數學、幾何與宗教象徵的設計。教堂的平面布局採用六角星形，寓意智慧與神聖性，塔樓的螺旋設計則增添了視覺上的戲劇效果。建築的光影效果與內部結構完美結合，呈現出強烈的動感與靈性，是巴洛克時期宗教建築的典範。
此外，波羅米尼還參與了羅馬其他重要建築的設計與改建工作，如普拉多大修道院（Palazzo di Propaganda Fide）和拉泰朗修道院（Lateran Complex）。這些建築體現了他對細節的極致追求和對空間利用的創新能力。他善於在有限的空間中創造宏偉感，並通過雕刻與裝飾提升建築的戲劇性和美學價值。
波羅米尼的設計理念在當時引發爭議，他的作品被一些人認為過於大膽，甚至離經叛道，但他的建築天賦無法被忽視。他的晚年因健康問題和個人壓力而備受折磨，最終於1667年以自我了結的方式結束了生命。儘管如此，他的建築思想和作品在後世得到了廣泛的認可與尊崇，成為巴洛克建築不可或缺的一部分。波羅米尼用其設計突破了建築的傳統界限，將幾何學、光線與情感融入建築語言中，為建築史留下了不可磨滅的印記。
貝爾尼尼的競爭對手建築師弗朗切斯科·波羅米尼（Francesco Borromini）設計的作品與古代世界和文藝復興時期的常規作品大相徑庭。他的建築計劃基於復雜的幾何圖形，他的建築形式不尋常且富有創造力，他在建築設計中採用了多層象徵主義。他的標誌性傑作是小巧的San Carlo alle Quattro Fontane教堂，其特點是複雜的平面佈置，部分為橢圓形，部分為十字形，使其具有復雜的凹凸面牆節奏。
卡洛·豐塔納
1680年貝爾尼尼去世後，卡洛·豐塔納（Carlo Fontana）成為巴洛克時期在羅馬工作的最具影響力的建築師。San Marcello al Corso的稍微凹入的外牆體現了他的早期風格。豐塔納（Fontana）的學術方法雖然缺乏羅馬前輩的耀眼發明力，但通過他多產的著作和他受過培訓的建築師的數量，對巴洛克建築產生了重大影響，這些建築師將在整個18世紀的歐洲傳播巴洛克的成語。
巴洛克時期的西班牙建築
17世紀後期，西班牙，其各省和前殖民地演變出一股特殊的巴洛克式建築。巴洛克時期的西班牙建築融合了宗教熱情、皇室權威和地方傳統，是歐洲巴洛克藝術中一個獨特的分支。它以其戲劇性、裝飾性和情感表現著稱，並結合了西班牙本土的穆德哈爾風格（Mudéjar style）、哥特式傳統以及文藝復興時期的古典元素。巴洛克建築在17至18世紀的西班牙經歷了繁榮發展，特別是在宗教建築和宮廷建築中體現了明顯的特色，代表了西班牙天主教信仰的力量與哈布斯堡王朝和波旁王朝的權威。
西班牙巴洛克建築的一個顯著特點是其極具裝飾性的立面設計，被稱為查里尼斯克風格（Churrigueresque style）。這種風格以建築師家族查里瓜拉（Churriguera）命名，其特徵包括複雜的雕刻裝飾、大量的曲線和植物圖案，並強調立體感與戲劇性。薩拉曼卡大學（University of Salamanca）的巴洛克立面是查里尼斯克風格的代表作品之一，其精美的雕刻圖案包括聖經故事、動物形象和幾何裝飾，展示了高超的技術與藝術表現力。
宗教建築是西班牙巴洛克建築的核心。塞維利亞的主教座堂（Seville Cathedral）和托萊多主教座堂（Toledo Cathedral）在巴洛克時期進行了部分改建，融入了巴洛克裝飾和結構元素。例如，托萊多主教座堂的透明窗（Transparente）是由建築師納爾西索·托梅（Narciso Tomé）設計的巴洛克傑作，結合了雕刻、彩色玻璃和繪畫，利用光線與視覺效果營造出神聖與戲劇的氛圍。這種設計強調宗教建築的情感感染力，深刻體現了反宗教改革運動對藝術的要求。
馬德里的皇家建築是西班牙巴洛克風格的另一重要範疇，展現了哈布斯堡王朝和波旁王朝對宮廷藝術的贊助與推動。阿爾卡薩王宮（Alcázar of Madrid）是哈布斯堡王朝的一座重要建築，雖然大部分被火災毀壞，但其巴洛克改建部分反映了王室的奢華與威嚴。1734年重建的馬德里王宮（Royal Palace of Madrid），由波旁王朝的建築師費利佩·朱瓦拉（Filippo Juvarra）和喬萬尼·薩切蒂（Giovanni Battista Sacchetti）設計，融合了義大利巴洛克和法國古典主義的元素，並以其壯麗的外觀和精緻的內部裝飾成為西班牙巴洛克建築的代表之一。
修道院建築是西班牙巴洛克建築的另一大特色。埃斯科里亞爾修道院（El Escorial）雖然建於文藝復興時期，但在巴洛克時期經過裝飾性的改建，成為宗教與世俗權力結合的象徵。巴洛克時期的新建修道院如格拉納達的聖哲羅姆修道院（Monastery of Saint Jerome）以其裝飾華麗的教堂內部和立面設計著稱，強調宗教建築的壯麗和情感力量。
西班牙巴洛克建築也體現在城市廣場和公共建築的設計中。馬德里的太陽門廣場（Puerta del Sol）和薩拉曼卡的大廣場（Plaza Mayor of Salamanca）是這一時期城市規劃與建築的傑出例子。這些廣場通常以對稱的佈局和宏偉的建築群組成，成為城市生活與政治活動的中心，同時彰顯了巴洛克建築的紀念性和功能性。
在西班牙殖民地，巴洛克建築同樣繁榮發展，特別是在拉丁美洲地區形成了獨特的殖民地巴洛克風格（Colonial Baroque）。墨西哥的普埃布拉大教堂（Puebla Cathedral）和秘魯利馬的聖方濟各修道院（Monastery of San Francisco）是殖民地巴洛克建築的典型例子，這些建築融合了西班牙巴洛克風格與當地文化和材質，形成了具有地方特色的建築語言。
西班牙巴洛克建築通過其豐富的裝飾語言、戲劇性的視覺效果和宗教情感的深刻表現，成為17至18世紀歐洲建築的重要組成部分。無論是在宗教建築、宮廷建築還是公共空間中，巴洛克風格都展現了西班牙獨特的文化與歷史內涵，為後世藝術和建築提供了豐富的靈感與借鑒。
西班牙巴洛克的發展
西班牙巴洛克式建築是巴洛克式建築的一小部分，該建築在17世紀末期在西班牙及其省份和前殖民地（尤其是西班牙美洲和比利時）演變而來。隨著義大利巴洛克風格的影響遍及比利牛斯山脈，他們逐漸取代了自16世紀後期開始盛行的經典的胡安·德·埃雷拉風格。
例如，到1667年，格拉納達大教堂（由阿隆索·卡諾（Alonso Cano）編寫）和哈恩大教堂（由EufrasioLópezde Rojas編寫）的外立面表明，藝術家在巴洛克美學成語中善於詮釋西班牙大教堂建築的傳統圖案。在馬德里，市長廣場和埃爾布恩雷蒂羅皇宮開發了一種以巴勒克人和傳統磚建築為根基的白話巴洛克式建築，該建築在法國入侵時被拿破崙的軍隊摧毀。其花園仍然保留為El Retiro公園。這座17世紀清醒的磚巴洛克風格仍然在首都的宮殿和廣場的街道上得到了很好的體現。
馬約爾廣場（Plaza Mayor）：以西班牙巴洛克式建築而聞名的馬約爾廣場（Plaza Mayor）的三個側面。
與北歐的比較
與北歐藝術形成鮮明對比的是，該時期的西班牙藝術吸引了人們的情感，而不是取悅於智力。專門設計祭壇和餐桌的Churriguera家族反對Herrerian古典主義的清醒精神，並推廣了一種複雜的，誇張的，幾乎反复無常的表面裝飾風格，稱為Churrigueresque。在半個世紀之內，他們將薩拉曼卡變成了模範的Churrigueresque城市。在1680年至1720年之間，Churriguera推廣了瓜里尼（Guarini）所羅門列和混合秩序的混合體，稱為“最高秩序”。在1720年至1760年之間，倒立的圓錐形或方尖碑形的Churrigueresque柱或estipite被確立為裝飾的中心元素。
卡拉瓦卡德拉克魯斯。：Churrigueresque柱或estipite是西班牙巴洛克風格裝飾的主要元素，如卡拉瓦卡德拉克魯斯教堂的Estipite所示。
著名的例子
西班牙巴洛克風格最吸引眼球的作品有瓦拉多利德大學（Diego Tome和Fray Pedro de laVisitación，1719）的充滿活力的立面以及聖地亞哥德孔波斯特拉（Santiago de Compostela）大教堂的西立面（或Fachada del Obradoiro）。 Fernando de Casas y Novoa，1750年。在這些示例中，就像在其他示例中一樣，Churrigueresque設計涉及構造和裝飾元素，與結構和功能關係不大。花朵裝飾的重點是主門口的精美雕刻。如果人們從它所抵擋的那面平整的牆壁上清除掉複雜的迷宮般的山牆，起伏的簷口，粉刷的貝殼，倒錐形以及花環，那建築的形狀將不會受到任何影響。
聖地亞哥德孔波斯特拉大教堂在西班牙。：聖地亞哥德孔波斯特拉的外觀反映出Churrigueresque外觀；外牆的豪華細節很少用於結構上。
同時，Churrigueresque巴洛克風格提供了一些最令人印象深刻的空間和燈光組合。諸如Granada Charterhouse（由Francisco Hurtado Izquierdo設計）之類的建築被認為是應用於室內空間的Churrigueresque風格的最高典範，或者是Toledo大教堂的Transparente（由NarcisoTomé設計）的融合雕塑和建築，以實現顯著的燈光和戲劇效果。
值得一提的是馬德里皇宮和普拉多大道（Salóndel Prado和AlcaláDoorgate，也在同一城市）的干預。它們是由菲利普五世和查理三世國王采用清醒的巴洛克式國際風格建造的，通常被誤認為是新古典主義。塞哥維亞的聖格蘭德聖伊爾德豐索皇宮和馬德里的阿蘭胡埃斯皇宮都是建築與園藝的巴洛克融合的典範。它們具有明顯的法國影響力（La Granja被稱為西班牙凡爾賽），但包含局部空間概念，以某種方式展示了摩爾人佔領的遺產。
在法蘭德斯（Flanders），這是17世紀西班牙最富裕的帝國省，其花飾裝飾細節與該結構的編織更為緊密，因此排除了多餘性的擔憂。西班牙，法國和荷蘭巴洛克美學的顯著融合可以在Averbode修道院（1667）中看到。另一個典型的例子是位於魯汶的聖米歇爾教堂（1650-70年），其旺盛的兩層立面，成排的半柱狀以及法國啟發性雕塑細節的複雜融合。
巴洛克時期的英國建築
巴洛克時期的英國建築在17世紀後半葉發展起來，其特徵受到義大利和法國巴洛克建築的影響，但與之相比更加克制，表現出一種結合古典主義秩序與巴洛克華麗風格的獨特形式。英國巴洛克建築主要集中於查理二世（Charles II）復辟（1660年）後至喬治一世（George I）統治期間，並在克里斯多佛·雷恩（Sir Christopher Wren）的設計下達到高峰。
英國巴洛克建築的發展與當時的政治和宗教背景密不可分。1642年至1651年的英國內戰結束後，查理二世復辟，英國王室試圖恢復君主的威嚴和權威，並通過建築來彰顯國家的穩定與富裕。同時，倫敦大火（Great Fire of London, 1666）為重建城市提供了契機，雷恩被委任設計和重建大量公共建築和教堂，這些建築成為英國巴洛克風格的重要代表。
英國巴洛克建築最具代表性的作品是倫敦的聖保羅大教堂（St. Paul's Cathedral），由雷恩設計並於1710年完成。聖保羅大教堂融合了義大利巴洛克的戲劇性與英國古典主義的秩序感，其巨大的圓頂靈感來自羅馬的聖彼得大教堂（St. Peter’s Basilica），但更注重對稱性與結構的清晰性。建築的內部裝飾精美，包括華麗的天花板畫和雕刻，但整體設計顯得更加克制，體現了英國巴洛克的內斂特質。
除了聖保羅大教堂，雷恩還設計了大量的倫敦教堂，例如聖瑪麗艾爾德馬里教堂（St. Mary Aldermary）和聖詹姆士教堂（St. James's Church, Piccadilly）。這些教堂的設計以簡潔而華麗的外立面和光線充足的內部空間著稱，展現了巴洛克風格的宗教情感與英國的建築實用主義。
世俗建築方面，英國巴洛克風格的代表作品包括布倫海姆宮（Blenheim Palace）和漢普頓宮（Hampton Court Palace）的擴建部分。布倫海姆宮由建築師約翰·范布勒（John Vanbrugh）和尼古拉斯·霍克斯穆爾（Nicholas Hawksmoor）設計，建於18世紀初，是馬爾博羅公爵（Duke of Marlborough）的住所，也是英國巴洛克建築的巔峰之一。布倫海姆宮以宏偉的規模、華麗的裝飾和壯觀的景觀設計而聞名，其正立面巨大的柱式和雕刻強調了建築的威嚴與豪華，體現了巴洛克風格的戲劇性與紀念性。
漢普頓宮的巴洛克部分則是由建築師克里斯多佛·雷恩設計，用於擴建和改造亨利八世時期的都鐸建築。新建部分包括精緻的庭院和內部豪華的裝飾，與舊建築相融合，展現了巴洛克時期的建築技術與審美趣味。
巴洛克時期的英國建築在宮廷與教堂之外，也表現在公共建築的設計中。例如，格林威治的皇家海軍醫院（Royal Hospital for Seamen）是約翰·范布勒和尼古拉斯·霍克斯穆爾的又一傑作。該建築群採用了對稱佈局，中央是廣闊的庭院，兩側有高聳的圓頂和柱廊，結合了巴洛克的宏偉感與英國的古典主義秩序。
英國巴洛克建築雖然沒有義大利和法國那般極端地追求華麗和裝飾性，但仍然以其獨特的克制與優雅，在歐洲建築史上占據重要地位。它成功地將巴洛克的戲劇性元素與英國建築傳統相結合，形成了一種既實用又充滿藝術價值的風格，為後來的喬治時期建築和新古典主義奠定了基礎。
17世紀在英國的建築延續了古典形式的使用，最終被統一為統一的樣式，主要來自義大利，主要體現在Inigo Jones的作品中。雅各布式的建築在17世紀上半葉尤為突出，而英式巴洛克式建築則是明顯具有英式風格的義大利巴洛克式建築，在17世紀下半葉倫敦大火過後變得很盛行。
英國巴洛克式的發展
帕拉第奧式建築高度對稱，並基於古希臘人和羅馬人的正式古典寺廟建築原則。這是一種在17世紀在英國出現的風格，並在18世紀真正地顯赫。Inigo Jones是最早的重要英國建築師之一，以向義大利介紹義大利文藝復興時期的風格而聞名。他負責格林威治的皇后宮（1635）和白廳宮的宴會廳（1622），他是根據具有影響力的義大利古典風格建築師帕拉第奧的作品設計的。它的天花板是彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）畫的。
格林威治的女王之家：格林威治的女王之家是由英戈·瓊斯（Inigo Jones）建造的，英戈·瓊斯是最早將英式文藝復興時期的風格引入英格蘭的著名英國建築師之一。
雅各布式建築
英國文藝復興時期的建築的第二階段被稱為雅各布風格。這種風格在17世紀第一季度國王詹姆士一世統治期間很流行。按照伊麗莎白女王時代的年代順序，雅各布風格可以通過採用of廢和詳細的文藝復興時期主題進行分類，例如圓柱和壁柱，圓形拱廊以及帶有鏤空護牆的平屋頂。但是，這些古典圖案並未得到嚴格應用（如Inigo Jones所採用的那樣），而是相當自由地使用並與伊麗莎白時代風格的建築元素融合在一起。這種風格的建築實例包括哈特菲爾德故居，諾爾故居和約翰·索普的荷蘭故居。
哈特菲爾德故居（Hatfield House）：哈特菲爾德故居（Hatfield House）朝南，是英國雅各佈建築風格的一個例子，展示了decade廢而詳盡的文藝復興時期的圖案。
英國巴洛克式
17世紀後期，巴洛克建築以一種稱為英式巴洛克的風格而聞名。歷史上最受好評的英國建築師之一克里斯托弗·雷恩（Christopher Wren）負責了英國巴洛克風格的產生。1666年倫敦大火迫使城市的大部分地區重建時，雷恩被聘用以取代許多教堂。他最雄心勃勃的建築是聖保羅大教堂，是一幢宏偉的建築，是古典傳統中唯一的英國大教堂。
聖保羅大教堂：由克里斯托弗·雷恩（Christopher Wren）建造，聖保羅大教堂是古典傳統中唯一的英國大教堂。
從1666年開始流行到大約1715年，英國巴洛克式建築的特點是帶有裝飾精美的重型結構。與歐洲大陸的當代巴洛克風格相比，它傾向於相對平淡，具有更多的古典色彩。巴洛克式的鄉間別墅，例如威廉·塔爾曼（William Talman）的查茨沃斯故居（Chatsworth House）和凡布魯格（Vanbrugh）和霍克斯穆爾（Hawksmoor）的霍華德城堡（Castle Howard），於1690年代開始出現。雷恩之後最重要的建築師是約翰·範布魯格爵士和尼古拉斯·霍克斯穆爾爵士，他們分別建造了霍華德城堡（1699年）和布倫海姆宮（1705年）。
英格蘭查茨沃斯莊園：在查茨沃斯莊園中可以看到英國巴洛克式建築的特點是帶有裝飾精美的重型結構。但是，與同時建造的非洲大陸的巴洛克式建築相比，它往往相對平淡，具有更多的古典色彩。
巴洛克時期的法國建築：凡爾賽宮
凡爾賽宮是由路易十四建造的豪華宮殿，擁有700間客房，寬敞的花園和豪華的裝飾。最初由他的父親建造的小型狩獵小屋，路易十四在其統治時期進行了四次密集的建築運動，從而改變了凡爾賽宮。宮殿的正式美學意在榮耀法國並展現出自封為太陽王路易十四的力量和偉大。宮殿的建築師是Louis Le Vau，室內設計師是Charles Le Brun，景觀設計師是Andre Le Notre。之前，這三位藝術家曾為國王的財政部長在私人城堡Vaux le Vicomte上合作過。1682年，凡爾賽宮改建成國王的官邸，
凡爾賽的藝術和藝術家
建築：Louis Le Vau
凡爾賽宮由法國路易十四世國王建築師路易斯·勒瓦（Louis Le Vau）以法國巴洛克風格執行。法國巴洛克建築風格的特點是其大的彎曲形式，扭曲的圓柱，高圓頂和復雜的形狀。與歐洲其他地區的巴洛克式建築相比，通常認為它受到更多限制，並且在對稱且有序的建築物上混合了大量細節。
室內設計：Charles Le Brun
查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun）是凡爾賽宮的室內裝飾工，也是國王的第一位畫家。路易十四宣布勒布朗為“有史以來最偉大的畫家”，勒布朗致力於宮殿的顯著特徵，如戰爭與和平大廳，大使樓梯和鏡子大殿。這個時期的室內設計被稱為路易十四風格，起源於勒布倫（Le Brun），其特徵是編織豐富的紅色和金色織物或錦緞，沉重的鍍金石膏造型，大型雕刻的側板和沈重的大理石花紋。
路易十四風格：這個精緻的長凳展示了凡爾賽宮路易十四的風格，其特徵是編織的紅色和金色織物或錦緞，沉重的鍍金石膏造型，大型雕刻的側板和沈重的大理石花紋。
鏡廳是凡爾賽宮的中央畫廊，並且是世界上最著名的房間之一。這個房間的主要特點是一系列17個鏡面拱門，反射了17個拱形窗戶，俯瞰花園。每個拱門包含21面鏡子。拱門固定在大理石壁柱之間，上面嵌有法國的青銅符號。
鏡廳：鏡廳的主要特徵是一系列17個鏡面拱門，反射了17個拱形窗戶，俯瞰花園。每個拱門包含21面鏡子。
Andre Le Notre花園
凡爾賽宮的景觀設計是歷史上最奢華的設計之一。安德烈·勒諾特為首，在凡爾賽宮花園覆蓋近2000畝土地，並在法國正式園林風格被處決，或花園一拉法蘭西。這種風格的特點是精心修剪的草坪，花壇花壇，眾多的噴泉和雕塑。
凡爾賽雕塑和裝飾的一個共同特徵是運用古典神話寓言。Bassin de Latone由Le Notre設計，並於1668年至1670年之間由Gaspard和Balthazar Marsy雕刻而成。該噴泉描繪了奧維德的《變形記》中的場景，這些場景被選作國王統治期間起義的寓言。Bassin d'Apollon是另一個噴泉，描繪了太陽神駕駛他的戰車照亮天空。Grotte de Thetys是一個獨立式結構，其內部裝飾精美的貝殼裝飾代表了阿波羅神話。
凡爾賽花園：為凡爾賽宮的奢華花園計劃。
大水渠是花園的顯著特徵，其令人印象深刻的長度為1,500 x 62米。路易十四國王下令在大運河上建造“小威尼斯”，其中容納了從威尼斯收到的遊艇，吊船和船夫。通過收集從噴泉流出的水，然後用馬力泵將其重新分配到花園中，它還起到了功能性的作用。
大司令部是由路易十四委託為裝飾花園而設計的一系列24尊雕像。這些雕像展示了四個幽默，一天的四個部分，世界的四個部分，詩歌的四種形式，四個要素和四個季節時的經典四元組（4組）。另外四個雕塑描繪了來自古典神話的綁架。
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巴洛克時期的繪畫
巴洛克時期的繪畫是17世紀歐洲藝術的核心之一，其風格以戲劇性、動態感和情感表現力著稱。這一時期的繪畫在宗教改革與反宗教改革（Counter-Reformation）的雙重背景下蓬勃發展，並受到政治、宗教、科學革命和經濟繁榮的多重影響。巴洛克繪畫突破了文藝復興時期的和諧與靜態美學，強調視覺的衝擊力和感官的參與，廣泛應用於宗教畫、歷史畫、肖像畫、風景畫和靜物畫等多個領域。
巴洛克繪畫的宗教題材深受反宗教改革的影響，目的是激發信徒的虔誠情感，並強調天主教教義的神聖性。義大利畫家卡拉瓦喬（Caravaggio）是巴洛克宗教繪畫的奠基人之一，他以強烈的光影對比（chiaroscuro）和戲劇化的場景處理聞名。例如，《聖馬太蒙召》（The Calling of Saint Matthew）將宗教故事置於日常生活的背景中，人物穿著普通服飾，光線的集中和動態的姿態強調了場景的神聖性和戲劇性。同樣，貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）的雕塑和建築設計也對巴洛克宗教繪畫產生了影響，強調視覺效果和情感的共鳴。
佛蘭德斯地區的巴洛克繪畫由彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）主導，他的作品以宏大的構圖、鮮明的色彩和動態的場景著稱。例如，《十字架的升起》（The Elevation of the Cross）將宗教題材與身體的力量感相結合，畫中人物的肌肉緊繃和表情張力顯示了魯本斯對戲劇性的掌控。他的畫作融合了義大利文藝復興和北方繪畫的特徵，開創了具有佛蘭德斯地方特色的巴洛克風格。
在西班牙，迭戈·維拉斯奎茲（Diego Velázquez）是巴洛克繪畫的代表人物，他的作品兼具宗教與世俗題材，並以對光線和空間的掌控聞名。《侍女》（Las Meninas）是他的巔峰之作，通過複雜的構圖和光影的運用，模糊了現實與藝術的界限，展現了巴洛克繪畫的視覺深度和哲學思考。同時，弗朗西斯科·蘇巴朗（Francisco de Zurbarán）的宗教畫如《聖塞拉芬的幻象》（The Vision of Saint Serapion）以細膩的細節和濃厚的宗教情感為特色，凸顯了西班牙巴洛克藝術的虔誠性。
法國的巴洛克繪畫在宮廷的支持下展現出與義大利和佛蘭德斯不同的特徵，更多地融入了古典主義的秩序與和諧。例如，查爾斯·勒布倫（Charles Le Brun）為凡爾賽宮創作了大量的壁畫和天花板畫，這些作品以象徵主義和宏大的構圖讚頌法國君主的權威。《亞歷山大大帝的戰爭》（The Battles of Alexander the Great）系列充分展現了巴洛克風格的戲劇性與法國宮廷的華麗氣質。
荷蘭黃金時代的巴洛克繪畫則更多地反映了世俗生活與中產階級的審美趣味。倫勃朗·梵·萊因（Rembrandt van Rijn）是這一時期最重要的畫家之一，他的作品以情感深度和光影的戲劇性著稱。例如，《夜巡》（The Night Watch）以生動的場景和複雜的光線處理描繪了城市民兵的集會，展現了群體畫的戲劇張力。同時，荷蘭畫家維梅爾（Johannes Vermeer）的作品如《倒牛奶的女僕》（The Milkmaid）通過對光線的微妙運用和細膩的細節描繪，展現了日常生活的詩意與寧靜。
巴洛克繪畫在風景畫和靜物畫領域也達到了新的高度。風景畫中，克洛德·洛林（Claude Lorrain）的作品以理想化的自然景觀和溫暖的光線見長，例如《港口的日落》（Seaport at Sunset），展現了自然與人類活動的和諧。同時，荷蘭的靜物畫家如揚·戴維德·德·亨特（Jan Davidsz. de Heem）以精緻的花卉靜物和豐富的象徵性描繪出繁榮與短暫的哲學主題，成為靜物畫的經典範例。
巴洛克繪畫在題材和技法上呈現出極大的多樣性。宗教畫強調神聖性與情感共鳴，歷史畫彰顯權威與榮耀，肖像畫捕捉人物的性格與地位，風景畫和靜物畫則反映了自然與生活的美好。這些作品通過光影、構圖和細節的精確掌控，實現了視覺與精神的雙重感染力。
巴洛克時期的繪畫不僅是對當代社會、宗教和文化的反映，也是藝術家對技術與表現力的高度探索。他們在戲劇性與現實性之間找到了完美的平衡，創造出具有強烈視覺衝擊和情感深度的藝術形式，成為歐洲藝術史上一個重要的里程碑。
巴洛克繪畫與巴洛克文化運動有關，該運動始於17世紀的義大利。它涵蓋了多種風格，因為從1600年左右開始一直延續到18世紀初期的最重要和主要繪畫今天被稱為巴洛克繪畫。在最典型的表現形式中，巴洛克藝術的特徵是戲劇性強，色彩豐富，色彩濃烈，陰影濃淡。
卡拉瓦喬
卡拉瓦喬（Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571–1610）是意大利巴洛克時期最具影響力的畫家之一，他的藝術風格徹底改變了當時的繪畫表現方式，並對歐洲藝術史產生了深遠的影響。卡拉瓦喬的作品以其強烈的光影對比（chiaroscuro）、現實主義和情感深度著稱，他的創作挑戰了文藝復興時期理想化的美學，並將宗教與世俗生活緊密結合。
卡拉瓦喬出生於意大利倫巴第地區的卡拉瓦焦（Caravaggio），這座小鎮後來成為他名字的來源。他早年在米蘭接受藝術訓練，師從當地的畫家西蒙·彼得薩諾（Simone Peterzano），並學習威尼斯畫派的色彩運用與構圖技巧。1592年，卡拉瓦喬前往羅馬，開始他的藝術生涯。當時的羅馬是宗教改革和反宗教改革運動的中心，藝術成為宣揚天主教信仰的重要工具，卡拉瓦喬的作品很快吸引了贊助人和藝術界的注意。
卡拉瓦喬的思想和創作深受反宗教改革影響，特別是特倫托會議（Council of Trent）後對宗教藝術的要求，他的畫作以戲劇性的表現力和真實的情感打動觀者。他的代表作品《聖馬太蒙召》（The Calling of Saint Matthew）將宗教場景置於日常生活的背景中，通過光線的集中與人物的動態姿態來增強畫面的戲劇效果。畫中的人物身穿普通服飾，面容粗獷，這種寫實主義表現挑戰了傳統的宗教繪畫形式，展現了聖經故事的親近性與當代性。
卡拉瓦喬的光影運用是其藝術風格的核心，他採用極端的明暗對比，將畫面中的焦點人物與背景隔離，使觀者的注意力集中在關鍵場景上。例如，《聖保羅歸化》（The Conversion of Saint Paul）描繪了聖保羅墜馬的瞬間，強烈的光線照亮了主角，形成了視覺與精神的雙重震撼。他對光影的掌控賦予作品深刻的空間感和情感張力，成為巴洛克繪畫的重要特徵。
卡拉瓦喬的創作題材廣泛，涵蓋宗教、神話和世俗生活。他的《受孕的聖母》（Madonna of the Pilgrims）打破了傳統宗教畫中的莊嚴感，以平實的方式描繪了朝聖者與聖母的互動，畫中人物的腳部沾滿泥土，展現了人性化的宗教表現。他的世俗作品如《果籃》（Basket of Fruit）和《音樂家》（The Musicians）則探索了靜物與人物畫的結合，強調物質的質感與生活的現實性。
卡拉瓦喬的個人生活充滿戲劇性，他性格桀驁不馴，屢次卷入暴力事件，最終因殺人罪被判流放。然而，他的藝術才華無法被忽視，即便在流亡期間，他仍創作出許多傑作，如《戴維德與歌利亞的頭顱》（David with the Head of Goliath），這幅作品被認為是他對自身命運的深刻反思。畫中的戴維德充滿悲憫，而歌利亞的頭則被認為是卡拉瓦喬的自畫像，象徵了他內心的掙扎與懺悔。
卡拉瓦喬對後世藝術家的影響是深遠的，他的風格催生了一批追隨者，被稱為卡拉瓦喬主義者（Caravaggisti）。這些畫家如荷蘭的揚·拉金（Jan Lievens）、佛蘭德斯的魯本斯（Peter Paul Rubens）和法國的喬治·德·拉圖爾（Georges de La Tour）等，都從他的光影技法與現實主義中汲取靈感，將其轉化為各自的藝術語言，推動了巴洛克藝術在歐洲的傳播。
卡拉瓦喬的藝術突破了文藝復興時期的傳統審美，開創了一種真實與戲劇並存的視覺語言，成為巴洛克藝術的先驅與象徵。他的作品不僅是宗教情感的具象化，也深刻反映了人類情感的複雜性，至今仍被視為西方藝術史上的瑰寶。
卡拉瓦喬在米蘭出生和受過訓練，是16世紀末和17世紀初歐洲繪畫最有影響力的貢獻者之一。他以現代服裝或普通男女的繪畫人物而聞名，甚至包括古典或宗教主題的人物。他將生活中更苗條的一面納入其中，與當時的趨勢形成鮮明對比。他利用僵硬主義和部分燈光人物與深色背景之間的鮮明對比來戲劇化效果。
卡拉瓦喬最著名的畫作包括《聖馬修的召喚》，《聖托馬斯》，《聖保羅的悔改》，《安葬》和《基督的加冕禮》。卡拉瓦喬（Caravaggisti）和卡拉瓦喬（Caravaggio）的追隨者效仿了他對光與影的使用，例如Orazio Gentileschi（1563-1639），Artemisia Gentileschi（1592-1652 / 3），Mattia Preti，Carlo Saraceni和Bartolomeo Manfredi。
聖馬太的呼召卡拉瓦喬：聖馬太的呼喚顯示卡拉瓦喬的使用部分點亮數字和黑暗背景之間tenebrism和鮮明對比的戲劇化效果。
卡拉瓦喬的埃切·霍莫克（Ecce Homoc），1605年：卡拉瓦喬的巴洛克繪畫實例
其他藝術家
在此早期影響過巴洛克繪畫發展的其他有影響力的義大利畫家包括彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens），喬瓦尼·蘭弗朗科（Giovanni Lanfranco）和Guercino。Guido Reni和Domenico Zampieri等其他藝術家則追求更古典的方法。巴洛克畫家，如科爾托納（Cortona），喬瓦·巴蒂斯塔·高迪（Giovan Battista Gaulli）和西羅·費里（Ciro Ferri）繼續蓬勃發展，並伴隨著薩基（Sacchi）和尼古拉斯·普桑（Nicholas Poussin）等畫家所代表的古典趨勢。甚至像薩基（Sacchi）的學生卡洛·馬拉塔（Carlo Maratta）這樣的古典畫家也受到巴洛克風格色彩使用的影響。
羅馬高巴洛克時期的主要畫家是彼得羅·達·科托納（Pietro da Cortona），該時期橫跨1623年至1667年的數個教皇統治時期。他的巴洛克風格從他在1620年代為薩克蒂（Sacchetti）家族執行的畫作和在羅馬的巴貝里尼宮（Palazzo Barberini）（完成於1639年完成）的壁畫中可以明顯看出。
巨大的天花板壁畫主要可追溯到17世紀後期。其中一些具有極大的幻想性，例如羅馬的格蘇教堂中的高盧的中殿壁畫（1674–9）和聖伊格納齊奧的安德里亞·波佐的中殿穹頂（1691–4）。盧卡·佐丹奴（Luca Giordano，1634-1705年）生於那不勒斯，他的畫作出奇的出眾，以“盧卡·法斯托（Luca fa presto）”而著稱。
佐丹奴（Giordano）在1684–1686年在佛羅倫薩的美第奇-里卡迪宮（Palazzo Medici-Riccardi）創作的壁畫。：佐丹奴（Giordano）是一位多產的義大利巴洛克畫家。
巴洛克時期的西班牙繪畫
西班牙黃金時代（Siglo de Oro，約16世紀至17世紀末）是西班牙藝術與文化的巔峰時期，涵蓋文學、戲劇、繪畫、雕塑和建築等多個領域。這一時期的藝術深受西班牙天主教信仰、反宗教改革（Counter-Reformation）運動以及哈布斯堡王朝強大政權的影響，體現了宗教虔誠、世俗榮耀與豐富的情感表現。黃金時代的藝術家通過戲劇化的視覺語言、精緻的細節描繪和對光影的巧妙運用，創作出一系列偉大的藝術作品，對歐洲藝術史產生了深遠影響。
西班牙黃金時代的繪畫是這一藝術繁榮時期的重要代表，特別是在宗教題材上展現了高度的藝術成就。該時期的畫家深受天主教會贊助，他們的作品旨在宣揚宗教信仰，激發觀眾的情感共鳴。畫家埃爾·格列柯（El Greco）是早期黃金時代的代表人物，他融合了拜占庭傳統、義大利文藝復興與西班牙宗教藝術的特徵，以其戲劇性的色彩運用和靈性表現聞名。他的《奧爾加斯伯爵的葬禮》（The Burial of the Count of Orgaz）以複雜的構圖和豐富的情感層次描繪了神聖與世俗的聯繫，成為西班牙宗教畫的重要範例。
迭戈·維拉斯奎茲（Diego Velázquez）是黃金時代後期最傑出的藝術家之一，也是西班牙巴洛克繪畫的巔峰代表。他的作品超越了傳統宗教畫的範疇，探索宮廷生活、歷史題材和日常場景。《侍女》（Las Meninas）是他最著名的作品之一，以複雜的構圖和光影運用挑戰了視覺與現實的界限。同時，他的肖像畫如《腓力四世肖像》（Portrait of Philip IV）展示了對人物內心世界的深刻刻畫和對細節的精確描繪。
弗朗西斯科·蘇巴朗（Francisco de Zurbarán）和巴托洛梅·埃斯特班·穆里略（Bartolomé Esteban Murillo）是西班牙黃金時代的另外兩位重要畫家。他們的宗教畫作以虔誠的情感和溫暖的色調著稱，特別是在描繪聖母和基督形象時展現了柔和的光線和靜謐的氛圍。蘇巴朗的《聖塞拉芬的幻象》（The Vision of Saint Serapion）以細膩的細節和濃厚的情感深受讚譽，而穆里略的《無玷聖母》（The Immaculate Conception）則以輕盈的構圖和柔美的色彩描繪出宗教信仰的純淨與神聖。
雕塑在西班牙黃金時代也達到了高峰，特別是宗教雕像。這些雕像通常以木材為主要材質，並採用塗彩技術使其更加真實生動。格雷戈里奧·費爾南德斯（Gregorio Fernández）是這一領域的代表人物，他的《受難基督》（Cristo Yacente）以細緻的傷痕刻畫和痛苦的表情傳達了基督受難的深刻情感。這類雕像通常用於宗教禮拜和遊行活動，具有強烈的視覺衝擊力和宗教感染力。
西班牙黃金時代的建築在哈布斯堡王朝的支持下呈現出巴洛克風格的豪華與莊嚴。宗教建築如塞維利亞主教座堂（Seville Cathedral）和托萊多主教座堂（Toledo Cathedral）展示了西班牙特有的建築語言，融合了哥特式、文藝復興和巴洛克的元素。這些建築的內部裝飾極為華麗，金箔祭壇、雕刻和壁畫形成了視覺與精神的雙重震撼。
世俗建築方面，宮廷與貴族宅邸的設計反映了當時西班牙貴族的奢華與權威。埃斯科里亞爾修道院（El Escorial）是西班牙黃金時代最具代表性的建築之一，由國王腓力二世（Philip II）下令建造，集修道院、宮殿和圖書館於一體，成為宗教與世俗權力結合的象徵。
西班牙黃金時代的藝術不僅是視覺美感的展現，更是一種宗教與文化的綜合表現。無論是在繪畫、雕塑還是建築領域，藝術家們通過豐富的技法和戲劇性的表現手法傳達了宗教的神聖性與人性的情感深度，塑造了西班牙文化的輝煌時期。
西班牙黃金時代是藝術蓬勃發展的時期，恰逢西班牙哈布斯堡王朝的政治興衰。
西班牙黃金時代
西班牙黃金時代是西班牙藝術和文學蓬勃發展的時期，與巴洛克時期和西班牙哈布斯堡王朝的政治興衰恰逢其時。它始於1492年，始於Reconquista（Reconquest）結束，克里斯托弗·哥倫布（Christopher Columbus）到新世界的海上航行，以及安東尼奧·德·內布雷加（Antonio de Nebrija）的《格拉瑪提卡·德拉倫瓜·卡斯特拉納（Gramáticade la lengua castellana）》（卡斯蒂利亞語語法）的出版。從政治上講，它不遲於1659年在法國與西班牙哈布斯堡王朝之間批准的《比利牛斯條約》結束。
在義大利文藝復興時期，西班牙很少有偉大的藝術家來此居住。伊莎貝拉女王的丈夫，後來是西班牙唯一的君主阿拉貢的費迪南德（Ferdinand of Aragon）建立的義大利人的財產和人際關係，在巴倫西亞，塞維利亞和佛羅倫薩之間的地中海地區不斷湧動知識分子。路易斯·德·莫拉萊斯（Luis de Morales）是西班牙風格主義繪畫的主要代表人物之一，在他的作品中保留了明顯的西班牙風格，讓人聯想到中世紀藝術。西班牙的藝術，尤其是莫拉萊斯的藝術，帶有濃厚的神秘主義和宗教色彩，這受到反改革和西班牙堅強的天主教君主和貴族的讚助的鼓勵。
西班牙黃金時代的藝術家
西班牙和奧地利的哈布斯堡王朝在他們的國家都是偉大的藝術贊助人。學者們經常將迭戈·貝拉克斯（DiegoVelázquez）和弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）視為巴洛克時期西班牙獨特繪畫風格的有影響力的創始人。
迭戈·維拉斯奎茲（DiegoVelázquez）
迭戈·維拉斯奎茲（Diego Velázquez，1599–1660）是西班牙巴洛克時期最重要的藝術家之一，以其卓越的肖像畫和光影運用聞名於世。他的藝術不僅體現了巴洛克時期的精髓，還顯示出對自然與現實的深刻理解與獨特詮釋。作為西班牙國王腓力四世（Philip IV）的宮廷畫家，維拉斯奎茲的作品涵蓋了宮廷生活、宗教題材和神話寓言，並對後世的藝術家如馬奈（Édouard Manet）和畢卡索（Pablo Picasso）產生了深遠影響。
維拉斯奎茲出生於西班牙塞維利亞（Seville），在藝術氛圍濃厚的環境中成長。他早年跟隨畫家弗朗西斯科·帕切科（Francisco Pacheco）學習，帕切科注重藝術技法和理論，對維拉斯奎茲的創作理念產生了重要影響。在塞維利亞的學徒時期，維拉斯奎茲創作了許多描繪日常生活的畫作，如《水賣者》（The Waterseller of Seville），這些作品展現了他對光影和質感的敏銳掌握，以及對普通人生活的深刻觀察。
1623年，維拉斯奎茲被召至馬德里（Madrid），成為腓力四世的宮廷畫家。他很快贏得了國王的信任與青睞，並逐漸成為宮廷藝術的核心人物。宮廷生活為他的創作提供了豐富的題材，他的肖像畫以真實性、心理深度和技法高超著稱。例如，《腓力四世肖像》（Portrait of Philip IV）充分展現了國王的威嚴與內斂，細膩描繪了服飾的質感和人物的表情。維拉斯奎茲的肖像畫並非僅僅記錄人物的外貌，更致力於捕捉其性格與內心世界，為巴洛克肖像畫設立了新標準。
維拉斯奎茲對光影的運用是其藝術的一大特點，他的畫作常以柔和的自然光線為主，使畫面呈現出真實的質感與空間感。他的《侍女》（Las Meninas）是這方面的傑作之一，畫面中透過光線與視角的巧妙安排，模糊了現實與畫中世界的界限。這幅作品不僅是宮廷生活的場景再現，也是對藝術家與被描繪者關係的深刻探討，顯示了維拉斯奎茲對藝術本質的哲學思考。
宗教題材也是維拉斯奎茲創作中的重要部分，他的作品《基督在瑪爾大與馬利亞家中》（Christ in the House of Martha and Mary）融合了宗教與世俗元素，展現了對神聖與日常生活的聯繫的深刻思考。在這些作品中，他以平實而細膩的筆觸表現宗教場景，避免了過度戲劇化的表現，展現出與傳統巴洛克宗教畫不同的清新與平衡。
維拉斯奎茲的神話題材作品如《織女》（The Spinners，又名《阿拉克涅的故事》）也表現出他對寓言故事的深刻理解。這幅作品以其動態的構圖和層次分明的場景安排展現了神話敘事的豐富性，同時也暗示了藝術創作與工藝之間的辯證關係。
維拉斯奎茲的晚年作品更多關注光影和色彩的微妙變化，尤其是在描繪面部與服飾細節時顯示出極高的技法。例如，他的《教皇英諾森十世肖像》（Portrait of Pope Innocent X）被譽為肖像畫的巔峰之作，畫中的教皇以冷峻的目光直視觀者，令人印象深刻。同時，維拉斯奎茲對顏色的運用更加自信且大膽，這些特點為19世紀印象派和現代藝術提供了啟發。
維拉斯奎茲在他的一生中不斷挑戰傳統，探索藝術表現的可能性。他的作品展現了巴洛克藝術的豐富性和深度，同時也突出了他對現實主義的執著和對藝術本質的哲學思考。作為西班牙黃金時代的代表人物，維拉斯奎茲在繪畫史上占據了無可取代的重要地位。
DiegoVelázquez被廣泛認為是西班牙最重要，最有影響力的藝術家之一。他是當代巴洛克時期的個人主義藝術家，最著名的是肖像畫家。除了對歷史和文化具有重要意義的場景進行演繹外，他還繪製了數十幅西班牙王室肖像，其他歐洲著名人物和平民的肖像，最終創作了他的傑作《拉斯梅尼納斯》（Las Meninas，1656年）。Velázquez是菲利普四世國王的宮廷畫家，整個歐洲的政治家，貴族和牧師對他的肖像的需求越來越高。他對國王的肖像，他的首席部長，奧利瓦雷斯伯爵公爵和教皇本人都表現出對藝術現實主義的信念以及與許多荷蘭大師媲美的風格。
菲利普四世（Philip IV）在《布朗與銀》（Brown and Silver）中，1632年：委拉斯開茲（Velázquez）可能以他的許多著名肖像而聞名，其中包括菲利普四世國王之一。
委拉斯開茲最著名的畫作是著名的《拉斯·梅尼納斯》（Las Meninas，1656年），畫家將自己作為其中的一員。Las Meninas（西班牙語為“等待中的女士”）是一幅複雜而神秘的畫作，提出了關於現實和幻覺的問題，在觀看者和所描繪的人物之間造成了不確定的關係。由於這些複雜性，Las Meninas成為西方繪畫中分析最廣泛的作品之一。
這幅畫展示了國王菲利普四世統治時期馬德里皇家城堡中的一間大房間，並展示了幾個人物，這些人物最能從西班牙宮廷中辨認出來，並在特定的時刻被捕捉下來，就像是快照中一樣。有些人從畫布上向外看，而其他人則相互影響。年輕的因凡塔·瑪格麗特·特蕾莎（Infanta Margaret Theresa）被儀仗隊，陪同人員，保鏢，另外兩個人物和一隻狗所包圍。在他們身後，貝拉克斯（Velázquez）描繪自己在一塊大畫布上工作。Velázquez向外看，超出了繪畫者可以站立的繪畫空間。在背景中有一面鏡子，反映了國王和王后的上半身。它們似乎以與觀看者相似的位置放置在圖片空間之外，
拉斯·梅尼納斯（Las Meninas）， 1656年（英語：等待中的女士）：在他最著名的畫作中，瓦爾茲克斯的自畫像位於左側。
西班牙黃金時代藝術中的宗教：弗朗西斯科·德·祖巴蘭
隨著反改革運動的發展，西班牙藝術中的宗教元素變得越來越重要。弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）的嚴厲，禁慾和嚴厲的作品與作曲家托馬斯·路易斯·德·維多利亞（TomásLuis de Victoria）的作品一起體現了西班牙藝術的這一脈絡。菲利普四世（Philip IV）積極光顧藝術家，他們同意他對反改革和宗教的觀點。受阿維拉（Avila）的聖特蕾莎（Saint Theresa）影響，祖巴蘭作品的神秘色彩在後來的世代中成為西班牙藝術的標誌。
聖母的誕生：弗朗西斯科·德·祖巴蘭（Francisco deZurbarán）創作的《聖母的誕生》展示了宗教主題，尤其是對聖母瑪利亞的虔誠，這種主題遍布西班牙的反改革派藝術品。
在卡拉瓦喬和義大利大師的影響下，祖巴蘭致力於宗教和信仰的藝術表達。他主要因其描繪僧侶，尼姑和烈士的宗教畫作以及其靜物畫而聞名。祖爾巴蘭（Zurbarán）得名於西班牙卡拉瓦喬（Spanish Caravaggio），這得益於他擅長的明暗對比強烈而現實的運用。
冥想中的聖法蘭西斯 c。1631年至1640年，國家美術館：祖爾巴蘭的阿西西聖弗朗西斯畫作以其明暗對比或明暗對比高而著稱。
在歐洲宗教戰爭的背景下，他的阿西西聖弗朗西斯畫作，完美的構想和基督被釘十字架反映了17世紀西班牙文化的第三方面。Zurbarán打破了Velázquez對藝術的敏銳現實主義詮釋，在某種程度上看似畫家El Greco和早期的Mannerist畫家的情感內容，以尋求靈感和技術，儘管Zurbarán尊重並保持Velázquez的照明和細微差別。
巴洛克時期的法國繪畫
巴洛克時期的法國繪畫在17世紀蓬勃發展，呈現出與義大利和佛蘭德斯不同的特徵，展現了法國獨特的審美與文化內涵。這一時期的繪畫在路易十三（Louis XIII）和路易十四（Louis XIV）的統治下得到了王室和貴族的大力支持，特別是隨著法國皇家學院（Académie Royale de Peinture et de Sculpture）的成立，繪畫風格逐漸趨於古典化，融合了巴洛克的華麗與古典主義的秩序與理性。
法國巴洛克繪畫的重要特徵是對王權的歌頌與彰顯，作品往往以宏大的場景和象徵性的意象表現君主的威嚴與權威。查爾斯·勒布倫（Charles Le Brun）是路易十四時期最重要的宮廷畫家，也是凡爾賽宮（Palace of Versailles）藝術計畫的主要負責人。他的作品充滿了象徵主義和戲劇性，旨在傳達法國君主的無上權威。例如，《亞歷山大大帝的戰爭》（The Battles of Alexander the Great）系列以神話化的方式描繪亞歷山大的勝利，實際上是對路易十四軍事成就的隱喻，畫面構圖華麗，色彩豐富且充滿動感。
法國巴洛克繪畫還強調宗教與道德的表達，特別是在教會的贊助下，藝術家創作了大量宗教題材作品。西蒙·武埃（Simon Vouet）是將義大利巴洛克風格帶入法國的重要人物之一，他曾在義大利學習，深受卡拉瓦喬（Caravaggio）和義大利巴洛克的影響。武埃的作品如《聖母的加冕》（The Coronation of the Virgin），以明亮的色彩和柔和的光線呈現宗教場景，融合了戲劇性和精緻的細節描繪，使畫面既具情感深度又不失優雅。
法國巴洛克繪畫在世俗題材上也取得了重要成就，肖像畫是其中的一大亮點。肖像畫不僅用於彰顯貴族和上層階級的地位，也成為展示法國宮廷文化的一個窗口。菲利普·德·尚帕涅（Philippe de Champaigne）是17世紀法國著名的肖像畫家之一，他的作品以嚴謹的構圖和細膩的細節見長。例如，他為法國首相紅衣主教黎塞留（Cardinal Richelieu）創作的肖像，充分展現了人物的權威與智慧，同時注重真實性和精緻的服飾細節。
風景畫和寓言畫在法國巴洛克繪畫中也占有一席之地。克洛德·洛林（Claude Lorrain）是法國風景畫的代表人物，他的作品以田園詩般的風景和理想化的自然景象聞名。例如，《港口的日出》（Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba）展現了柔和的光線和寧靜的場景，融合了古典主義的構圖與巴洛克對光影的運用，為觀者帶來了一種沉靜而深邃的情感體驗。
寓言畫方面，尼古拉·普桑（Nicolas Poussin）是法國巴洛克古典主義的奠基人，他的作品注重秩序、理性和寓意的表達，例如《阿卡迪亞的牧人》（Et in Arcadia Ego）描繪了古希臘牧歌般的理想生活，帶有深刻的哲學意涵。普桑的構圖嚴謹，人物姿態優雅，色彩運用注重和諧，體現了巴洛克與古典主義的完美結合。
在宗教和世俗題材之外，法國巴洛克繪畫還體現在宮廷和公共建築的裝飾藝術中，特別是在凡爾賽宮。宮廷畫家如勒布倫創作了大量天花板畫和壁畫，這些作品融合了神話、歷史與象徵主題，以華麗的構圖和鮮明的色彩展現了巴洛克藝術的戲劇性和宮廷文化的奢華。
法國巴洛克繪畫在17世紀的歐洲藝術舞台上扮演了重要角色，其特徵是巴洛克風格的華麗與古典主義的秩序之間的平衡。這一風格不僅彰顯了法國君主制的力量與文化自信，也為後來的洛可可藝術和新古典主義奠定了基礎。
有影響力的法國畫家
17世紀法國的重要畫家包括西蒙·沃特（Simon Vouet），查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun），尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin），克勞德·洛林（Claude Lorrain）和喬治·德拉圖爾（Georges de la Tour）。法國的17世紀繪畫受到了不同的劃分：一方面，從德拉圖爾的作品中可以看出，義大利巴洛克風格的影響。另一方面是君主制偏愛剛性，古典風格的獨特轉折，勒布朗，普桑和洛林的作品就是例證。兩種風格的融合為17世紀的繪畫賦予了一種法國獨有的美學色彩。
西蒙·沃埃特（Simon Vouet）和查爾斯·勒布倫
西蒙·沃特（Simon Vouet）以向法國介紹巴洛克風格的繪畫而聞名。他在義大利學習，並學習了義大利大師的技術，他對自己的情感充滿了興趣。路易十三將他定為“總理羅伊”，並委託他創作了無數作品。查爾斯·勒·布倫（Charles Le Brun）是Vouet最具影響力的學生，後來成為路易十四國王的重要畫家。Le Brun主要為路易十四工作，他最重要的作品居住在凡爾賽宮。Le Brun的作品主要製作戰靴和祭壇作品，體現了巴洛克和古典風格的綜合。
查理·勒·布倫（Charles Le Brun），《法蘭克·孔戴的征服》：查理·勒·布倫（Charles Le Brun）主要為路易十四國王工作，他最重要的作品居住在凡爾賽宮。Le Brun的作品主要製作戰靴和祭壇作品，體現了巴洛克風格和古典風格的融合。
普桑（Nicolas Poussin）和洛蘭（Claude Lorrain）
尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）以其17世紀法國創作的古典風格繪畫而聞名。他的作品具有清晰，邏輯，有序和線條清晰的色彩，可與巴洛克風格的繪畫相提並論。他一生的大部分時間都在羅馬工作，並成為路易十四國王的最愛畫家。克勞德·洛蘭（Claude Lorrain）以山水畫而聞名。他贏得了教皇厄本八世的讚助，此後，他的名聲迅速增長。洛林（Lorrain）和普桑（Poussin）是朋友，眾所周知一起旅行過義大利的鄉村。
尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin），迴聲和水仙：尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）以其17世紀法國創作的古典風格繪畫而聞名。他的作品具有清晰，邏輯，有序，線條清晰的特點。
喬治·德拉圖爾
喬治·德拉圖爾（Georges de la Tour）是一位法國巴洛克畫家，以畫燭光點燃的宗教明暗對比場景而聞名。他的作品表現出了卡拉瓦喬的巨大影響力，其特徵是明暗的繪畫效果，但其獨特之處在於他將這種技術應用於體裁主題。
喬治· 德拉圖爾（ Georges De La Tour），比安·瑪麗亞·瑪格達琳娜（Magdalena Terf）：
巴洛克時期的佛蘭芒繪畫
佛蘭德巴洛克風格是17世紀歐洲藝術的重要流派之一，以其情感豐富、色彩華麗和構圖動態著稱。這一風格在佛蘭德斯地區（今比利時部分地區）發展興盛，受到宗教改革後天主教反宗教改革運動（Counter-Reformation）的影響，同時反映了該地區的經濟繁榮與文化多樣性。佛蘭德巴洛克藝術主要表現在繪畫、雕塑和建築領域，其最傑出的代表人物是彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）。
佛蘭德巴洛克繪畫是這一風格的核心，以宗教畫作和世俗題材的豐富表現而聞名。宗教繪畫深受天主教教會的贊助，藝術家通過戲劇化的場景和強烈的情感表達來傳達宗教信仰的力量與神聖性。魯本斯是佛蘭德巴洛克繪畫的奠基人，他的作品充滿了戲劇性、運動感和華麗的細節。例如，《聖母升天》（The Assumption of the Virgin）以充滿活力的構圖和鮮豔的色彩描繪了聖母升入天堂的場景，畫中人物的動態姿態和表情展現了魯本斯對情感的敏銳掌握。
魯本斯的另一傑作《十字架的升起》（The Elevation of the Cross）展現了巴洛克繪畫的戲劇張力與動感構圖。作品以斜線構圖為主，強調人物的肌肉緊繃和表情痛苦，刻畫出基督受難時的莊嚴與神聖感。這種視覺衝擊力反映了佛蘭德巴洛克藝術對觀眾情感共鳴的追求。同時，魯本斯的作品融合了義大利巴洛克的動態特徵與北方文藝復興的細膩寫實，形成了獨特的佛蘭德風格。
佛蘭德巴洛克風格的另一特點是其在世俗題材上的豐富表現，包括歷史畫、肖像畫、風景畫和靜物畫。魯本斯的歷史畫如《瑪麗·德·美第奇生平系列》（Marie de' Medici Cycle）充滿了華麗的裝飾與象徵意義，描繪了法國皇后瑪麗的生平故事，以寓言和神話的方式表現權力與榮耀。在肖像畫方面，安東尼·范戴克（Anthony van Dyck）是佛蘭德巴洛克的重要人物，他的作品以精緻的細節和優雅的氣質見長，例如《查理一世的肖像》（Portrait of Charles I），展現了英國國王的威嚴與高貴。
靜物畫在佛蘭德巴洛克藝術中也占有重要地位，反映了當地中產階級的審美趣味與經濟繁榮。藝術家如讓·戴維德·德·亨特（Jan Davidsz. de Heem）以其精緻的花卉靜物畫聞名，作品中鮮花、果實和昆蟲的細膩刻畫展現了佛蘭德巴洛克對自然的觀察與對繁榮生活的讚美。
佛蘭德巴洛克風格在建築和雕塑中也有明顯表現。宗教建築多以宏偉華麗為特色，例如聖母大教堂（Cathedral of Our Lady）和安特衛普的耶穌會教堂（St. Charles Borromeo Church）。這些建築的外立面和內部裝飾充滿雕刻和壁畫，展現了巴洛克藝術的戲劇性與神聖感。雕塑方面，佛蘭德雕刻家如魯本斯的合作者盧卡斯·福伊特（Lucas Faydherbe）以其宗教雕像聞名，這些雕像常用於教堂祭壇裝飾，刻畫細膩且充滿動態表現。
佛蘭德巴洛克藝術在宗教、世俗和裝飾性表現上的多樣性反映了當時佛蘭德斯地區的文化繁榮。作為哈布斯堡王朝統治的一部分，該地區的藝術深受天主教會和貴族贊助的影響，但同時也受到新興城市中產階級的需求驅動。這種雙重推動力使佛蘭德巴洛克藝術既能呈現宗教的莊嚴與情感，又能展現世俗生活的華麗與精緻。
佛蘭德巴洛克風格結合了義大利巴洛克的戲劇性、荷蘭黃金時代的寫實性與佛蘭德斯地區的地方特徵，成為17世紀歐洲藝術的一個獨特象徵。這一風格的影響不僅遍及當時的歐洲各地，也對後來的藝術發展，特別是18世紀洛可可風格（Rococo）和19世紀浪漫主義運動（Romanticism），產生了深遠影響。
法蘭德斯（Flanders）在17世紀創作的繪畫風格被稱為佛蘭德巴洛克風格。這種風格產生於1585年左右，當時荷蘭共和國從南部的哈布斯堡王朝西班牙地區分裂出來，直到大約1700年，查理二世國王去世後哈布斯堡王朝統治結束。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens），安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）和雅各布·喬丹斯（Jacob Jordaens）的故鄉安特衛普（Antwerp）在此期間的藝術創作著眼點很顯著，布魯塞爾和根特在較小程度上也是如此。法蘭德斯巴洛克風格的傑出畫家彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）對17世紀的藝術審美產生了深遠的影響。
佛蘭芒繪畫的類別
佛蘭德的巴洛克式繪畫以其分為不同的主題類別而著稱，而當時的藝術家傾向於專門研究這些領域之一。這些流派包括歷史，肖像畫，流派，風景和靜物畫。
歷史繪畫
歷史繪畫被認為是17世紀最崇高的類型，由對歷史，聖經，神話和寓言場景的描繪組成。彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）是該類別中的主要畫家，儘管他的學生安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）也很出名。佛蘭芒歷史畫家比其他任何類別的畫家都繼續受到義大利繪畫的影響。魯本斯在義大利度過了九年的時間研究大師作品，他將巨大的狩獵場景介紹給繪畫。這在他的作品“ 狼與狐狸的亨特”（Wolf and Fox Hunt）中得到了體現，該作品描繪了一場大規模的戰爭，並受他對古典古代研究的啟發。
狼和獵狐由彼得·保羅·魯本斯：狼和獵狐是巨大的狩獵場景介紹了魯本斯繪畫的一個例子。
肖像畫
肖像畫在很大程度上是具有紀念意義的或與實際大小一樣的，儘管團體和家庭肖像在17世紀引起了人們的關注。儘管他不是肖像畫家，但魯本斯完成了一些此類早期作品。他還通過他的學生安東尼·範戴克（Anthony Van Dyck）發揮了影響力，安東尼·範·戴克（Anthony Van Dyck）成為英格蘭查理一世的宮廷畫家，並對後來的英格蘭肖像畫產生了影響。
體裁繪畫
流派的繪畫描繪了日常生活中的場景，在17世紀的法蘭德斯很常見。這些繪畫的人物沒有特定身份，通常從事與“農民生活”有關的活動。許多流派藝術家在描寫下層階級時都遵循了彼得·布魯格（Peter Brueghel）的傳統。阿德里亞恩·布勞維爾（Adriaen Brouwer）的繪畫經常顯示農民的戰鬥和飲酒，是佛蘭德風格繪畫的一個例子。布勞威爾以室內場景而非外部場景中的繪畫主題而著稱。他還以富有表現力的面部研究而著稱，這種研究具有“外星人”（面孔）類型的特徵，並在《苦酒》等作品中得到了體現。
彼得·布魯格爾（Peter Brueghel）的《鄉村律師》：彼得·布魯格爾（Peter Brueghel）的風格畫。
風景
山水畫是17世紀的另一個主要類別。這種風格是從16世紀早期的佛蘭德山水畫發展而來的，這種畫並不特別逼真，並採用了老彼得·布魯格（Peter Brueghel）的典型半空中視角。從Hans Vredman de Vries的作品發展而來，並描繪了現有教堂和大教堂的真實內飾，建築內飾畫在這一時期也很受歡迎。
靜物畫
花卉靜物畫在17世紀的法蘭德斯中廣為流行，並在1600年左右由長者布呂格（Brueghel）推廣。他的兒子揚·布魯格（Jan Brueghel the Younger）和安布羅休斯·布魯格（Ambrosius Brueghel）也是當時的花卉專家。靜物繪畫的其他主題或子類別包括宴會靜物，動物靜物和花環場景。靜物畫常常帶有關於生命的簡潔性的基本道德信息，這種特徵以“虛榮”為代表。Vanitas是一幅象徵性的靜物畫，旨在說明世俗生活的無意義和所有世俗追求的短暫性。Vanitas的繪畫在17世紀佛蘭德和荷蘭的作品中非常受歡迎，並且經常描繪一些符號，例如頭骨，花朵，腐爛的水果，時鐘，手錶，煙和沙漏，
Vanitas繪畫：Franciscus Gysbrechts繪製的17世紀Vanitas的例子。
荷蘭畫家
亨德里克·特·布魯格亨(Hendrick ter Brugghen)，格里特·範·洪特霍斯特(Gerrit van Honthorst)，弗蘭斯·哈爾斯(Frans Hals)和朱迪思·萊斯特(Judith Leyster)是荷蘭共和國的重要流派畫家。
荷蘭黃金時代
荷蘭黃金時代是荷蘭歷史上的一個時期，通常跨越17世紀，在荷蘭獨立八十年戰爭(1568-1648年)的後期和之後。儘管荷蘭的黃金時代繪畫出現在整個巴洛克時期的歐洲時期，並且常常表現出許多特徵，但大多數人缺乏對許多巴洛克作品(包括鄰國佛蘭德斯)的典型理想化和熱愛。在這個時代，荷蘭的大多數作品，包括最著名的那個時期，都反映了荷蘭早期繪畫繼承的詳細現實主義的傳統。
這一時期的一個顯著特徵是繪畫種類的氾濫，大多數藝術家在其中一種作品中創作了大部分作品。從1620年代後期開始就可以看到這種專業的全面發展，從那時到法國入侵1672年這段時期就是黃金時代繪畫的核心。烏得勒支卡拉瓦吉蒂·亨德里克·布魯格亨和格里特·範·洪特霍斯特以及弗蘭斯·哈爾斯和朱迪思·萊斯特都是荷蘭共和國的體裁畫家。他們的作品通常描繪了酒館和其他娛樂場所，以滿足荷蘭中產階級不斷增長的階層的口味和興趣。
布魯格亨
亨德里克·揚斯·特·勃呂亨(1588年至1629年)是荷蘭畫家，也是卡拉瓦喬(Caravaggio)或荷蘭卡拉瓦吉斯蒂(Caravaggisti)的荷蘭追隨者的主要成員。Ter Brugghen從13歲開始繪畫，就讀於接受過手法訓練的歷史畫家亞伯拉罕·布洛埃馬特(Abraham Bloemaert)的學習下。大約在1604年，ter Brugghen像許多荷蘭同行一樣前往義大利，以擴大他的技能。在羅馬期間，他本可以與卡拉瓦喬直接接觸。他當然研究了他的作品以及他的追隨者的作品，這些作品被稱為義大利卡拉瓦吉提。回到荷蘭烏得勒支市後，他與荷蘭卡拉瓦吉蒂的另一位成員Gerard van Honthorst合作。
ter Brugghen的長笛演奏者，1621年：ter Brugghen與Gerard van Honthorst一起，於17世紀初從義大利引進了Caravaggio的技術。
Ter Brugghen最喜歡的主題是飲酒者或音樂家的半身人像，但他還製作了較大規模的宗教圖像和團體照。他帶有卡拉瓦喬的影響力，他的畫作對光影有強烈的戲劇性運用，並帶有強烈的情感色彩。儘管他在41歲時去世，但他的工作受到了好評，並在他的一生中具有很大的影響力。
ter Brugghen(1627)的音樂會，99.1 x 116.8 cm，倫敦國家美術館，倫敦：ter brugghen最喜歡的一些主題是飲酒者或音樂家的半身人像，在卡拉瓦喬風格中強烈使用光影。
范·洪特霍斯特
杰拉德·范·霍特霍斯特(Gerard van Honthorst，1590-1656年)生於烏得勒支，並在亞伯拉罕·布洛埃馬特(Abraham Bloemaert)的指導下學習。1616年，洪特霍斯特(Honthorst)也前往義大利，並受到他在義大利遇到的最新藝術的深刻影響。霍恩霍斯特(Honthorst)於1620年返回烏得勒支(Utrecht)，並在荷蘭共和國和國外贏得了相當的聲譽。
霍恩霍斯特(Honthorst)於1628年短暫地成為了英國查爾斯一世的宮廷畫家。他在荷蘭的知名度使他在海牙開設了第二個工作室，在那裡他畫了法院肖像並教授繪畫。霍斯特霍斯特(Honthorst)養育了卡拉瓦喬(Caravaggio)的風格，並且擅長明暗對比，經常畫一根蠟燭照亮的場景。除肖像畫外，他還以與音樂家，賭徒和吃飯的人一起繪製酒館場景而聞名。
媒人杰拉德·範·洪特霍斯特(Gerard van Honthorst)，1625年：這幅畫展示了洪特霍斯特對明暗對比的使用，卡拉瓦喬很喜歡這種明暗對比。
哈爾斯
弗朗斯·哈爾斯(Frans Hals the Elder)(約1582年至1666年)最著名的作品是他鬆散的繪畫筆法，這種生動的風格幫助他引入了荷蘭藝術。哈爾斯(Hals)在17世紀集體畫像的演變中也發揮了重要作用。他的肖像也許最有名，他的肖像主要是富人和著名商人，如彼得·范登·布羅克(Pieter van den Broecke)和艾薩克·馬薩(Isaac Massa)。他還為當地的公民警衛和當地醫院的代表畫了大型團體肖像。他的照片描繪了社會的各個層面：官員，行會的宴會或會議，行長，市長，文員，巡迴演奏者和歌手，紳士，魚夫和小酒館英雄。在他的集體畫像中，例如聖阿德里安民兵公司的軍官，Hals以不同的方式捕獲每個字符。與林布蘭特(Rembrandt)使用金色光芒效果形成鮮明對比的是，哈爾斯(Hals)喜歡日光和銀色光澤。
弗朗斯·哈爾斯(Frans Hals)的聖阿德里安民兵公司的官員，1633年：這是弗朗斯·哈爾斯(Frans Hals)為哈勒姆(Harlem)的克盧維爾人，聖阿德里安(St. Adrian)或聖哈德良(St. Hadrian)公民警衛的第二幅畫；今天，它被認為是弗蘭斯·哈爾斯博物館的主要景點之一。
萊斯特
朱迪思·揚斯·萊斯特(Judith Jans Leyster，1609-1660年)是荷蘭黃金時代繪畫中三位重要的女畫家之一。另外兩位是Rachel Ruysch和Maria van Oosterwijk，是花卉靜物畫的專業畫家，而Leyster畫了各種風格的作品，幾幅肖像畫和一張靜物畫。萊斯特婚後很大程度上放棄了繪畫，並育有五個孩子。萊斯特(Leyster)在她的家庭風格場景中特別創新。在這些照片中，她為家裡的婦女營造了安靜的景象，直到1650年代荷蘭才流行這種主題。
朱迪思·萊斯特(Judith Leyster)的“紙牌遊戲”：萊斯特的題材與該時期的其他體裁畫家相似，不同之處在於她傾向於專注於女性題材。
萊斯特(Leyster)和她的作品雖然在她的一生中就廣為人知，並且受到當時的人們的推崇，但在她去世後很大程度上被人們遺忘了。1893年，盧浮宮購買了自己認為是弗朗斯·哈爾斯(Frans Hals)的那幅畫時，才重新發現了萊斯特，但實際上發現它是朱迪思·萊斯特(Judith Leyster)繪製的。一些歷史學家斷言，由於兩人的工作非常相似，Hals可能是Leyster的老師。例如，萊斯特(Leyster)的《快活的飲酒者》(1629年起)與哈爾斯(Hals)的《快活的飲酒者》(1627-28)非常相似。
林布蘭特
概述：林布蘭特
林布蘭特·哈曼斯祖·範·瑞恩(Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年至1669年)是荷蘭黃金時代的荷蘭畫家和蝕刻師。儘管林布蘭特的晚年生活經歷著個人悲劇和財務困境，但他的版畫和繪畫在他的一生中都很受歡迎，因此贏得了藝術家和老師的極高聲譽。1626年，林布蘭特製作了他的第一幅蝕刻版畫，其廣泛傳播將在很大程度上歸功於他的國際聲譽。
林布蘭特作品的特點
林布蘭特的作品最突出的特徵是他對明暗對比的使用，即光影的戲劇運用。這項技術最有可能源自荷蘭的卡拉瓦吉提人，荷蘭巴洛克畫家米開朗基羅·梅里西·達·卡拉瓦喬的追隨者，他們最早使用了明暗對比技術。同樣值得注意的是，他生動活潑地展示了主題，沒有同時代人經常表現出的僵化形式，以及對人類主題的可見同情，而不論其財富和年齡如何。
在整個職業生涯中，林布蘭特都將肖像畫(取決於富有的顧客的生存委託)，風景畫和敘事畫作為主題。最後，他的同時代人特別讚揚他，他因表達情感和關注細節的技巧而被讚譽為聖經故事的精通解釋者。他的直系親戚經常在他的畫作中佔重要地位，其中許多作品具有神話，聖經或歷史主題。
林布蘭特·提圖斯作為和尚，1660年：林布蘭特的直系親屬經常在他的畫作中出現。這項作品以林布蘭特的兒子提圖斯為和尚。
在後來的幾年中，仍然經常描繪聖經的主題，但是他的重點從戲劇性的團體場景轉移到了像肖像一樣親密的人物(例如，在使徒詹姆斯中， 1661年)。在他的最後幾年中，林布蘭特畫了他最深刻的自畫像(他從1652年到1669年畫了15張)和幾幅男女在愛情，生活和生活中的動人影像(例如猶太新娘，約 1666年)，以及在上帝面前。
猶太新娘，阿姆斯特丹國立博物館。 ：在他的晚年，林布蘭特畫了幾幅男女電影，例如《猶太新娘》。
從風格上講，林布蘭特的繪畫從早期的“平滑”方式(以對錯覺形式的刻畫為特徵的精細技術)發展為後期的對各種雜色油漆表面的“粗糙”處理，從而使形式的錯覺表現為油漆本身。當代的評論有時不以林布蘭特筆法的粗糙為特徵，據說畫家本人是勸說遊客不要過分看他的畫的。豐富多樣的塗料處理方法，層次分明，而且常常很隨意，以一種虛幻的和高度個性化的方式暗示了形式和空間。
自畫像
林布蘭特的自畫像可以追溯到一個不確定的年輕人，從一個小巧但非常成功的1630年代肖像畫家到後來陷入困境但功能強大的肖像畫的發展。在一起，他們給人一個清晰的畫面，這個人，他的外表和他的心理構成，如他那富有風化的臉所揭示的那樣。在他的肖像和自畫像中，他以某種方式傾斜了保姆的臉，使得鼻子的脊幾乎總是在明亮和陰暗的區域之間形成分界線。
自畫像 c。1629年：林布蘭特最早的自畫像刻畫了他的青春，有時甚至是他的不確定性。
自畫像林布蘭特，1659：林布蘭特的許多自畫像提供他的發展作為一個藝術家，並提供洞察到他的個人心理的良好記錄。
風景藝術與室內繪畫
背景：荷蘭和佛蘭芒繪畫
風景畫是17世紀荷蘭共和國的主要題材，其靈感來自16世紀的佛蘭德風景，尤其是安特衛普的風景。這些佛蘭德作品並非特別寫實，大部分是在工作室中繪製的，部分是出於想像力，並且通常仍採用早期荷蘭風景畫典型的半鳥瞰圖風格(按照約阿希姆·帕蒂尼爾(Joachim Patinir)的傳統，赫里遇見德·布雷斯)還有老彼得·布魯格(Pieter Bruegel)。
荷蘭風景
不久荷蘭便出現了一種更寫實的風格，較低的視野使得可以強調該地區典型的令人印象深刻的雲層。最喜歡的對像是西海岸和河流沿岸的沙丘，附近有廣闊的牧場，牧場上放牧牛群，常常與遠處的城市相映成趣。冬季景觀以冰凍的運河和小溪為特色。大海也是最受喜愛的主題，具有軍事和貿易意義。邁向現實主義的重要早期人物是埃塞亞斯·範·德·維爾德(Esaias van de Velde)(1587–1630)和亨德里克·阿弗坎普(Hendrick Avercamp)(1585–1634)。
音調階段
從1620年代後期開始，山水畫的“調和階段”開始了，藝術家們使輪廓變得柔和或模糊，並專注於大氣效果。天空顯得格外突出，通常沒有人像或人跡罕至。這種風格的主要藝術家是揚·範·高恩(Jan van Goyen(1596–1656))，所羅門·範·魯伊斯達(Salomon van Ruysdael)(1602-1670)，彼得·莫林(Pieter de Molyn)(1595-16611)，以及在海洋繪畫中的西蒙·德·弗利格(Simon de Vlieger(1601-1653))，以及許多小人物。
揚·範·高恩(Jan van Goyen)的河景，1652年：揚·範·高恩(Jan van Goyen)在荷蘭山水畫的“調性階段”具有影響力，其特徵是輪廓柔和或模糊，並強調天空。
古典階段
從1650年代開始，“經典階段”開始保持大氣質量，但具有更具表現力的成分和更強的光與色對比。作品通常是由單個“英雄樹”，風車，塔樓或輪船錨定的。這個階段的主要藝術家是雅各布·範·魯伊斯達爾(Jacob van Ruisdael，1628–1682年)，他創作了大量作品，包括北歐風景如畫的黑暗鬆散的山松林，激流和瀑布。
Wijk bij Duurstede的風車：Jacob van Ruisdael(1628–1682)是荷蘭景觀古典時期最傑出的藝術家之一。
其他景觀風格
前景帶有動物的風景是一個獨特的子類型，由Aelbert Cuyp，Paulus Potter(1625–1654)，Adriaen van de Velde(1636–1672)和Karel Dujardin(1626–1678)繪製，並用Philips Wouwerman繪畫各種環境中的騎馬者。母牛是荷蘭人繁榮的象徵，除馬匹外，母牛是迄今為止最常見的動物。山羊用來表示義大利。
在整個色調和古典時期產生的另一種重要景觀類型是浪漫的義大利風情景觀，通常比荷蘭多山，並帶有金色的光芒，有時風景如畫的地中海和廢墟。揚·博特(Jan Both)(卒於1652年)曾到羅馬，曾與法國畫家克勞德·洛蘭(Claude Lorrain)合作，是這一類型的領先開發商。義大利風光作為版畫很受歡迎，在此期間的雕刻中，畫家尼古拉斯·貝赫姆(Nicolaes Berchem)創作的山水畫比其他任何藝術家都多。
揚· 博特(Jan Both)著的《帶廢墟的南部風景》：兩者均以義大利風格的風景風格而著稱。
荷蘭室內風格繪畫
除了山水畫，體裁畫的發展和巨大普及是這一時期荷蘭畫最鮮明的特徵。這些流派的繪畫代表了日常生活中的場景或事件，例如市場，家庭室內裝飾，聚會，客棧場景和街道場景。
體裁繪畫源於早期的荷蘭繪畫的寫實和詳細的背景活動，其中希耶洛繆努斯·博斯(Hieronymus Bosch)和彼得·布魯格(Pieter Bruegel the Elder)最早成為其主要題材之一。風格反映了荷蘭社會日益繁榮的景象，隨著世紀的發展，環境逐漸變得更舒適，更富裕且經過精心描繪。
阿德里亞恩·布勞維爾(Adriaen Brouwer)被認為是佛蘭芒農民小酒館場景的主人。在布勞威爾(Brouwer)以前，農民通常是在戶外描繪的；他通常在樸素而昏暗的室內給他們看。其他共同題材是內部場景的藝術家包括Nicolaes Maes，Gerard ter Borch和Pieter de Hooch。Jan Vermeer專門研究中產階級生活的家庭室內場景；儘管他長期以來是一個非常晦澀的人物，但他現在是荷蘭歷史上最受推崇的體裁畫家。
威猛(Vermeer)的擠奶女工，1658年：威猛(Vermeer)是一位公認的荷蘭體裁繪畫大師，以其中產階級生活的室內場景而聞名。
靜物畫
概述：荷蘭靜物畫
荷蘭的靜物畫傳統很大程度上是由安布羅修斯·博沙特(Ambrosius Bosschaert，1573年至1621年)發起的，他是弗拉芒裔花卉畫家，在該時期初期已定居在北部並建立了王朝。早期的靜物比較明亮，以簡單的方式安排了花束。從15世紀中葉開始，通常可以在黑暗的背景下被稱為巴洛克式的安排開始流行起來，威廉·範·埃爾斯特(Willem van Aelst)(1627–1683)的作品就是例證。來自萊頓，海牙和阿姆斯特丹的畫家尤其擅長此類型。除靜物畫外，荷蘭人此時還領導著植物學和其他科學繪畫，版畫和書籍插圖的世界。
老人花瓶安布羅休斯(Ambrosius Bosschaert)的瓷瓶中的花朵：博沙特(Bosschaert)是一位早期的靜物畫家，建立了花卉畫家的朝代。
靜物主題
靜物提供了一個很好的機會來展示技巧，以非常細膩的效果和高度逼真的光線效果來繪畫紋理和表面。各種質地，顏色和形狀的食物(銀色餐具，複雜的圖案以及在桌布和花朵上的細微褶皺)都對畫家構成了挑戰。
花卉畫是靜物的一種流行子類型，受到瑪麗亞·范·奧斯特威克(Maria van Oosterwyck)和瑞秋·魯伊斯(Rachel Ruysch)等著名女畫家的青睞。死亡的獵物，以及活著但從死亡中研究過的鳥類，是另一種體裁，死魚也是荷蘭人的主要飲食。亞伯拉罕·範·貝耶倫(Abraham van Beijeren)經常畫這個主題。
幾乎所有靜物都有道德主義的信息，通常是關於生命的短暫性。這就是所謂的Vanitas主題。Vanitas主題包含在明確的符號(例如頭骨)中，或不那麼明顯的符號(例如半去皮檸檬)中(代表生活：外觀甜美但味苦)。花會枯萎，食物會腐爛，而銀對靈魂毫無用處。然而，在本世紀下半葉更為詳盡的作品中，這一信息的力量似乎不那麼強大。
最初，靜物畫的主題通常是平凡的。然而，從本世紀中葉開始，展示昂貴和奇特物體的pronkstilleven(“誇張的靜物”)變得越來越流行。威廉·克拉斯松·赫達(Willem Claeszoon Heda(1595–c。1680)和威廉·卡爾夫(1619–1693)是這場朝著pronkstilleven轉變的領導者。在所有靜物畫畫家的作品中，顏色趨於柔和，褐色居多，尤其是在本世紀中葉。
宴會靜物畫，亞伯拉罕·範·貝雷恩(Abraham Van Bereyen)，1660年：這部作品是炫耀性靜物畫的一個例子。
儘管對單個花朵有強烈的寫實感，但繪畫是根據個人研究甚至書籍插圖創作的，來自不同季節的花朵通常都包含在同一作品中。同樣的花朵也出現在不同的作品中，就像餐具一樣。實際上，當時在花瓶中的花瓶花束根本不常見。即使是非常有錢的人也傾向於在delftware鬱金香夾中展示鮮花。
洛可可藝術
洛可可式法國裝飾
洛可可式沙龍以其精緻的細節，蜿蜒的設計作品，不對稱和對打火機，粉彩或金色調色板的傾向而聞名。
在18世紀的歐洲，洛可可風格在室內設計，繪畫，雕塑和裝飾藝術中盛行。對於巴洛克風格的剛性，輕浮而俏皮的洛可可風格首先通過室內設計和裝飾作品得以體現。用法語，沙龍一詞僅指客廳或客廳，而洛可可沙龍則指以洛可可風格設計的中央房間。此外，“沙龍”的概念是一個啟蒙時代的理想，它將起居室轉變為貴族用來招待客人和進行理性對話的中央空間。一個人的建築環境應該鼓勵一種生活方式或反映一個人的價值觀的想法是當時的哲學。
洛可可式的內飾在沙龍的全部藝術品中達到了頂峰。洛可可式沙龍的特點是精緻的細節，複雜的圖案，蜿蜒的設計作品，不對稱性以及對較淺，柔和和金色的調色板的傾向。
布爾瓦萊丹頓·德·洛瓦飯店局：這個洛可可式沙龍的例子體現了蜿蜒的設計工作和大量使用黃金，這都是洛可可式風格的代表。
作為反映地位的另一種手段，在洛可可時期，家具上升到了新的高度，強調了風格所賦予的輕鬆愉悅的輕巧。家具設計成了物理更輕，從而可以很容易地搬來搬去的聚會，和許多專門的好開始嶄露頭角，如太師椅椅子，在voyeuse椅子，和Berger等gondo啦。洛可可時期的家具是獨立式的，而不是壁式的，目的是強調貴族所要求的輕鬆愉快的多功能氛圍。桃花心木由於其強度而成為使用最廣泛的媒介，鏡子也變得越來越流行。
洛可可式沙龍經常在設計中使用不對稱性，這被稱為對比。室內裝飾包括在天花板和牆壁上使用雕刻形式，通常有些抽像或採用葉狀或殼狀紋理。法國洛可可的兩個很好的例子是尚蒂伊小城堡裡的王子沙龍，由讓·奧伯特(Jean Aubert)裝飾。以及Germain Boffrand所設計的巴黎Soubise酒店的沙龍。這兩家沙龍都展現出典型的洛可可風格，其牆壁，天花板和裝飾線條均基於“ S”的基本形狀以及貝殼形狀和其他自然形狀裝飾著精緻的曲線交錯。
Salon de la Princesse沙龍：巴黎Soubise酒店的洛可可式內飾，展示了高度精緻的天花板工程。
在法國，這種風格在1750年代開始下降。洛可可式風格因其瑣碎的裝飾和多餘的裝飾而受到批評，到1760年代，它已經變得更加樸素，新古典主義開始成為法國和歐洲其他地區的主要風格。
洛可可繪畫和雕塑
繪畫中的洛可可風格與其他表現形式的品質相呼應，包括蛇形線條，大量使用裝飾品以及圍繞嬉戲，愛與自然的主題。
洛可可繪畫
洛可可時期的繪畫具有許多與其他洛可可藝術形式相同的品質，例如大量使用裝飾品，曲線和使用基於金和粉彩的調色板。另外，形式通常是不對稱的，主題是好玩的，甚至是機智的，而不是像巴洛克藝術那樣的政治性的。與愛情神話以及肖像和田園風景有關的主題是洛可可式繪畫的代表。
安托萬·瓦托
安托萬·瓦托(Antoine Watteau)被認為是第一位洛可可式的偉大畫家。他的影響力在後來的洛可可式畫家弗朗索瓦·布歇(Francois Boucher)和奧諾·弗拉戈納德(Honore Fragonard)的作品中可見。瓦托(Watteau)以其柔和的油漆應用，夢幻的氛圍以及經常圍繞青年和愛情而刻畫的古典主題而著稱，這幅畫在《朝著Cythera的朝聖》中 得到了體現。
安托萬· 瓦托(Antoine Watteau)對Cythera的朝聖之旅：瓦托(Watteau)標誌性的柔和塗抹，夢幻般的氣氛以及對圍繞青年和愛情的古典主題的描繪，在他對Cythera的朝聖中很明顯。
弗朗索瓦·布歇
弗朗索瓦·布歇(Francois Boucher)成為洛可可繪畫的大師，比瓦陶晚一些。他的作品體現了許多相同的特徵，儘管略帶調皮和暗示性。Boucher的事業卓著，並於1765年成為路易十五國王的宮廷畫家。Boucher的職業生涯後期引起爭議，因為Boucher因其作品中的主題受到狄德羅特等人的道義批評。金發碧眼的宮廷女皇特別有爭議，因為據說它說明了國王的額外婚姻事務。
金發宮女弗朗索瓦布歇：金發宮女是由弗朗索瓦布歇一個極具爭議的作品，因為它被認為描繪國王路易十五的外遇。該作品採用蛇形線條，合理柔和的調色板和代表洛可可藝術品的愛情主題。
洛可可雕塑
在雕塑方面，艾蒂安·莫里斯·法爾科涅特(Etienne-Maurice Falconet)的作品被廣泛認為是洛可可風格的最佳代表。通常，洛可可式雕塑使用非常精緻的瓷器代替大理石或其他重介質。Falconet曾是Sevres一家著名的瓷器廠的廠長。洛可可式雕塑中的流行主題與其他媒介的主題相呼應，古典主題，天使，愛情，嬉戲和自然的展示最常被描繪成雕塑《皮格馬利翁》和《加拉特》。
皮格馬利翁和GALATEE由艾蒂安莫里斯隼：皮格馬利翁和GALATEE表示在其輕快的愛情的描寫，包括指示其傾向神話中的天使艾蒂安Maurica隼的洛可可風格。
洛可可式建築
18世紀的洛可可式建築是巴洛克式建築的一種更輕巧，更優美，更精緻的版本。
洛可可式建築是更華麗，更精緻的巴洛克式建築的巴洛克式建築。儘管樣式相似，但洛可可式和巴洛克式建築之間存在一些顯著差異，例如對稱性。洛可可式強調形式的不對稱性，而巴洛克式則相反。儘管裝飾風格豐富，但風格各有不同。巴洛克風格更為嚴肅，強調宗教，通常以基督教主題為特徵(巴洛克風格始於羅馬，是對新教改革的回應)；洛可可式建築是18世紀更為世俗的巴洛克式改建，其特點是更為輕鬆愉快的主題。洛可可式建築風格的其他元素包括許多曲線和裝飾，
洛可可式建築和建築師有很多例子。其中最著名的包括俄羅斯的凱瑟琳宮，葡萄牙的Queluz國家宮殿，布魯爾的奧古斯都堡宮和法肯斯特宮，波茨坦的中國房屋，德國的夏洛滕堡宮以及法國的凡爾賽宮。以這種風格的建築而聞名的建築師包括：弗朗索瓦·德·庫維利耶（François de Cuvilliés）、阿桑兄弟（Asam Brothers）；巴爾塔薩·諾伊曼（Balthasar Neumann）、路易·克洛德·尼古拉·勒杜（Claude Nicolas Ledoux）。
巴洛克時期的雕塑
巴洛克時期的雕塑是17世紀歐洲藝術的一個重要組成部分，以其戲劇性、動態感和情感表達聞名。這一時期的雕塑深受宗教改革與反宗教改革（Counter-Reformation）的影響，旨在通過藝術喚起觀者的宗教虔誠與情感共鳴。巴洛克雕塑超越了文藝復興時期對均衡與和諧的追求，更注重通過動態的姿態、豐富的細節和巧妙的光影運用來營造視覺上的震撼力和感官刺激。
巴洛克雕塑的一個重要特徵是動態感，作品通常以強烈的運動姿態和複雜的構圖表現人物的情感與行動。義大利雕塑家貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）是巴洛克雕塑的代表人物，他的作品《大衛》（David）展現了動態與力量的結合。與文藝復興時期米開朗基羅（Michelangelo）的《大衛》相比，貝尼尼的《大衛》捕捉了人物在戰鬥中的瞬間動作，身體扭轉的姿態和緊張的面部表情使雕像充滿生命力與張力。此外，他的《阿波羅與達芙妮》（Apollo and Daphne）則以流暢的線條和精細的細節描繪了達芙妮在變成月桂樹瞬間的身體變化，展現了極高的技術和藝術水準。
光線的運用是巴洛克雕塑的另一大特色。雕塑家通過材質與表面的處理使作品能夠捕捉光線，增強視覺效果。貝尼尼的《聖泰瑞莎的狂喜》（Ecstasy of Saint Teresa）是光線運用的經典範例，作品描繪了聖泰瑞莎接受神聖啟示時的神秘經歷。雕塑中的金屬光線條從上方的隱藏光源射下，為作品增添了一層神聖的光輝，進一步強化了宗教情感與靈性體驗。
巴洛克雕塑也以其豐富的情感表達著稱，特別是在宗教作品中強調信仰與靈性體驗。例如，西班牙雕塑家格雷戈里奧·費爾南德斯（Gregorio Fernández）的《受難基督》（Cristo Yacente）作品以極度真實的方式描繪了基督受難後的場景。這些雕像常用木材製成，並以精緻的塗彩技術處理，使其看起來像真實的肉體。基督的身體傷痕累累，面容流露出痛苦和平靜，深深打動了觀者的內心。
除了宗教題材，世俗雕塑在巴洛克時期也開始發展，尤其是在宮廷和貴族的贊助下創作的雕塑。這些作品通常用來彰顯權力與榮耀，例如騎士雕像和宮殿裝飾。法國雕塑家弗朗索瓦·吉拉爾東（François Girardon）為凡爾賽宮創作的《阿波羅的戰車》（Apollo’s Chariot）是一個典型例子。該雕塑以古典神話為主題，強調對稱與秩序，同時融合了巴洛克的戲劇性與豪華感。
材質的多樣性是巴洛克雕塑的一大特徵，雕塑家運用了大理石、青銅、木材和金屬等多種材料來表現不同的質感和效果。大理石因其適合細膩的雕刻而被廣泛應用，例如貝尼尼的作品中常見以大理石表現肌膚的柔軟與衣物的流動感。而木材在西班牙和德國地區的宗教雕塑中使用尤為頻繁，這些雕塑多被塗彩，增強了視覺真實性。
巴洛克雕塑還展現了對空間的創新利用，常與建築相結合形成完整的視覺效果。義大利羅馬的聖彼得大教堂內，貝尼尼設計的《聖彼得寶座》（Cathedra Petri）就是雕塑與建築融合的典範。作品中融入了青銅雕塑、彩色玻璃和金箔裝飾，營造出壯觀而神聖的氛圍，使雕塑成為建築空間中不可分割的一部分。
地域特徵是巴洛克雕塑的一個重要面向。義大利的巴洛克雕塑以宗教題材和情感表現為主，而西班牙則更強調戲劇性和情感的直觀衝擊。法國巴洛克雕塑受古典主義影響較深，更注重秩序與對稱性。在北歐地區，巴洛克雕塑逐漸融入世俗主題，並適應新教的宗教需求，作品更加簡潔但依然保留巴洛克風格的情感張力。
巴洛克雕塑的特點體現在其戲劇性、情感深度、動態感和對光影的精妙運用之中，無論是宗教還是世俗作品，都展示了雕塑家對材質、技術和空間的高度掌控，並成為那個時代宗教與權力的象徵性藝術語言。
貝爾尼尼的作品
吉安·洛倫佐·貝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）是該時代的主要人物。貝爾尼尼的雕塑作品十分豐富多樣。該聖特里薩的迷魂藥在爾納羅教堂，勝利之後聖母堂，和現在隱藏康斯坦丁在斯卡拉核桃基地（他設計的）是他最知名的作品之一。貝爾尼尼還獲得了聖彼得八世教皇陵墓的委託。
貝爾尼尼（Bernini）對聖特蕾莎的迷戀：貝爾尼尼是巴洛克時期最傑出的雕塑家。
1665年，因應國王路易十四的一再要求，貝爾尼尼（Bernini）在名聲鼎盛的時候前往巴黎住了幾個月。他的國際知名度令他在城市漫步時，街道兩旁都是熱鬧的人群。在這裡，貝尼尼展示了一些盧浮宮東面的設計，但最終被拒絕了。當他稱讚義大利的藝術和建築勝過法國的藝術和建築時，他很快在法國法院失寵。他在巴黎停留的唯一作品是路易十四的半身像，這為一個世紀的皇家肖像畫設定了標準。